Verk av rysk konst från 1700-talet. Europeiska trender inom rysk måleri

1700-talet är en period då kolossala förändringar ägde rum på alla områden: politiska, sociala, offentliga. Europa introducerar nya genrer i det ryska måleriet: landskap, historiskt, vardagsliv. Måleriets realistiska riktning blir dominerande. En levande människa är en hjälte och bärare av den tidens estetiska ideal.

1700-talet gick in i konsthistorien som bildporträttens tid. Alla ville ha sitt eget porträtt: från drottningen till en vanlig tjänsteman från provinserna.

Europeiska trender inom rysk måleri

Kända ryska konstnärer från 1700-talet tvingades följa västerländskt mode på uppdrag av Peter I, som ville europeisera Ryssland. Han lade stor vikt vid utvecklingen av konst och planerade till och med att bygga en specialiserad utbildningsinstitution.

Ryska konstnärer från 1700-talet behärskade nya tekniker för europeisk målning och avbildade på sina dukar inte bara kungar, utan också olika bojarer, köpmän, patriarker, som försökte hänga med i mode och ofta gav lokala konstnärer i uppdrag att måla ett porträtt. Samtidigt försökte dåtidens konstnärer berika porträtten med husgeråd, inslag av folkdräkten, natur och så vidare. Uppmärksamheten fokuserades på dyra möbler, stora vaser, lyxiga kläder, intressanta poser. Bilden av dåtidens människor uppfattas idag som en poetisk berättelse av konstnärer om sin samtid.

Och ändå skiljer sig porträtten av ryska konstnärer från 1700-talet från porträtten av inbjudna utländska målare i en slående kontrast. Det är värt att nämna att konstnärer från andra länder bjöds in för att utbilda ryska konstnärer.

Typer av porträtt

Början av 1700-talet präglades av porträttmålarnas vädjan till halvceremoniella och kammarvyer Porträtt av målare från andra hälften av 1700-talet ger upphov till sådana typer som front, semi-ceremoni, kammare, intim.

Den främre skiljer sig från andra i bilden av en person i full tillväxt. Glitter av lyx - både i kläder och i hushållsartiklar.

En halvfrontvy är en bild av en knälång eller midjelång modell.

Om en person avbildas på en neutral bakgrund upp till bröstet eller midjan, kallas denna typ av porträtt kammare.

Porträttets intima utseende antyder en vädjan till bildens hjältes inre värld, medan bakgrunden ignoreras.

porträttbilder

Ofta tvingades ryska konstnärer från 1700-talet att förkroppsliga kundens idé om sig själv i en porträttbild, men inte på något sätt en riktig bild. Det var viktigt att ta hänsyn till den allmänna opinionen om den eller den personen. Många konsthistoriker har länge kommit fram till att den tidens huvudregel var att avbilda en person inte så mycket som han verkligen var, eller som han skulle vilja vara, utan som han kunde vara i sin bästa reflektion. Det vill säga i porträtten av någon person som de försökte framställa som ett ideal.

Första artister

Ryska konstnärer från 1700-talet, vars lista i allmänhet är liten, är i synnerhet I. N. Nikitin, A. P. Antropov, F. S. Rokotov, I. P. Argunov, V. L. Borovikovsky, D G. Levitsky.

Bland de första målarna på 1700-talet finns namnen på Nikitin, Antropov, Argunov. Rollen för dessa första ryska konstnärer på 1700-talet var obetydlig. Det reducerades bara till att skriva ett stort antal kungliga bilder, porträtt av ryska adelsmän. Ryska konstnärer från 1700-talet - mästare av porträtt. Även om de ofta helt enkelt hjälpte utländska hantverkare att måla väggarna i ett stort antal palats och göra teatraliska landskap.

Namnet på målaren Ivan Nikitich Nikitin kan hittas i Peter I:s korrespondens med sin fru. Hans pensel tillhör porträttet av kungen själv, kansler G. I. Golovin. Det finns inget konstlat i hans porträtt av utomhushetmannen. Utseendet förändras inte av en peruk eller domstolsdräkt. Konstnären visade hetman som han gör i verkligheten. Det är i livets sanning som den största fördelen med Nikitins porträtt ligger.

Antropovs verk finns bevarat i bilderna av St. Andrews katedral i Kiev och porträtt på synoden. Dessa verk kännetecknas av konstnärens förkärlek för gula, olivfärger, eftersom han är en målare som studerade med mästaren i ikonmåleri. Bland hans berömda verk finns porträtt av Elizabeth Petrovna, Peter I, prinsessan Trubetskoy, Ataman F. Krasnoshchekov. Antropovs verk kombinerade traditionerna för den ursprungliga ryska målningen på 1600-talet och kanonerna för de sköna konsterna från Petrine-eran.

Ivan Petrovich Argunov är en berömd livegenporträttmålare av greve Sheremetyev. Hans porträtt är graciösa, personernas ställningar är fria och rörliga, allt i hans verk är precist och enkelt. Han är skaparen av ett kammarporträtt, som senare kommer att bli intimt. Konstnärens betydelsefulla verk: Sheremetyevs, P. B. Sheremetyev i barndomen.

Du ska inte tro att det vid den tiden inte fanns några andra genrer i Ryssland, men de stora ryska konstnärerna på 1700-talet skapade de mest betydande verken i porträttgenren.

Toppen av 1700-talet var Rokotovs, Levitskys och Borovikovskys verk. Personen i porträtten av konstnärer är värd beundran, uppmärksamhet och respekt. Känslornas mänsklighet är ett kännetecken för deras porträtt.

Fjodor Stepanovich Rokotov (1735-1808)

Nästan ingenting är känt om Fjodor Stepanovich Rokotov, en rysk 1700-talskonstnär från prins I. Repnins livegna. Denna konstnär skriver mjukt och luftigt porträtt av kvinnor. Inre skönhet känns av Rokotov, och han finner sättet att förkroppsliga den på duk. Även den ovala formen på porträtten betonar bara kvinnors ömtåliga och eleganta utseende.

Huvudgenren i hans verk är ett halvklänningsporträtt. Bland hans verk finns porträtt av Grigory Orlov och Peter III, prinsessan Yusupova och prins Pavel Petrovich.

Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822)

Den berömda ryska konstnären på 1700-talet, Dmitry Grigoryevich Levitsky, en elev till A. Antropov, kunde känsligt fånga och återskapa de mentala tillstånden och egenskaperna hos människor i sina målningar. Han skildrar de rika, han förblir sanningsenlig och opartisk, hans porträtt utesluter obsequiousness och lögner. Hans pensel äger ett helt galleri med porträtt av stora människor från 1700-talet. Det är i det ceremoniella porträttet som Levitsky uppenbarar sig som en mästare. Han hittar uttrycksfulla poser, gester, visar ädla adelsmän. Rysk historia i ansikten - så kallas Levitskys verk ofta.
Målningar som tillhör konstnärens pensel: porträtt av M. A. Lvova, E. I. Nelidova, N. I. Novikov, the Mitrofanovs.

Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825)

Ryska konstnärer från 1700- och 1800-talen kännetecknas av sin vädjan till det så kallade sentimentala porträttet. Konstnären Vladimir Lukich Borovikovsky målar eftertänksamma tjejer, som avbildas i hans porträtt med ljusa färger, de är luftiga och oskyldiga. Hans hjältinnor är inte bara ryska bondekvinnor i traditionell klädsel, utan också respekterade damer i det höga samhället. Dessa är porträtt av Naryshkina, Lopukhina, prinsessan Suvorova, Arsenyeva. Bilderna är lite lika, men det går inte att glömma dem. kännetecknas av den fantastiska subtiliteten hos de överförda karaktärerna, de nästan svårfångade dragen hos känslomässiga upplevelser och känslan av ömhet som förenar alla bilder. I sina verk avslöjar Borovikovsky all skönheten hos en kvinna på den tiden.

Arvet från Borovikovsky är mycket mångsidigt och omfattande. Det finns i hans verk både ceremoniella porträtt, samt miniatyr- och intima dukar. Bland Borovikovskys verk var de mest kända porträtten av V. A. Zhukovsky, G. R. Derzhavin, A. B. Kurakin och Paul I.

Målningar av ryska konstnärer

Målningar från 1700-talet av ryska konstnärer är skrivna med kärlek till en person, hans inre värld och respekt för moraliska dygder. Varje artists stil är å ena sidan väldigt individuell, å andra sidan har den flera gemensamma drag med andra. Detta ögonblick bestämde själva stilen som betonar karaktären av rysk konst på 1700-talet.

De flesta ryska konstnärerna från 1700-talet:

1. "Ung målare" Andra hälften av 1760-talet Författaren Ivan Firsov är den mest gåtfulla konstnären på 1700-talet. Målningen föreställer en pojke i uniform som målar ett porträtt av en liten vacker flicka.
2. "Farväl av Hector till Andromache", 1773 författare Anton Pavlovich Losenko. Den sista målningen av konstnären. Den skildrar en scen från den sjätte kantonen i Homeros Iliaden.
3. "Stenbro i Gatchina nära Connetable Square", 1799-1801. Författare Semyon Fedorovich Shchedrin. Bilden visar en landskapsvy.

Och fortfarande

Ryska konstnärer från 1700-talet försökte fortfarande avslöja sanningen och människors sanna karaktärer, trots livegenskapens villkor och rika kunders önskemål. Porträttgenren på 1700-talet förkroppsligade det ryska folkets specifika egenskaper.

Utan tvekan kan man säga att, hur mycket konsten på 1700-talet än påverkades av den europeiska kulturen, ledde den ändå till utvecklingen av nationella ryska traditioner.

Även om det också är nödvändigt att erkänna det faktum att nya förändringar dök upp redan på 1600-talet, men i början av 1700-talet vinner en ny konst snabb utveckling och vinner en avgörande seger. Således skiljer sig rysk 1700-talskonst i många avseenden från medeltida gammal rysk konst, även om den har interna kopplingar till den. De karakteristiska dragen för 1700-talets konst är sekulariseringen av konsten genom den sk.

Dela arbete på sociala nätverk

Om detta verk inte passar dig finns en lista med liknande verk längst ner på sidan. Du kan också använda sökknappen

RYSK KONST XVIII-TALET

1700-talet är en betydande period i rysk historia.Det här är en tid av förändring, omstruktureringekonomisk, politisk, militär, offentligenheter i Ryssland, såväl som förändringar v utbildning, vetenskap och konst. Nya omvandlingar initierades av Peters reformer jag.

Peter I vände landet in på den europeiska civilisationens väg.Detta är tiden för den aktiva processen för europeisering av det ryska livet.. Övergången från det antika Ryssland till det nya Ryssland, från medeltid till modern tid, försenades i Ryssland i nästan trehundra år och skedde med nya livsformer som redan bildades i väst. Under cirka 50 år var Ryssland på alla sfärer tvunget att gå igenom den utvecklingsväg som varade i 2-3 århundraden i väst.Utvecklingen får en dynamisk, intensiv, aktiv karaktär. Därav och ett karakteristiskt drag för rysk konst är utvecklingens "komprimering".Denna komprimering gav upphov i rysk konst till den parallella existensen av flera stilistiska trender samtidigt, inkonsekvensen av vissa kulturella fenomen med objektiva förhållanden, bristen på konsekvens i förändringar och deras synkronism inom olika konstområden.Det är inget mjukt flöde från scen till scen utan vi pratar om en vändpunkt och skarpa svängar.Även om det också måste erkännasdet faktum att nya förändringar har dykt upp i XVII århundradet, men i början XVIII århundraden utvecklas den nya konsten snabbt och vinner en avgörande seger. Peter I var lokomotivet som drev bildandet av en ny era.Trontillträdet för den som var förutbestämd att bli den första ryske kejsaren innebar slutet av medeltiden med dominansen av "religiös fromhet", kulten av stat och statsmakt, bildandet av sekulär konst.

Rysk sekulär konst föddes under dånet från Peters fyrverkerier.Peter som person hade ett visst inflytande på bildandet av ny konst. Petrinetidens innovationer återspeglades i den till stor del våldsamma förändringen av livet, invasionen av ett nytt mode. Peter skickar folk att studera utomlands. Peter är själv intresserad av många saker, visar professionell medvetenhet i många frågor.

Önskan om kunskap om världen, vetenskapens utveckling, utvidgningen av boktryckning, skapandet av Vetenskapsakademien i slutet av Peters regeringstid - allt detta bidrog till att stärka en ny, sekulär kultur. Kunskapens patos, liksom statens patos, genomsyrar konsten.

Den ryska konsten går in på den alleuropeiska utvecklingens väg, vägrar medeltida isolering, men bryter på intet sätt med hundraåriga nationella traditioner.

Ryssarnas bekantskap med europeisk konst skedde på flera sätt: västerländska konstnärer bjöds in att arbeta i Ryssland, europeiska konstverk köptes utomlands och de mest kapabla mästarna gick för att studera i utomeuropeiska länder som pensionärer, det vill säga för statliga pengar. De första sändebuden - konstnärernas bröder Nikitin, M. Zakharov och F. Cherkasov - åkte till Italien 1716, Andrey Matveev åkte till Holland.

Resten, och de var majoriteten, stannade hemma och studerade i vapenhusets tradition, på St. Petersburgs tryckeri, på Kunstkameran eller i andra statliga departement.

Sedan 1706 organiserades Stadsärendekontoret, döptes 1723 om till Byggnadskontoret, som hade hand om allt byggnadsarbete i S:t Petersburg och förenade alla så kallade statliga arkitekter och målare i den offentliga tjänsten. Peter kläckte en plan för skapandet av den ryska konstakademin, analyserade de projekt som föreslagits för honom. Men en oberoende konstakademi under Peter var inte organiserad. 1724 utfärdade kejsaren ett dekret om inrättandet av "Academy, or societe of arts and sciences", och från 1726 fanns det vid Vetenskapsakademien en konstavdelning där huvuduppmärksamheten ägnades åt teckning och gravyr, rent praktiska uppgifter av den mest pressande karaktär. . Först 1748 utökades konstavdelningen till klasser i arkitektur, skulptur, måleri och perspektiv.

På det här sättet, rysk konst XVIII århundradet i många avseenden skiljer sig kraftigt från medeltida forntida rysk konst, även om den har interna kopplingar till den. konstens karaktäristiska drag XVIII-talet är sekularisering av konsten, d.v.s.konstens sekulära natur;stat, offentlig karaktär; europeisering , låna former av europeisk konst; växande rollrationellt tänkande och kognition; aktiv utveckling av realistiska tendenser.

Bedömning av rysk konst XVIII århundraden i rysk och sovjetisk konsthistoria var inte densamma. Redan på 40-talet XIX århundradet N. Puppeteer klagade över att vivi har glömt vårt förflutna och uppfattar samtidskonsten som en "utomjording". Slavofiler i mitten och andra halvlek XIX v. skällde ut förra århundradets konst förseparation från gamla ryska rötter. V.V. Stasov, som uttryckte den allmänna ståndpunkten för demokratisk kritik, såg i honomendast ett uttryck för ädel kultur,ädla ideal, censurerade honom förkopiering och imitation, per "provinsiell upprepning av franskt mode". Viollet le Duc skrev i allmänhet det till XVIII talet var rysk konst en båge mot öster, och från XVIII-talet - till väst . Och bara i den sista tredjedelen XIX talet, uppmärksamheten på konsten från denna period intensifieras, vi är särskilt skyldiga här till "Konstens värld". Denna studie började med "Historisk utställning av porträtt av kända personer XVI – XVIII århundraden" och verken av kompilatorn av dess katalog P.N. Petrov, från de utställningar som arrangerades av World of Art 1902 (Utställning av ryskt porträttmåleri i 150 år, från 1700 till 1850) och 1905. (den så kallade Tauriden, eftersom den ägde rum i Tauridepalatset), från utställningarna av rysk porträtt i Paris och Berlin 1906, från utställningen "Lomonosov and the Elizabethan time" 1912, från publiceringen av tidskriften " Old Years", till stor del tillägnad konst XVIII århundradet (1907–1916). Däremot älskare XVIII århundradet såg "World of Art" hos konstnärerna från denna tid, också, endast skickliga imitatorer av västeuropeisk konst.

Studie XVIII århundradet fortsatte in XX århundrade. Sovjetisk konsthistoria i att förstå och utvärdera problemen XVIII århundradet har olika perioder passerat och har en annan karaktär av forskning - från museitillskrivning till generaliserad teoretisk.

"Peter, som en historisk statsman," skrev N. Kostomarov, "bevarade för oss i sin personlighet ett sådant högst moraliskt drag som ofrivilligt attraherar hjärtat till honom; detta drag är hängivenhet åt den idé som han ägnat hela sin själ åt under hela sitt liv. Han älskade Ryssland, han älskade det ryska folket, han älskade dem inte i betydelsen av massan av moderna ryska människor som var föremål för honom, utan i betydelsen av det ideal som han ville föra detta folk till; och det är denna kärlek som i honom utgör den höga egenskap som förmår oss, bortom vår egen vilja, att älska hans person, och lämnar åt sidan både hans blodiga repressalier och all hans demoraliserande despotism, som återspeglas av ett elakartat inflytande på eftervärlden. För Peters kärlek till det ryska folkets ideal kommer en rysk person att älska Peter tills han själv förlorar folkets ideal för sig själv, och för denna kärleks skull kommer han att förlåta honom allt som var en tung börda för hans minne ”(N Kostomarov, rysk historia i hennes biografier nyckelpersoner, vol. 3, s. 243).

Följande periodisering av rysk konst har antagits XVIII århundradet:

• Första hälften av 1700-talet:

1700-1725 (första kvarten XVIII århundradet) - Petrine-eran;

1730-1740 - tiden för Anna Ivanovna;

• mitten av artonde århundradet (1740-1760) - Elizabeth Petrovnas tid.
• Andra halvan av XVIII århundradet - Katarinas tid II.

RYSK KONST AV FÖRSTA HALVÅL XVIII-TALET.

Under första kvartalet XVIII-talet , i den s.kpetrin tid, Allt den nya tidens motsättningar och konflikter framträder i en särskilt naken och skärpt form. Vid den här tiden finns det "ren" ny konst, och gammalt med inslag av nytt, och slutligen barautveckling på det gamla sättet. Ytterst nya stilistiska anordningar varierades också: egendomlig blandning av element av barock, rokoko, klassicism. Den mellersta (anslutande) länken i börjans stilsystem XVIII talet är den tidiga barocken, som fick namnet - "Petrine barock".

Peters barock- en arkitektonisk stil där influenserna från italiensk barock, tidig fransk klassicism och rokoko, holländsk civilarkitektur och en rad andra stilar och trender har smält samman. Var och en av arkitekterna som arbetade i St. Petersburg introducerade sitt lands traditioner, i den arkitektskola han representerade, i utseendet på byggnaderna som byggdes. Petrinbarocken är alltså inte barock i sin renaste form, och denna term är ganska godtycklig. Samtidigt återspeglar den förvisso den latenta, fortfarande implicita trenden från Petrine-eran och hjälper till att förklara den ryska arkitekturens fortsatta utveckling mot den mogna barocken i mitten av 1700-talet.

Rysk arkitektur börjar XVIII århundradet ("Peters barock") kännetecknas av enkelhet i volymetriska konstruktioner, tydlighet i artikulation och återhållsamhet av dekorativ och skulpturell dekoration, platt tolkning av fasader(fasaderna delas av pilastrar eller blad som inte ger skarpa kontrasterande skuggor). Detta är särskilt märkbart i jämförelse med slutets arkitektur XVII-talet och mitten av XVIII-talet. Till skillnad från Naryshkin-barocken, som var populär vid den tiden i Moskva, representerade Petrine-barocken ett avgörande brott med bysantinska traditioner.

Alla arkitektoniska möjligheter var inriktade på byggandet av St. Petersburg, som grundades som hamn och fästning 1703, och 1712 blev statens huvudstad.

Att bygga en stad i träsken, under det svåra norra kriget, var en djärv, nästan orealistisk idé. ("Den mest överlagda staden i världen", sa FM Dostojevskij senare om det.) Alla statens krafter, utan överdrift, kastades in i byggandet av en ny stad (Peter I förbjöd vid den tiden att uppföra stenbyggnader var som helst utom St. Petersburg). Det betyder inte att byggnadsarbeten inte alls utfördes i Moskva. Men S:t Petersburg håller på att bli det verkliga centrumet, genom vilket Rysslands vitala förbindelse med västvärlden genomförs. I arkitekturen i Moskva och de ryska provinserna lever gamla traditioner i sin rena form under lång tid.

Peter segraren ville inte vara sämre än europeiska monarker, inte ge efter för dem i prakt, därför bjöds alla inhemska mästerarkitekter och många utlänningar in att bygga St Petersburg och dess förorter: italienare, fransmän, tyskar, holländare.

Attraktionen till europeisk arkitektur ger rysk mark ett annat ideal för staden - en regelbundet och rationellt planerad enda arkitektonisk ensemble.Till skillnad från medeltiden är detta inte längre slutresultatet av historisk, till stor del spontan utveckling, utan ett slagsgigantiskt arbete skapat utifrån projektet.

Peter bjöd in den franske kungliga arkitektenJEAN-BAPTISTE LEBLOND(1679–1719), som formgerPetersburg planeringsprojekt(1716). Men en viss abstrakthet i idén, liksom komplexiteten i den lokala reliefen, tillät inte detta projekt att förverkligas, även om den allmänna andan av regelbundenhet i Leblon-projektet bevarades i St. Petersburgs arkitektur.

Jag själv Stadsplanen med dess regelbundenhet och symmetri, med dess parallellt-vinkelräta arrangemang av gator, byggande längs den röda linjen var nytt i jämförelse med de gamla ryska städerna.

Stadsplanering överger det medeltida radiella ringschemat till förmån för ett rektangulärt nätverk av gator, huvudgator som konvergerar vid en punkt och bildar en "trident" och andra liknande layouter

Staden uppstod först som en fästning och en hamn, så var en av de första byggnadernaPETER-PAVELS FÄSTNING(uppsatt den 16 maj (27), 1703 på Hare Island) ochADMIRALITET(skeppsvarv), omgiven av befästningar.

Stadens centrum skapades först på Petersburg-sidan (Petrogradsky Island), direkt under skyddet av fästningen, men överfördes snart till Vasilyevsky Island. Admiralteyskaya-sidan var också stadens centrum, där Nevsky- och Voznesensky-avenyerna och Gorokhovaya-gatan som uppstod lite senare avgick från Admiralteyskaya-tornet med en spira med tre balkar.

Bland utländska arkitekter var den största rollen i arkitekturens utveckling början XVIII århundradet tillhördeDOMENICO TRESINI(ca 1670-1734), som vid den tiden faktiskt blev S:t Petersburgs huvudarkitekt.

PETER OCH PAULUS KATEDRAL I PETER OCH PAULUS FÄSTNING(1712–1733, efter branden 1756 återställdes den i sin ursprungliga form) - den dominerande av den nya huvudstaden,en av Domenico Trezzinis mest kända byggnader. Detta är en treskeppig basilikakyrka, kompletterad i den västra delen av ett högt klocktorn med en spira och en väderflöjel i form av en flygande ängel. Peter och Paul-katedralen - den högsta byggnaden i St. Petersburg(förutom tornet på tv-centret). Dess höjd är 122,5 meter, höjden på spiran är 40 meter, höjden på figuren av en ängel är 3,2 meter, vingspannet är 3,8 meter.

Klocktornet är inte längre en oktagon på en fyrkant, som redan är bekant för det ryska ögat, utan en enda uppsättning, i flera våningar, som påminner om europeiska klocktorn eller rådhustorn. Katedralen var ryska kejsares grav, som började med Peter jag.

Sekulär karaktärPeter och Paul-katedralens allmänna utseende,enkelheten i bildlig lösning, plats byggnader i "sammanhang" av den urbana ensemblen- allt detta avgjorde den grundläggande rollen för Trezzinis verk i ett antal andra monument från Peter den stores tid.

Domenico Trezzini utfördes också PETER'S GATES till Peter och Paul-fästningen(1707-1708 - först i trä och 1717-1718 överförd till sten) för att hedra Rysslands seger i norra kriget. Detta är fästningens huvudport, från dess östra del, det enda bevarade exemplet på börjans triumfstrukturer XVIII århundrade. De har formen av en enspansbåge, krönt med en massiv vind med en halvcirkelformad välvd fronton, dekorerad med valutor och reliefer. För att dekorera porten inbjöds skulptören Konrad Osner den äldre, som gjorde en trärelief "Simon trollkarlens störtande av aposteln Petrus", i allegorisk form för att förhärliga Rysslands seger över Sverige (senare överförd till stenporten). . Portnischerna var dekorerade med statyer av krigsgudinnorna Bellona och Minervas visdom, vars författarskap tillskrivs N. Pino.

stor byggnad D. Trezzini var BYGGNADEN AV TOLF COLLEGE(ministerier) (1722, färdigställd 1742 med deltagande av Mikhail Zemtsov) för de högsta statliga institutionerna. Den tre våningar långa byggnaden är uppdelad i 12 lika stora element (celler) - "högskolor" (var och en med ett oberoende tak), förbundna med en enda korridor och gallerier på första våningen (endast en har överlevt till denna dag). Pilastrarna som förenar de två övre våningarna ger hela byggnaden en sammanhållen karaktär.

Under Peter var det påbörjat och heltny i syfte och arkitektur byggnad av det första ryska museet– KUNSTKAMERA , som successivt ersatte varandra, byggdesGeorg Johann Mattarnovi, Nikolai Fedorovich Gerbel, Gaetano Chiaveri och Mikhail Grigorievich Zemtsov(1718–1734). Tornet som färdigställde byggnaden var avsett för astronomiska observationer, stora dubbelhöga salar med kör på andra och tredje våningen – för naturhistoriska samlingar och ett bibliotek.

Från de tidiga byggnaderna i St Petersburg överlevdePETERS SOMMARPLATS JAG I SOMMAREN (1710-1714, Domenico Trezzini, Andreas Schlüteretc.), en enkel rektangulär tvåvåningsbyggnad med högt tak. Beläget på stranden, vid sammanflödet av Neva och Fontanka, hade huset en liten "Havanese" - en pool som kommunicerade med Fontanka och gjorde det möjligt att ta sig in i lägenheterna direkt från vattnet. På fasaden är Sommarpalatset dekorerat med reliefer, placerade mellan fönstren på första och andra våningen, utförda av A. Schluter och hans team, på temat Ovidius Metamorfoser. Sommarträdgården ("trädgården", som den kallades på Peter den stores tid) med sina skulpturer, fontäner och grottor är ett exempel på en av de första reguljära parkerna i Ryssland. År 1725 byggde M. Zemtsov en "Hall for Glorious Celebrations" i trädgården (ej bevarad).

PALACE A.D. MENSHIKOVA på Vasilyevsky Island vid Nevas strand (1710–1720-talet, arkitekt.Giovanni Maria Fontana och Gottfried Schedel , restaurerad på 60–80-talet XX-talet), representerar en ny typ av herrgårdsbostad. Palatskomplexet bestod av ett nytt stenpalats, ett gammalt träpalats, en kyrka och en omfattande vanlig trädgård bakom den nya byggnaden. Av hela komplexet är det bara byggnaden av stenpalatset som har kommit till oss, om än i modifierad form.

Tillsammans med stadsgods började också byggandet av lanthus under denna period., främst längs Finska viken: Ekateringof, Strelna, Oranienbaum. Under denna period lades Peterhof - kungens landresidens. Bildandet av Peterhof efter modell av Versailles fortsatte under efterföljande suveräner.

I Oranienbaum är palats- och parkensemblen det stora Menshikov-palatset, byggt enligt ett projekt av arkitekterna D.M. Fontana och I. G. Shedel 1710 - 1727. Längden på huvudfasaden på det stora Menshikovpalatset är 210 meter. Den centrala delen av palatset är i två våningar, det gränsar till envåningsgallerier, utplacerade i en båge och slutar med de japanska och kyrkliga paviljongerna. Två uthus är knutna till de japanska och kyrkliga paviljongerna vinkelrätt mot gallerierna, så i palatsens layout finns bokstaven "P". Flyglarna är gränsen för gården till Grand Palace. Palatset delar Oranienbaum-parken i två ojämlika delar - Nedre trädgården, som har en regelbunden layout, och landskapet Upper Park. Samtida noterade den oöverträffade lyxen i den mest fridfulla prinsens förortsresidens, som vid den tiden överträffade Peterhof i sin omfattning.

Mycket uppmärksamhet ägnasbyggande av privata hus. Byggnadskontoret, med Trezzini i spetsen, planerar enligt hans och Leblons projekt att bygga så kallade lertegelbyggnader med hjälp av träramar med återfyllning av lera och spillror: tvåvåningsbyggnader var i regel redan byggt i sten. Husen var differentierade (främst genom fastighetskvalifikationer), men inom denna ram var de obligatoriska typer av byggnader, varför deras vanliga namn är "exemplariskt" (dvs. typisk). Byggandet av staden med privata hus utfördes enligt den västeuropeiska modellen.: byggnader placerades längs trottoarerhuvudfasaden är inte på gården, utan på gatanoch tillsammans med staket och grindarskapade en enda rad av gator och vallar.

I och med tegelfabrikernas tillkomst, från ca 1710, började man uppföra tegelbyggnader som putsades, kompletterades med plastdetaljer av gips och målades. Andra och tredje våningen förenades av ordningselement, taken gjordes höga.

Så tog Petersburg gradvis form: på träsk och många öar, testade av Östersjöns vindar och översvämningar, belägna långt från de gamla ryska centra, men stadigt växande, verkar det, tvärtemot all logik.

De viktigaste byggnaderna i Moskvas arkitektur under första halvåret XVIII århundradet, vilket speglar nya trender är byggnaden av arsenalet i Kreml i Moskva, ärkeängeln Gabriels kyrka (Menshikov-tornet) i Moskva, M.P. Gagarin på Tverskaya street i Moskva(1707-1708, ej bevarad).

Arsenalbyggnad i Kreml i Moskvabyggdes 1702-36 (arkitekterna Christopher Konrad, D. Ivanov, Mikhail Choglokov) mellan treenighetstornen och Nikolskajatornen och var avsedd att förvara vapen och diverse militär utrustning. Byggnaden brann ner flera gånger och fick sin slutgiltiga form 1737, när arkitekten D. V. Ukhtomsky lade till en andra våning.

Ärkeängeln Gabriels kyrkaeller den sk Menshikov-tornet i Moskva (1701-1707, arkitektIvan Petrovich Zarudny) - en av arkitekturens bästa byggnader XVIII århundradet, där den traditionella skiktade kompositionen XVII århundradet kombineras med arkitektoniska element från barocken ("Moskvabarocken").

Menshikov Tower - ärkeängeln Gabriels kyrka, det enda tempeltornet i Moskva. Det byggdes på order av Alexander Danilovich Menshikov 1705-1707. Det finns flera versioner av namnet på kyrkans huvudarkitekt. Den välkända Moskva-arkitekten I. Zarudny, under vars kommando italienarna arbetade: Trezzini, F. Fontana, G. Pando, B. Skala, erkändes officiellt som sådan. Men ibland kallas Trezzini själv, som byggde Peter och Paul-fästningens katedral i Sankt Petersburg, också författaren.

Ärkeängeln Gabriels träkyrka i Myasniki är noterad i protokollen så tidigt som 1551. Menshikov i staden Polotsk förvärvade bilden av Polotsks Guds moder, skriven av evangelisten Luke, och återvände till Moskva beordrade han att en ny kyrka skulle byggas på platsen för träkyrkan.

En gång i tiden tornade en femma av trä, dekorerad med en klocka och krönt med en hög spira med en staty av ärkeängeln, ovanför tornets fyra stenvåningar som för närvarande finns. Totalt var tornet nästan en hel meter högre än Ivan den stores klocktorn. Den översta våningen i Menshikov-tornet inhyste en slående klocka levererad från London.

Det bör dock noteras att arbetet med kyrkan aldrig fullbordades helt - ikonostasen var inte avslutad, det inre arbetet var inte färdigt och själva kyrkan invigdes inte. Detta beror på utnämningen av Menshikov till guvernör för den nya huvudstaden - St. Petersburg och förlusten av hans intresse för Moskvagodset på Myasnitskaya.

Den 13 juni 1723 slog blixten ner i tornets spira och antände kupolen. Bland folket förklarades detta faktum omedelbart som ett straff för den mest berömda prinsens stolthet, som placerade sig över det kungliga folket. Den fruktansvärda branden varade i två timmar, och de kunde inte släcka den på grund av tornets mycket höga höjd. Toppen av tornet brändes ner helt, och 50 klockor föll till marken och krossade många människor som räddade kyrkoredskap från elden.

Efter branden övergavs ärkeängeln Gabriels kyrka under lång tid och förblev ofärdig. Först 1787 restaurerades den efter en brand av den berömda Moskva-frimuraren Gavriil Zakharievich Izmailov, som bodde i närheten på Myasnitskaya. Då dök en konstig skruvkupol upp. Templet var anpassat för frimurarmöten och dekorerat med frimurarsymboler.

På 1860-talet beordrade Metropolitan Filaret (Drozdov) förstörelsen av alla symboliska frimurarbilder och inskriptioner inuti templet. De övre nivåerna har aldrig återställts. Kyrkan förblev under sin maximala historiska höjd.

Eftersom kyrkan var på sommaren och lämnades utan klockor byggdes Theodore Stratilats tempel i närheten, som var varmt och hade en klockstapel. Den figurerade kupolen med ett kors på tornet dök upp 1838, efter reparation.

1923, under sovjetiskt styre, stängdes kyrkan. På 40-talet av 1900-talet rekonstruerades det på allvar, vissa delar av 1700-talet återskapades och templet överfördes till Antiokia-patriarkatet och kyrkan blev aktiv. Ikonostasen flyttades hit från Peter och Paul-kyrkan i Preobrazhenskaya Sloboda, som förstördes 1960.

Efter Peters död runt den ryska tronen börjar en verklig förvirring av den så kallade "palatskuppens epok"."Alla världens inkonstans kan inte jämföras med det ryska hovets inkonstans", skrev ett av sändebuden 1730.

1730-talet - den mörka tiden för Anna Ioannovnas regeringstid, statsmaktens despotism och utlänningars dominans.

Efter Peter I:s död förändras smakerna, och nu har Ryssland bästarkitekter bygger palats för kejsarinnor och dignitärer.På 1720-1730-talet. duktiga arkitekterna M.G. Zemtsov, I.K. Korobov och en stor stadsplanerare P.M. Eropkin.

Mikhail Grigorievich Zemtsov(1688-1743), rysk arkitekt. representant för den tidiga barocken. Deltog i skapandet av Sommarträdgården i St. Petersburg, palatskomplex i Petrodvorets och Yekaterinenthal (Kadriorg, moderna Tallinn).

Av de religiösa byggnaderna i Zemtsov var den störstaSimeon och Annas kyrka på Mokhovaya Street(1731-1734).

Ivan Kuzmich Korobov(1700 (01) -1747) - Rysk arkitekt och ingenjör, representant för den tidiga barocken. Byggde om 1727-38 amiralitetets byggnad i St. Petersburg. Korobov äger projektet med ett torn med en hög förgylld spira som bär en väderflöjel i form av ett tremastat skepp (1732). Vid ombyggnad av amiralitetsbyggnaden i början XIX århundradet behöll Zakharov Korobovsky-spiran, inklusive den i en ny komposition.

Petr Mikhailovich Eropkin(cirka 1698-1740) - Rysk arkitekt och teoretiker. Under Eropkins ledning utarbetades en allmän plan för St. Petersburg (med en 3-balkskomposition av amiralitetsdelen, 1737), den första ryska arkitektur- och konstruktionsavhandlingen "Arkitekturexpeditionens position" skapades (1737) -41). Avrättad som deltagare i A.P. Volynskys konspiration mot Biron.

Den avgörande övergången från det gamla till det nya, assimileringen av det europeiska konstnärliga "språket" och förtrogenhet med upplevelsen av världskonsten märks särskilt i måleriet.. Men uppluckringen av det antika ryska måleriets konstnärliga system inträffade, som vi har sett, redan i XVII-talet.

Med början av XVIII v. huvudplatsen i måleriet börjar upptas av oljemålning om ett sekulärt ämne.Under inflytande av västeuropeisk konst uppträdde nya genrer och nya ämnen vid denna tid..

Ett särskilt betydelsefullt fenomen i rysk konst började XVIII-talet var porträtt.Det fick inte bara en snabb utveckling under dessa år, utan nådde också anmärkningsvärda framgångar, som var baserade på det ökade intresset för den mänskliga personligheten som är karakteristisk för eran.

Porträttets uppkomst XVIII århundradet förbereddes å ena sidan av en ganska hög utvecklingsnivå av parsuna i slutet XVII århundradet, å andra sidan - påverkan av västeuropeisk målning.Assimileringen av nya målartekniker och figurativa lösningar av ryska konstnärer ägde rumgenom utländska pensionärsresor, samt under inflytande av utländska artister inbjudna av Peter.

Bland utländska målare var den mest framträdande platsen ockuperad av tyskarnaJohann Gottfried Tannauer(1680-1737) och franska Louis Caravaque (1684-1754).

Johann Gottfried Tannaueranlände till Ryssland 1711 och lärde hantverkarna teknikerna från den sena västeuropeiska barocken (porträtt av Peter jag , porträtt av Alexei Petrovich, porträtt av A.D. Menshikov, 1727). Ett av hans bästa verk -porträtt av greve P.A. Tolstoj (1719).

franska Louis Caravaque , "den första hovmolaren", skapade porträtt av hela kungafamiljen och introducerade ryssarna till rokokokonsten: porträtt av Peter I, hans döttrar - porträtt av Tsesarevna Natalya Petrovna(1722), dubbelporträtt av prinsessorna Anna och Elizabeth Petrovna(1717), porträtt av Peter I:s barnbarn Petra och Natalia i barndomen, i form av Apollo och Diana(1722), senare - porträtt av kejsarinnan Anna Ioannovna(1730) och porträtt av kejsarinnan Elizabeth Petrovna (1750).

Att utbilda sina egna kadrer, Peter jag introducerar pensionärer, 1716 åker de första ryska konstnärerna utomlands för att studera ny, sekulär konst.

En av de första ryska konstnärerna av den nya sekulära målningen i rysk konst XVIII-talet anses vara IVAN NIKITICH NIKITIN(mitten av 1680-talet - inte tidigare än 1742). Hans biografi är till stor del tragisk. Son till en präst i Moskva, brorson till biktfadern Peter, bildade han tidigt som konstnär och målade porträtt av kungafamiljen redan innan han reste utomlands: PORTRÄTT PRASKOVIYA IOANNOVNA,PETERS BJÖSTER I (1714, Ryska museet); PORTRÄTT AV TSESAREVNA ANNA PETROVNA(senast 1716, State Tretyakov Gallery),porträtt av Natalya Alekseevna, älskade syster till Peter I (1716, Tretjakovgalleriet).

I porträttet av Praskovya Ioannovna finns det fortfarande mycket från den gamla ryska målningen: det finns ingen anatomisk korrekthet, ljus- och nyansmodelleringen av formen utförs med metoden för ljusning från mörkt till ljust, posen är statisk. Det finns inga färgreflektioner. Ljuset är jämnt och diffust. Och även de spröda vecken av kläder påminner en del om gamla ryska luckor. Men med allt detta, inför Praskovya Ioannovna, kan man läsa hennes egen inre värld, en viss karaktär, självkänsla. Detta ansikte med stora uttrycksfulla ögon som ser sorgset på betraktaren är kompositionens centrum. Det finns inte en skugga av koketteri, inget uppseendeväckande i detta ansikte, men det finns självupptag, vilket uttrycks i en känsla av frid, statisk, tystnad. Som poeten sa, "vackert måste vara majestätiskt."

Utbildningen i Italien varade från 1716 till 1719. Innan han lämnade Peter jag personligen träffat Nikitin, skrev till Catherine jag så att hon beordrade Nikitin, som ska gå genom Berlin, att måla ett porträtt av den preussiske kungen, "... så att de vet att det finns goda mästare bland vårt folk." Konstnären studerade i Venedig och Florens.

I början av 1720 återkallade Peter Nikitin, gjorde konstnären till Hoffmaler, en "mästare i personliga angelägenheter", och gav honom ett hus i centrala St. Petersburg. De sista fem åren före Peters död blev Nikitins storhetstid.

Pensionering hjälper konstnären att frigöra sig från tvång, vissa drag i gammal rysk målning, men ändrar inte hans allmänna konstnärliga synsätt, hans förståelse för konstens uppgifter, samtidigt som den berikar honom med kunskap om alla finesser i europeisk teknik.

Skrivet efter hemkomst från utlandet"PORTRÄTT AV SERGEY GRIGORYEVICH STROGANOV"(1726, Ryska museet) skildrar en elegant hovman, full av energi, som kom ut ur industrimännens miljö. Porträttet ligger nära de "för-italienska" porträtten när det gäller den allmänna kompositionslösningen, figurens placering i rymden och det färgstarka utbudet. Bakgrunden har alltid en något platt, "ikonisk" karaktär, från vilken figuren "sticker ut". Tillbehör spelar ingen betydande roll, all uppmärksamhet från mästaren är fokuserad på ansiktet.

"PORTRÄTT AV KANSLER GAVRIIL IVANOVICH GOLOVKIN"(1720-talet, Tretjakovgalleriet) skildrar en smart, viljestark diplomat som kan alla finesser i statspolitiken, som har ett spänt inre liv, andligt allvar, koncentration, nästan melankoli.

"PORTRÄTT AV UTOMHUSHETMAN”(1720-talet, Ryska museet) har ännu mer intern psykologism och bildvirtuositet.

Många gånger skrev Nikitin till Peter jag . Han är krediterad med den berömda PORTRÄTT AV PETER I (i en cirkel, tidigt 1620, RM). Den ryske kejsaren avbildas utan den makt som hovporträttmålare av europeiska monarker villigt missbrukade. Han imponerar med majestätet i autokratens utseende, en känsla av obönhörlig vilja och samtidigt enkelhet och mänsklighet.

Det är känt från anteckningarna i kammarfurierjournalen att han skrev kejsaren "på Kotlin Island" 1721. Två parade ceremoniella bilder av Peter och Catherine, målade av konstnären i Italien 1717, upptäcktes i Florens; Catherine. Röda, fodrade med hermelin, mantlar förstärker bildens prakt. Porträttet vittnar om Nikitins utmärkta bekantskap med det alleuropeiska upplägget av ett representativt barockporträtt.

Genuin djup spänning och uppriktig sorg över förlusten genomsyrar ett annat porträtt av Nikitin"PETER I PÅ DEATHBOXEN"(1725, Ryska museet). Porträttet målades som i en session, som en skiss, a la prima , på röd mark, genomskinlig genom flytande ljus virtuosa drag.

Kejsarens död markerade början på det sista tragiska skedet i Nikitins liv. Under Anna Ivanovnas regeringstid flyttade konstnären till Moskva, gick med i oppositionen och arresterades 1732, tillsammans med sina bröder, anklagad för att ha kvar brev som förtalade den heliga synodens vicepresident Feofan Prokopovich. Efter tortyr hölls Ivan Nikitin i Peter och Paul-fästningen i isoleringscell i fem år, misshandlades sedan med en piska och skickades 1737 "i körtlarna" till Tobolsk för evigt hårt arbete, där han stannade till 1742. Här kom en benådning till honom, men han nådde inte Moskva, troligen dog han på vägen.

Hans bror Roman, som hade studerat med honom i Italien och delat samma tragiska öde, fortsatte att arbeta i Moskva efter hans exil. Som porträttmålare var Roman Nikitin en omåttligt mer arkaisk konstnär. Vi kan bara bedöma om hans arbete genom porträttet av Maria Stroganova (ca 1722, Ryska museet), såväl som det tidigare porträttet av hennes man Grigory Stroganov som tillskrivits honom (1715, Odessa Art Gallery).

Den näst mest kända konstnären som berikade rysk konst under första halvåret XVIII århundradet, prestationerna från den europeiska målarskolan, var ANDREY MATVEEVICH MATVEEV(1701–1739).

”I det femtonde året av sitt liv”, som han själv angav i rapporten, gick han i det kungliga tåget till Holland, där han studerade hos porträttmålaren A. Boonen, och 1724 flyttade han till Flandern, till Antwerpens kung. Academy, fortfarande fläkt av Rubens ära och den flamländska målarskolan XVII århundraden för att förstå hemligheterna hos mästarna som skapade historiska och allegoriska målningar. 1727 återvände han till sitt hemland.

Från pensionärstiden är ett signerat och daterat 1725 arbete av A. Matveev känt"ALLEGORI OM MÅLNING". Detta är den första stafflimålningen på en allegorisk tomt som har överlevt till oss i Ryssland. Liten i storleken, målad på en parkettbräda, föreställer den en allegorisk målarfigur som sitter vid ett staffli omgiven av amoriner. Pallas Athena poserar för henne, till vilken hon ger Catherines drag på duken jag . En sådan metamorfos borde inte vara förvånande om vi minns att Matveev skickade detta arbete till kejsarinnan med en begäran om att utöka sina studier, och för detta behövde han visa sin skicklighet. Verket bär särdragen från den flamländska skolan i senbarocken och avslöjar konstnärens rika koloristiska talang.

Kanske studentens pensionärsår inkluderar skriven av Matveevporträtt av Peter i en oval(c. 1725, GE).

När han återvände till sitt hemland, till St Petersburg, blir Matveev omedelbart involverad i utformningen av stadens huvudkatedral - Peter och Paul. Från 1730 till sin död övervakar Andrei Matveev, den förste av de ryska mästarna, chefen för det "pittoreska teamet" i kanslihuset från byggnader, allt det monumentala och dekorativa arbete som utförs i St. Petersburg och dess omgivningar. Tillsammans med sitt team dekorerar han Senatshallen för de tolv Collegia (numera Petrovsky-salen vid St. Petersburg University) med pittoreska paneler, målar ikoner för många kyrkor i St. Petersburg, särskilt för Simeon- och Anna-kyrkan, byggd på Mokhovaya Street av MG Zemtsov, gör ett antal andra verk. Men bara Matveevs staffliverk har kommit ner till oss, eftersom nästan alla monumentala målningar försvann tillsammans med interiörerna för vilka de utfördes.

1728 fick Matveev en beställning påparporträtt av makar I.A. och A.P. Golitsyn(Moskva, en del av samlingen av I.V. Golitsyn). Av dessa är det mest intressantaPORTRÄTT AV A.P. GOLITSYNA, prinsessor, statsdamer, och samtidigt "prins-abubs" i Peters "mest glada katedral" och "clownen" Catherine jag batogami i samband med fallet med Tsarevich Alexei.

Matveev skapar en ovanligt uttrycksfull karaktär, som ger ansiktsmodellen den finaste blandningen av motbjudande, arrogans och samtidigt förbittring och förvirring, sorg och trötthet. Och detta är desto mer överraskande att konstnären har bevarat det vanliga schemat för ett beställt porträtt: en vändning av axlarna, ett stolt planterat huvud, de nödvändiga klädtillbehören. Inte fördömande, utan sympati för modellen förmedlades av konstnären i detta porträtt.

"SJÄLVPORTRÄTT MED HURU"(1729 (?), RM) - A. Matveevs mest kända verk.Matveev var den första ryska konstnären som skapade en poetisk bild av en äktenskaplig förening. Uppriktighet och enkelhet, godtrogenhet och öppenhet, lyrik och andlig renhet är dess huvuddrag.

På baksidan av porträttet finns en stolt inskription: "Matveev Andrey, den första ryska målaren och hans fru. Skriven av konstnären själv.

Matveevs målning i detta verk når perfektion och vittnar om den fulla blomningen av hans kreativa krafter.Matveevs målning är transparent, med luddiga chiaroscuro-graderingar och upplösande konturer, rik på glasering och har en subtil, elegant färg.

I. Nikitin och A. Matveev anses med rätta vara grundarna av rysk sekulär målning XVIII-talet. Deras målning visar en anmärkningsvärd behärskning av teknikerna för västeuropeiskt hantverk, samtidigt som de bibehåller den nationella Anden och den kreativa individualiteten, oavsett om det är striktheten, till och med en viss askes, i Nikitins bilder, eller Matveevs subtilitet och poesi. Matveev var en lärare för sådana målare som Vishnyakov och Antropov, vars arv i sin tur kastade en slags "bro" till arbetet av kända mästare under andra hälften av seklet.

Varierad i början XVIII århundradet fanns en porträttminiatyr, där de hittar utvecklingen av traditionen med miniatyrer av manuskript och böcker från det antika Ryssland och målning på emalj (emalj). De mest framstående mästarna var Andrey Grigoryevich Ovsov (cirka 1678-1740/50-talet) och Grigory Semyonovich Musikisky (1670/1-efter 1739). Typiskt för eran är "Porträttet av Peter jag » G.S. Musikiysogo (1723, GE).

Grafik som den mest effektiva, mobila konstformen, som snabbt reagerade på dåtidens händelser, njöt av särskild framgång under Peter den stores turbulenta tid.Stora tryck fångade ryska vapens segrar till sjöss och på land, högtidliga inträden i städer, själva utsikten över städer - stadsledningar, fyrverkerier till ära för härliga segrar, porträtt av kända personer. Grafik användes för utbildningsändamål (kalendrar, atlaser). Gravören Alexei Rostovtsev deltog i skapandet av den första ryska världen.

Utländska gravörer som inbjudits av Peter arbetade också i Ryssland. Så redan 1698 anlände den skicklige gravören Schonebek (Schonebek, 1661-1705), sedan kom hans släkting Peter Pikart (1668-1737) efter honom.

Den mobila masskonsten att gravera på koppar hade sina egna långa traditioner i Ryssland och blomstrade särskilt på slutet XVII århundradet i vapenhusets verkstäder. Det är därifrån som ursprunget till arbetet med sådana anmärkningsvärda gravörer från Peter den stores tid som bröderna Alexei och Ivan Zubov (söner till målaren av Armory Chamber Fyodor Zubov), Alexei Rostovtsev kommer. Efter att ha lärt sig ett antal nya tekniker från Schönebeck behöll de den ryska gravyrens nationella karaktär.

Stor mästare på gravyr och etsning i början XVIII århundradet var ALEXEY FEDOROVITCH ZUBOV(1682/3 - efter 1749).

Dokumentär noggranna arkitektoniska landskap - veduter, byggda på en kombination av linjära perspektivtekniker, skapar utseendet på St. Petersburg, den unga huvudstaden i en gigantisk sjömakt("PANORAMA OF PETERSBURG"(på åtta sammanfogade ark, 1716).

Förutom arkitektoniska motiv skapade Zubov ocksågrafiska blad i stridsgenren- skildring av militära kampanjer och segrar av Petrine-flottiljen("De tillfångatagna svenska fregatternas ceremoniella inträde i St. Petersburg", 1720).

I hans vedats och striderlakonisk linjeteckning råder, färgen på själva vita papperet spelar en viktig roll, kompositionen är enkel och logisk, Allt utrymme är oftast uppdelat i tre planer. I vedaterna spelas en genrescen upp i förgrunden, det andra planet upptas av ett vattenrum och på det tredje planet finns en arkitekturbild som ger gravyren dess namn. Namnet, förresten, bevarar naivt arkaiska traditioner XVII århundradet, placeras i ett band uppvikt som en rulla i toppen.

Ett nästan obligatoriskt motiv av Zubovgravyrerna är ett skepp: insvept i rökmoln - i strider("Slaget vid Graingham", 1721) eller smart plaskande segel i vinden - i vedats("Vasilyevsky Island", 1714).

Tillsammans med veduta och strider var bilden av fyrverkerier, "eldiga kul" (eller "roliga ljus") för att hedra någon betydande händelse, också vanlig under denna period. 1720-1722 skapade han en svit med fyrverkerierAlexey Ivanovich Rostovtsev, han äger gravyren"Blägringen av Viborg" (1715).

Äldre bror till A. ZubovIvan Fyodorovich Zubovutförde främst gravyrer med utsikt över Moskva.

Fortsatte att utvecklas under Peter den stores tid och populära populära tryck. Den färgglada plana, primitiva och originella folkbilden på trädet var av det mest skiftande innehåll: satirisk, fantastiskt episk, vardaglig, alltid bevarade den slående dekorativiteten hos den allmänna lösningen och rent folklig humor.

Som prover av den första tredjedelens konst XVIII v. handritade teckningar, unika verk av grafik från den tiden, har också kommit ner. Dessa är vardags- och landskapsteckningar, uppenbarligen av elever från ritskolan vid S:t Petersburgs tryckeri (penna, pensel, kol, penna - Statens ryska museum, samlat av Argutinsky-Dolgorukov), en serie teckningar i St. Petersburg av arkitekt F. Vasiliev för 1718-1722. (GRM). Peters teckningar fungerade också i porträttgenren, men den är mindre intressant än bildgenren, eftersom man som regel använde någon redan känd bildmodell för ett grafiskt porträtt.

Konstnärliga landvinningar är också utmärkande för utvecklingen av skulptur under den första halvan XVIII-talet.

"Sekulariseringen" och utvecklingen av nya metoder inom skulptur går långsammareän i andra konstformer. Såg för längeRyska folket på en rund skulptur, som på hedniska idoler, "tuttar". I själva verket, under de åtta århundradena av existensen av det antika Ryssland, utvecklades det inte.

Faktiskt i första halvlek 1700-talet och tidigare fanns en välutvecklad monumental och dekorativ plastisk konst i utsmyckning av kult och sekulära interiörer. Barock plast av skyltkyrkan i Dubrovitsy och Menshikovtornet, snidning av ikonostaser av kyrkor (Ikonostas av Peter och Paul-katedralen verk av Ivan Zarudny), reliefer av Petrovsky-portarnaPeter och Pauls fästning, uppträddeConrad Osner den äldre, dekorativa paneler av Peters ekkontor i Peterhofpalatset av Nikola Pino,reliefer av Andreas Schlüter på Sommarpalatsets fasader i sommarträdgården fanns utan tvekan, ett visst stadium i studiet av västeuropeiska metoder för plastisk konst.

I forntida rysk konstdet fanns också en polykrom träskulpturPerm, Vologda, den egentliga skolan i Moskva. Men det var hon övervägandereligiöst innehåll, och sekulär skulptur behövde andra sätt att utvecklas. Därför spelade utländska mästare inbjudna att lära ut skulpturkonsten en betydande roll i dess utveckling inom konsten. XVIII århundrade. Ryska mästare studerade också skulptur utomlands, främst med Baratta i Venedig.

Bekantskap med västeuropeisk skulptur gjordes också tack vare inköp utomlands av verk från senbarocken, skulpturer av mästarna i Bernini-kretsen, och ibland även antika. Så i Rom köptes den berömda Venus, som senare fick namnet Tauride.Angående förseningarna med dess export skrev Yuri Kologrivov, som köpte den för 196 efimki, uttryckligen till Peter: "Och jag skulle hellre dö än att äga den statyn."

Födelsen av sekulär rund skulptur och monument i rysk konst under första halvan XVIII-talet i samband med barockens utbredning och den italienska skulptörens verksamhetBARTOLOMEO CARLO RASTRELLI(Rastrelli fadern, eller Rastrelli den äldre, som konsthistoriker kallar honom, 1675, Florens -1744, St. Petersburg).

Bartolomeo Carlo Rastrelli, en florentinare till födseln, som arbetade i Rom och Paris, uppfostrad i Berninis barocktraditioner, kom till Ryssland med sin son 1716 och hittade här ett andra hem. Kontraktet med honom inkluderade genomförandet av en mängd olika beställningar. Han arbetade både som arkitekt och som skulptör inom olika genrer: från rund skulptur till byggandet av fontäner och skapandet av teatraliska kulisser.

BUST A.D. MENSHIKOV(1716-1717, brons, GE) - första verk B.-K. Rastrelli i Ryssland. En något teatralisk, utåt sett spektakulär, majestätisk bild av en "halvmäktig härskare" skapades, om vilken nästan Peter själv kvickt sa ibland: "Han föddes i orättfärdighet, född i synder och kommer att dö i chikaneri."

Men det viktigaste för vilket Rastrelli blev inbjuden till Ryssland var skapandet av ett monument till Peter jag . År 1720 presenterade skulptören skisser och modeller av ett ryttarmonument, med många allegoriska figurer - ett beslut som han senare övergav.

Skapandet av bysten föregicks av ett stort verk från naturen. 1919 gjorde skulptören en mask av den levande Peter, då en vaxmodell av figuren.

I processen med att arbeta på monumentet,brons BUST AV PETER jag (1723-1729, Statens Eremitage; upprepning i gjutjärn - 1810, Ryska museet). Kejsarens byst är ett typiskt barockverk: det är en dynamisk komposition med en spiralformad torso, med ljus- och skuggakontraster av plastmassor, deras pittoreska och betonade mångfald av texturer. Det är snarare en bild av en hel era än av en specifik individ, och denna generalisering ger bysten ett monumentalt drag, samtidigt som den sanna historiska sanningen bibehålls.

Rastrelli skapades också anmärkningsvärt när det gäller styrkan hos individuella egenskaper och plastisk uttrycksfullhetByst av det okända(1732, Tretjakovgalleriet).

Den ryska monumentala skulpturens storhetstid börjar med det första ryska monumentet, utfört av B.-K. Rastrelli, – STATY AV ANNA IoANNOVNA MED ARAPCHON(1732–1741, Ryska museet), ett av de ljusaste monumenten när det gäller den konstnärliga bildens integritet och plastiska uttrycksförmåga.

Statyn av Anna Ivanovna är spektakulär i barockstil, men i bilden av en elegant, tung gammal kvinna med ett frånstötande ansikte smälte asiatisk despotism och sofistikerad västeuropeisk hovlyx ihop till ett.("Hon hade en fruktansvärd blick", skrev N.B. Sheremeteva om Anna Ioannovna, "hon hade ett äckligt ansikte, hon var så fantastisk att när hon går mellan herrar är hon huvudet längre och extremt tjock"). Detta är ett sällsynt exempel på ett verkligt avslöjande frontporträtt. Här kan du se Rastrellis sympati för Peter och antipati för hans efterträdare.

Introduktion till sammansättningen av figuren av en svarthårig kvinna, en karakteristisk karaktär av hovlivet XVIII århundradet, nödvändigt för skulptören för massornas plastiska balans, kombinerade de ceremoniella och genremotiven, ökade kontrasten med kejsarinnans "stenliknande" figur. Rastrelli demonstrerade här inte bara ett oklanderligt behärskning av språket i monumental skulptur, behärskning av generalisering med bibehållen individuella egenskaper, utan också en djup penetrering i det ryska livets värld, i kontrasterna i ryska XVIII århundradet, vilket skapar en symbol för eran.

"The Rise of a Genius" B.-K. Rastrelli - de sista fyra åren av sitt liv. För 1741–1744 under Peters dotter Elizabeth Petrovnas nya regeringstid, som med hopp sågs som efterträdaren till Peters angelägenheter, skapar han ett ryttarmonument över kejsaren, efter att ha funnit den kreativa styrkan att helt förändra det första barockbeslutet under sina 60-tal år. av 1720-talet.

"HÄSTMONUMENT PETER I » B.-K. Rastrelli skapar bilden av en befälhavare, en triumferande i traditionerna, vars början ligger i monumenten över Marcus Aurelius, Donatellos "Gattamelata" och Verrocchios "condottiere Colleoni". Den fria iscensättningen av figuren, silhuettens klarhet och stränghet, den organiska sammansmältningen av massa och siluett med rymden, fullständigheten och bestämheten av alla former, ser vi i monumentet istället för den barocka komplexiteten i rörelsen och pompositeten hos frodiga draperier . Det modiga, enkla och tydliga plastiska språket med vilket Rastrelli glorifierar den ryska statsmaktens styrka och kraft fortsätter utan tvekan de gamla renässanstraditionerna. Det var i dem som skulptören lyckades skapa en gigantisk bild, som personifierade det triumferande och segerrika Ryssland, bilden av en hjälte som åstadkom en historisk och nationell bedrift - Rysslands omvandling.

Monumentets öde var mer än dramatiskt. Under sin livstid utförde Rastrelli endast en modell i naturlig storlek, gjutningen gjordes redan av hans son (1748). Efter Elizabeths död slutade rensningen av monumentet, och sedan glömde de det helt. Bara under Paul jag monumentet restes vid Mikhailovsky (ingenjörsbyggnad) slott, där det ligger till denna dag, och blev en integrerad del av den övergripande ensemblen.

Rastrellis karaktärisering skulle vara ofullständig utan att nämna hur fruktbart han var engagerad i dekorativt arbete i designen av Grand Cascade i Peterhof, såväl som andra genrer, upp till skisser för snygga klänningar. Han och A.K. Nartov äger den arkitektoniska designen och relieferna av Triumfpelaren för att hedra det norra kriget. Tyvärr förblev arbetet oavslutat. Vi känner bara till ett antal basreliefer (GE och GRM).

Andra relaterade verk som kan intressera dig.vshm>
16206.		-HSE Moskva-utopier och ekonomisk kunskap om Frankrike på 1700-talet Studera kunskapsutvecklingen i Frankrike på 1700-talet.	22,23 KB
	Magisterexamen 1:a året SU-HSE Moskva Utopier och ekonomisk kunskap om Frankrike under 1700-talet När man studerar kunskapsutvecklingen i Frankrike under 1700-talet kan man inte annat än betona de djupa tvärvetenskapliga kopplingar som avgör spridningen av vissa idéer till extremt heterogena områden vad gäller kunskap i dess nuvarande skick. Endast genom att förstå hur kunskapen om den aktuella perioden såg ut är det möjligt att korrekt bedöma vår avsikt: att visa att 1700-talets ekonomiska tanke är jämförbar med andra discipliner, inklusive den kan betraktas i samband med ...
17376.		Liberala reformer i 1700-talets Frankrike	25,9 kB
	Med en sådan arbetsordning för borgarklassens stater skulle segern ha säkerställts, eftersom det bland adelns och prästerskapets deputerade fanns människor som delade tredjeståndets åsikter. Så snart ett givet parti har fört revolutionen så långt att det inte längre kan följa den, än mindre leda den, avlägsnas detta parti och skickas till giljotinen av sin modigare allierade. Frihet definieras i förklaringen som förmågan att göra vad som helst som inte skadar en annan. Lag definieras som "uttrycket av den allmänna viljan" Art.
3347.		Rysslands socioekonomiska utveckling under XVIII-talet	19,2 kB
	Den andra XVIII är den slutliga definitionen av corvée och quitrent regioner. Från andra hälften av XVIII-talet. 1700-talet Norra Svartahavsregionen, Azovhavet, Krim, Ukraina på högra stranden, landar mellan Don och Bug, Vitryssland, Kuryalndiya, Litauen.
5760.		Bildandet av nationaloperan under andra hälften av 1700-talet	67,44KB
	Under lång tid (fram till andra hälften av 1800-talet) fanns det inte ens speciella musikaliska utbildningsinstitutioner av nationell betydelse i Ryssland. Musiker utbildades i domstols-, militär- och fästningsorkestrar, i musikklasser organiserade på teatrar, vid Konsthögskolan, Moskvas universitet och andra utbildningsinstitutioner. Samtidigt visade regeringen överraskande likgiltighet för den ryska musikens öde, för ryska kompositörers arbete. Namnen på tonsättare hamnar bara ibland, från och med 70-talet, i tidningspressen.
3132.		Frimureriets ideologi i Ryssland under andra hälften av 1700-talet	20,25 kB
	På 1750-talet verkade en loge i S:t Petersburg under ledning av greve R. Elagin, i den stora provinslogen i S:t Petersburg med honom i spetsen ingick så välkända murare på den tiden som greve R. Melissino av Minerva baron Gartenberg och Modesty St Petersburg Clio Moskva Thalia Moskva Polotsk Jämlikhet Moskva Petersburg Catherine and Three Supports Archangelsk Erato St Petersburg och logen under ledning av R. År 1772 1776 grundade Reichel ytterligare flera loger: Apollo St Petersburg Harpocrates ...
3190.		Rysslands utrikespolitik under andra kvartalet av 1700-talet	29,53 KB
	Behoven av den ekonomiska utvecklingen i Ryssland, som försökte förvärva nya landområden i söder och, viktigast av allt, att säkerställa kontroll över mynningen av floderna som rinner ut i Svarta havet, för att uppnå rätten till fri passage för flottan genom Bosporen och Dardanellerna för att utveckla handeln. Konfrontationen mellan England och Frankrike, som inte ville stärka Ryssland, motsatte sig tillväxten av dess inflytande i Europa. mötte Rysslands nationella intressen och stärkte å andra sidan autokratin, krävde enorma kostnader och uppoffringar från Rysslands folk, stärkte den omfattande ...
3108.		Idéer om ryska upplysningsmän under andra hälften av 1700-talet	27,63 KB
	Upplysningarna drog dock inga revolutionära slutsatser av dessa fakta, eftersom de, när de drömde om sociala omvandlingar i Ryssland, fäste sina främsta förhoppningar på upplysning till adelns humanism och filosofen på tronen. Objektivt sett var upplysningarna talesmän för de framväxande borgerliga tendenserna mot livegenskapen som började ta form i livegenhetens inälvor. Enlighteners inkluderade logik, metafysik, psykologi, etik, juridiska idéer, med undantag från det teologi, astrologi, kabalistik, i sammansättningen av filosofisk vetenskap. Det är sant att deras materialism var ...
1739.		Rysslands utrikespolitik under andra hälften av 1700-talet	413,41 KB
	Rysslands utrikespolitik under andra hälften av 1700-talet. det är mycket svårt att skilja inrikes- och utrikespolitik, ekonomisk utveckling och Rysslands inträde på den breda arenan av internationella förbindelser. är en viktig period i den ryska utrikespolitikens historia. Rysslands stora territorium berövades faktiskt bekväma sjövägar.
3139.		Social tanke och kultur i Ryssland under andra hälften av 1700-talet	20,16 kB
	Därmed lyckades hon vinna auktoritet bland den progressiva allmänheten i Västeuropa, även om livegenskap och byråkratisk byråkrati blomstrade i Ryssland. det fria ekonomiska samhället skapades som diskuterade rationaliseringen av jordbruket; 2 började publiceringen av sociala och politiska tidskrifter i Ryssland. I Ryssland undertrycktes Jemeljan Pugachevs uppror brutalt 1773-1775.
21275.		Analys av den politiska situationen i Frankrike i slutet av XVIII - början av XIX-talet och identifiera Napoleon Bonapartes politiska prestationer	33,05 kB
	Efter att trupperna från den anti-franska koalitionen gått in i Paris 1814 abdikerade Napoleon I och förvisades till ön Elba. I mars 1815 tog han åter den franska tronen, men efter nederlaget vid Waterloo abdikerade han i juni samma år igen. Han tillbringade de sista åren av sitt liv som fånge av britterna på ön St. Helena. Hans hälsa försämrades stadigt och den 5 maj 1821 dog Napoleon. Det finns en version att han var förgiftad. Trots det faktum att Napoleons rike visade sig vara bräckligt, gav kejsarens tragiska öde riklig mat till romantiken.

Dagar med gratis besök på museet

Varje onsdag kan du besöka den permanenta utställningen "The Art of the 20th Century" i New Tretyakov Gallery gratis, liksom de tillfälliga utställningarna "The Gift of Oleg Yakhont" och "Konstantin Istomin". Färg i fönstret”, som hålls i Ingenjörskåren.

Rätten till fri tillgång till utställningar i huvudbyggnaden i Lavrushinsky Lane, Engineering Building, New Tretyakov Gallery, V.M. Vasnetsov, museumslägenhet för A.M. Vasnetsov tillhandahålls följande dagar för vissa kategorier av medborgare i allmän ordning:

Första och andra söndagen i varje månad:

för studenter vid högre utbildningsinstitutioner i Ryska federationen, oavsett utbildningsform (inklusive utländska medborgare-studenter vid ryska universitet, doktorander, adjungerade, invånare, assisterande praktikanter) mot uppvisande av ett student-ID-kort (gäller inte personer uppvisa studentpraktikant-ID-kort) );

för studenter från sekundära och sekundära specialiserade utbildningsinstitutioner (från 18 år) (medborgare i Ryssland och OSS-länderna). Den första och andra söndagen i varje månad har studenter med ISIC-kort rätt att besöka utställningen "Art of the 20th Century" på New Tretyakov Gallery gratis.

varje lördag - för medlemmar av stora familjer (medborgare i Ryssland och OSS-länderna).

Observera att villkoren för fri tillgång till tillfälliga utställningar kan variera. Kolla utställningssidorna för detaljer.

Uppmärksamhet! På galleriets biljettkontor tillhandahålls entrébiljetter med ett nominellt värde på "gratis" (mot uppvisande av relevanta dokument - för ovan nämnda besökare). Samtidigt betalas alla tjänster i Galleriet, inklusive utflyktstjänster, i enlighet med det fastställda förfarandet.

Besöker museet på helgdagar

På National Unity Day - 4 november - är Tretjakovgalleriet öppet från 10:00 till 18:00 (entré till 17:00). Betald entré.

• Tretyakov Gallery i Lavrushinsky Lane, Engineering Building och New Tretyakov Gallery - från 10:00 till 18:00 (biljettkontor och entré till 17:00)
• Museumslägenhet i A.M. Vasnetsov och House-Museum of V.M. Vasnetsov - stängd

Betald entré.

Väntar på dig!

Observera att villkoren för förmånstillträde till tillfälliga utställningar kan variera. Kolla utställningssidorna för detaljer.

Rätt till förmånsbesök Galleriet, förutom vad som föreskrivs i en separat order från Galleriets ledning, tillhandahålls mot uppvisande av dokument som bekräftar rätten till förmånsbesök:

• pensionärer (medborgare i Ryssland och OSS-länderna),
• fulla kavaljerer av Gloryorden,
• studenter vid gymnasie- och sekundärsärskilda utbildningsinstitutioner (från 18 år),
• studenter vid högre utbildningsinstitutioner i Ryssland, såväl som utländska studenter som studerar vid ryska universitet (förutom studentpraktikanter),
• medlemmar av stora familjer (medborgare i Ryssland och OSS-länder).

Besökare av ovanstående kategorier av medborgare köper en reducerad biljett i allmän ordning.

Rätt till fri entré Galleriets huvudsakliga och tillfälliga utställningar, förutom fall som föreskrivs i en separat order från galleriets ledning, tillhandahålls för följande kategorier av medborgare mot uppvisande av dokument som bekräftar rätten till fri entré:

• personer under 18 år;
• studenter vid fakulteter som specialiserar sig inom området konst vid sekundära specialiserade och högre utbildningsinstitutioner i Ryssland, oavsett utbildningsform (liksom utländska studenter som studerar vid ryska universitet). Klausulen gäller inte personer som uppvisar studentkort för "studenter-praktikanter" (i avsaknad av uppgifter om fakulteten i studentkortet, ett intyg från läroanstalten med obligatorisk uppgift om fakulteten uppvisas);
• veteraner och invalider från det stora fosterländska kriget, kombattanter, före detta minderåriga fångar i koncentrationsläger, getton och andra interneringsplatser skapade av nazisterna och deras allierade under andra världskriget, olagligt förtryckta och rehabiliterade medborgare (medborgare i Ryssland och OSS-länderna );
• militära militärer från Ryska federationen;
• Sovjetunionens hjältar, Ryska federationens hjältar, fullständiga kavaljerer av "Härlighetsorden" (medborgare i Ryssland och OSS-länderna);
• funktionshindrade i grupperna I och II, deltagare i likvideringen av konsekvenserna av katastrofen vid kärnkraftverket i Tjernobyl (medborgare i Ryssland och OSS-länderna);
• en medföljande funktionshindrad person i grupp I (medborgare i Ryssland och OSS-länder);
• ett medföljande funktionshindrat barn (medborgare i Ryssland och OSS-länder);
• konstnärer, arkitekter, designers - medlemmar av de relevanta kreativa fackföreningarna i Ryssland och dess ämnen, konsthistoriker - medlemmar av Association of Art Critics of Russia och dess ämnen, medlemmar och anställda vid den ryska konstakademin;
• medlemmar av International Council of Museums (ICOM);
• anställda vid museer i systemet för Ryska federationens kulturministerium och relevanta kulturdepartement, anställda vid Ryska federationens kulturministerium och kulturministerier i Ryska federationens ingående enheter;
• volontärer från Sputnik-programmet - ingång till utställningarna "Art of the XX century" (Krymsky Val, 10) och "Mästerverk av rysk konst från XI - tidigt XX-tal" (Lavrushinsky pereulok, 10), såväl som till huset -VMs museum Vasnetsov och Museum-lägenheten av A.M. Vasnetsov (medborgare i Ryssland);
• guide-tolkar som har ett ackrediteringskort från Association of Guide-Translators and Tour Managers of Russia, inklusive de som följer med en grupp utländska turister;
• en lärare vid en utbildningsinstitution och en som åtföljer en grupp studenter från sekundära och sekundära specialiserade utbildningsinstitutioner (om det finns en utflyktskuponger, prenumeration); en lärare vid en utbildningsinstitution som har statlig ackreditering av utbildningsverksamhet när han genomför en överenskommen träningssession och har ett speciellt märke (medborgare i Ryssland och OSS-länderna);
• en som följer med en grupp studenter eller en grupp militärtjänstemän (om det finns en resebiljett, prenumeration och under ett träningspass) (medborgare i Ryssland).

Besökare av ovanstående kategorier av medborgare får en entrébiljett med det nominella värdet "Gratis".

Observera att villkoren för förmånstillträde till tillfälliga utställningar kan variera. Kolla utställningssidorna för detaljer.

Glorious XVIII-talet! Med honom, i en fascinerande och dramatisk bok om rysk historia, börjar inte bara ett nytt kapitel, utan kanske en hel volym. Snarare bör denna volym utgå från de sista decennierna av föregående århundrade - 1600-talet, när vårt land, smärtsamt tvekade vid ett vägskäl, började göra en kraftfull, aldrig tidigare skådad vändning - från medeltiden till den nya tiden. Inför Europa.

Dåtidens Ryssland jämförs ofta med ett fartyg. Detta skepp rörde sig oemotståndligt framåt, spred sina magnifika segel, var inte rädd för några stormar och stannade inte vid ropen: "Man överbord!". Han leddes av den fasta handen av en lysande, orädd och hänsynslös kapten - tsar Peter, som gjorde Ryssland till ett imperium, och han själv - dess första kejsare. Hans reformer var tuffa, till och med grymma. Han påtvingade landet sin vilja, bröt traditioner, utan att tveka, offrade tusentals och åter tusentals liv åt statliga intressen.

Var det nödvändigt? Fanns det något annat sätt? Frågan är mycket komplex, historiker har ännu inte gett något svar på den. Men det som betyder något för oss nu är något annat. Det faktum att Ryssland på bara några decennier som har gått från början av Peters reformer till Katarina den storas tid, som var ett främmande, farligt exotiskt land bebott av oförutsägbara barbarer i Västeuropas ögon, har blivit inte bara en europeisk makt. En av de första europeiska makterna! Snabba förändringar har skett inte bara inom politiken – de har påverkat själva grunden för människors liv, deras inställning till världen och till varandra, livet, kläderna, många vardagliga småsaker som livet i själva verket består av. Och såklart konst. Rysk konst under dessa decennier har flutit den väg längs vilken västeuropeisk konst har flödat i århundraden.

Okänd artist. Porträtt av "patriarken" Milak - bojaren Matvey Filimonovich Naryshkin. 1690-tal Olja på duk. 86,5 x 75 cm Ryska statens museum

Det patos av aktiv kunskap som uppslukade Ryssland på Peter den stores tid gör det delvis relaterat till renässansens Västeuropa. Sedan i Italien (och sedan i andra länder) stimulerade sekulariseringen av kulturen, utvecklingen av praktiska vetenskaper istället för medeltida spekulativ filosofi och ett stort intresse för självvärdefull personlighet (utanför företagsramen, återigen karakteristisk för medeltiden) snabb utveckling av sekulär konst, som steg till oöverträffade höjder.

Denna konst kännetecknas av en exakt överföring av naturen, baserad på studiet av perspektivets lagar och mänsklig anatomi; och viktigast av allt, en nära och likgiltig blick in i en person. Renässansens mästare visar oss människan först och främst som ett mirakel, skapelsens krona, som bör beundras. På 1600-talet ger denna glädje plats för djup och nykter psykologism, medvetenhet om varelsens tragiska paradoxer och den mänskliga naturen själv (till exempel i Velasquez och Rembrandts verk).

Rysk konst på 1600-talet dominerades fortfarande av tradition och kanon. Den tidens sekulära målning är parsunporträtt (från det latinska ordet "persona"), som påminner mycket om ikonmålande ansikten. De är platta, statiska, saknar chiaroscuro, förmedlar felaktigt utseendet på den porträtterade (känd för författarna, som regel, genom hörsägen). Allt detta beror förstås inte på brist på talang. Framför oss är ett annorlunda konstnärligt system designat för andlig konst. Det väckte en gång liv i mästerverken av Theophan the Greek och Andrei Rublev. Men tiderna har förändrats och målningstekniker, utan historisk grund, har förvandlats till arkaism.

Snabba förändringar i samhället - och med det i konsten - började på nittiotalet av XVII-talet. Som ett typiskt exempel kan man nämna ett porträtt av den kungliga gycklaren Yakov Turgenev, målat av en okänd mästare senast 1695. I allmänhet är detta en typisk parsuna: en frusen bild på ett plan, även om ljuset och skuggorna redan har beskrivits. Men det viktigaste är individualiseringen av modellens utseende: ansiktsdrag, ögonuttryck; den inre världen återspeglas ännu inte i porträttet, och ändå har vi utan tvekan en levande person framför oss.

Ivan Nikitin. Porträtt av prinsessan Praskovya Ivanovna (?), brorsdotter till Peter I. 1714.
Canvas, olja. 88 x 67,5 cm Ryska statens museum

Ivan Nikitin. Porträtt av baron Sergei Grigorievich Stroganov. 1726
Canvas, olja. 87 x 65 cm Ryska statens museum

Ivan Nikitin. Peter I på sin dödsbädd. 1725
Canvas, olja. 36,6 x 54,4 cm Ryska statens museum

Att porträttgenren började utvecklas väldigt snabbt är inte förvånande. För det första fanns det redan i ryskt måleri (till skillnad från de flesta andra genrer som precis skulle dyka upp). Den främsta anledningen är att under Peter den stores tidevarv ökade individens betydelse kraftigt - aktiv, törstig efter självbekräftelse, bröt traditioner och klassbarriärer. Sådana var "kycklingarna i Petrovs bo" - från Menshikov till Abram Gannibal - spelande och begåvade människor av olika ursprung, tack vare vilka det ryska skeppet kunde övervinna det stormiga havet av radikala reformer. Dessa människors öde utvecklades ofta tragiskt. Ett sådant öde väntade den första berömda konstnären på 1700-talet, som kom i förgrunden under Peter, Ivan Nikitin.

Han föddes i mitten av 1680-talet (det exakta datumet är okänt) i familjen till en Moskvapräst. Han visade tidigt extraordinära förmågor: som mycket ung man lärde han ut aritmetik och teckning på "artilleriskolan" i Moskva. Började på allvar studera målning under ledning av Peter I, som lärde sig om hans talang.

Nikitins tidiga verk (till exempel ett porträtt som förmodligen föreställer Pjotrs systerdotter Praskovya Ioannovna (1714)) påminner fortfarande på många sätt om parsunas med sin platthet, konventionella och förbiseende för anatomi. Men nya funktioner märks mer och mer i dem: uppmärksamma modellen, försök att förmedla dess karaktär, inre liv. År 1716 ingick Nikitin i antalet Peters pensionärer - ungdomar som skickades utomlands för att studera på statens bekostnad.

Ivan Nikitin. Porträtt av en utomhus hetman. 1720-talet
Canvas, olja. 76 x 60 cm Ryska statens museum

Innan tsaren lämnade träffade tsaren personligen konstnären och skrev sedan till sin fru (som då var i Berlin) för att instruera honom att måla flera porträtt, inklusive den preussiske kungen, "så att de vet att det finns bra mästare från vårt folk ." Och när han återvände från utlandet lämnade Peter inte Nikitin med sin uppmärksamhet: han gav honom ett hus i centrala St Petersburg och kallade honom "Hoffmaler av personliga angelägenheter".

Konstnären kände inte bara tacksamhet för kejsaren - han beundrade denna kraftfulla personlighet, respekterade djupt sitt statliga geni. Denna attityd är mycket märkbar i Nikitins berömda porträtt av Peter. Mannen på porträttet är inte längre ung; bitterhet syns i hans ögon och envist sammanpressade läppar. Uppenbarligen lyckades han se och uppskatta den andra sidan av storslagna prestationer. Men att ge upp? Inte i något fall! Han är fortfarande förkroppsligandet av styrka och okuvlig energi. Och 1725 var konstnären tvungen att uppfylla en sorglig plikt: att fånga kejsaren på hans dödsbädd. Denna målning gör ett starkt intryck. Den avlidnes ansikte, oroväckande upplyst av lågan av ljus (återstående "bakom kulisserna" på bilden), är skrivet ut strikt realistiskt och samtidigt fullt av genuin storhet.

Dessa och andra verk av Nikitin vittnar om den snabba tillväxten av hans skicklighet. Här är till exempel ett porträtt av kansler G.I. Golovkin. Vilken smart, subtil och tvetydig person är avbildad på den! Blicken på hans mörka uppmärksamma ögon, riktad mot betraktaren, är helt enkelt fascinerande. Eller det magnifika "Porträtt av en utomhushetman". Dessa målningar är lakoniska, fulla av intern dynamik och ovanligt uttrycksfulla. Deras författare är inte längre bunden av kanonen, han är föremål för de mest komplexa teknikerna.

Denna stelhet, stelhet kan ses även i verk av en annan Peters pensionär - Andrei Matveev, till exempel, i "Självporträtt med sin fru" (1729?). Det unga parets poser och ansiktsuttryck som avbildas på den är statiska och avsiktliga. Samtidigt lockar porträttet med viss djup uppriktighet och renhet. När vi tittar på det, dyker plötsligt en avlägsen era upp i närheten och talar till oss direkt...

Efter Peter I:s död började svåra tider i Ryssland. Hans efterträdare, som var upptagna i kampen om makten, var föga bekymrade över statens och dess begåvade undersåtars öde. Tråkigt nog avslutade Ivan Nikitins kreativa liv. Under Anna Ioannovnas regeringstid arresterades han för att ha deltagit i en oppositionskrets i Moskva, från vilken en broschyr om Feofan Prokopovich kom ut. Han tillbringade fem år i fästningen, sedan, 1737, blev han slagen med piskor och förvisad till Sibirien. Förlåtelse erhölls efter 1742, då den grälvilliga kejsarinnan dog; tyvärr, för sent.

Utmattad och sjuk kunde konstnären aldrig ta sig hem - han dog på vägen.

Eran av palatskupp, som nästan sprängde allt som hade uppnåtts under Peter, slutade 1741 med tillträdet av hans dotter Elizabeth. Efter att ha tagit emot tronen genom tillran (den unge kejsaren John Antonovich avlägsnades och fängslades i fästningen), åtog hon sig resolut att återställa ordningen i staten. Liksom sin far ville hon att Ryssland skulle ta sin rättmätiga plats bland de europeiska makterna. Hon visste hur man hittar och stöttar begåvade människor – människor från olika sociala skikt. Och, till skillnad från sin far, under hela regeringstiden skrev hon inte på en enda dödsdom.

Det är inte förvånande att en hög uppgång i nationell kultur vid denna tidpunkt börjar. Moskvas universitet grundades 1755, nationalteatern grundades 1756 och konstakademin grundades 1757. Rysk konst höll på att bli riktigt professionell.

Den ledande rollen i målningen av denna period tillhörde fortfarande porträttet. På fyrtio- och sextiotalet arbetade I. Vishnyakov, A. Antropov, I. Argunov, M. Kolokolnikov, E. Vasilevsky, K. Golovachevsky i denna riktning. Porträttkonsten utvecklades i två genrer: ceremoniell och kammare.

Det ceremoniella porträttet är till stor del en produkt av barockstilen (denna trend, som har sitt ursprung på 1500-talet, då dominerade Ryssland), med dess tunga pompa och dystra storhet. Hans uppgift är att visa inte bara en person, utan en viktig person i all glansen av hennes höga sociala position. Därav överflödet av tillbehör utformade för att betona denna position, den teatrala prakten av posen. Modellen är avbildad mot bakgrund av ett landskap eller interiör, men säkert i förgrunden, ofta i full tillväxt, som om den undertrycker det omgivande rummet med sin storhet.

Ivan Vishnyakov. Porträtt av M. S. Begichev. 1825 Olja på duk. 92 x 78,5 cm
Museum of V.A. Tropinin och Moskvas konstnärer av sin tid, Moskva

Det var med ceremoniella porträtt som en av den tidens ledande porträttmålare, I.Ya. Vishnjakov (1699-1761). Hans verk följer genrens traditioner, men har också ett antal drag som är unika för denna mästare. Först av allt, sofistikeringen av färg, raffinerad nåd, ljus ornamentalitet, det vill säga de egenskaper som är karakteristiska för rokokostilen. Särskilt vägledande i detta avseende är porträttet av den unga Sarah Eleonora Fermor, skrivet 1749 (några år senare skapade konstnären också ett porträtt av sin bror).

En smal, mörkögd tjej i puderperuk och en pösig klänning av styv satäng frös mot bakgrund av draperier och pelare. Det är denna kontrast av bräcklig ungdom och ceremoniell dekoration som är imponerande, framhävd av bildens hela rosa-silverfärgade skala, pärlemor översvämningar av hårda veck, ett delikat mönster som tycks ligga något bort från tyget - som frost på glas och ett genomskinligt landskap i bakgrunden. Denna duk påminner lite om en vas av fint porslin, som du beundrar, är rädd att röra för att inte skada den med en slarvig rörelse.

Vishnyakov är den första av de ryska målarna som så tydligt dras till lyrik i tolkningen av bilder. Denna linje kommer att fortsätta i hans yngre samtida och konstnärer under andra hälften av seklet.

Alexey Antropov. Porträtt av Anna Vasilievna Buturlina. 1763
Canvas, olja. 60,3 x 47 cm Statens Tretjakovgalleri

De mest betydelsefulla verken av porträttkonst på 1700-talet skapades i genren inte ceremoniella, utan kammarporträtt. Den här genrens storhetstid börjar på fyrtiotalet. Den kännetecknas av kortfattadhet, ett litet antal detaljer (som var och en blir särskilt betydelsefull, vilket lägger till något till modellens egenskaper), som regel - en döv mörk bakgrund. Huvuduppmärksamheten hos mästarna i kammarporträttet är inriktad på närbildsansiktet, noterar noggrant funktionerna i utseendet, uppnår största möjliga likhet, försöker tränga in i den avbildade personens inre värld.

De viktigaste prestationerna i denna genre tillhör två konstnärer, som tillsammans med Vishnyakov av konsthistoriker anses vara de största målarna i mitten av 1700-talet - Antropov och Argunov.

A.P. Antropov (1716-1795) studerade målning med sin släkting Andrei Matveev, en av Peters pensionärer. Redan i sin ungdom började han arbeta i kansliets målarteam från byggnader under ledning av först Matveev, sedan Vishnyakov. Dessa mästare hade ett stort inflytande på honom, och han var i sin tur Levitskys lärare, hans verk påverkade Rokotovs och senare Borovikovskys och Shchukins arbete. Det var så kontinuiteten genomfördes i rysk porträtt, som sträckte sig genom hela 1700-talet.

De mest kända målningarna av Antropov skapades på femtio- och sextiotalet. Vid denna tidpunkt kan han, enligt forskare, anses vara en central figur i det ryska måleriet. Porträtt av Buturlins, A.M. Izmailova, M.A. Rumyantseva, A.K. Vorontsova, Ataman Krasnoshchekov skildrar mycket olika, men något liknande människor - representanter för ett socialt skikt, en era. Ibland får dessa målningar en att tänka på parsuns: de (som i Vishnyakovs verk) saknar ibland luft och dynamik; Modellernas ständigt exakta yttre egenskaper åtföljs inte alltid av en intern.

Men där denna egenskap är närvarande når den imponerande styrka. Som till exempel i porträttet av statsdamen A.M. Izmailova. Ansiktet på denna medelålders kvinna är gömt bakom en slät mask av vitt och rouge. Den är majestätisk, full av imponerande kraft och fridfull medvetenhet om sin egen överlägsenhet. Tanken kommer ofrivilligt: ​​hur svårt det måste vara för dem som är underordnade henne. Men konstnären visar den mänskliga naturens tvetydighet: när vi tittar närmare märker vi att ögonen på den arroganta damen är klokare och mjukare än det verkade vid första anblicken ...

Ett annat exempel är det ceremoniella porträttet av kejsar Peter III. Denna holsteinske prins valdes av den barnlösa Elizabeth som efterträdare endast på grund av släktskap (han var hennes brorson, sonson till Peter I), och inte på grund av personliga egenskaper, tyvärr - obetydliga. Efter flera månader av berömd regering avlägsnades han från tronen av sin egen fru, den framtida stora kejsarinnan Catherine. Denna obetydlighet hos personligheten är så tydligt synlig i porträttet (trots att det helt enkelt svämmar över av draperier, order, hermelinrockar och andra attribut av pompa och kraft) att det uppriktigt sagt blir synd om den olyckliga kejsaren.

Det är osannolikt att Antropov satte sig i uppgift att avsätta monarken. Det är bara det att han, som en riktig mästare, inte kunde sänka sig. En sådan orädd precision kostade konstnären hans karriär: han blev aldrig medlem i den nyöppnade konstakademin.

Med namnet I.P. Argunov (1729-1802) är förknippad med en speciell sida i den ryska konstens historia. Han var livegen under hela sitt liv. Livegenskapen konsoliderades på 1700-talet och blev i själva verket en form av slaveri. Adelsmännen i det lysande kejserliga hovet, som konkurrerade med varandra, byggde upp lyxiga palats, satte upp teatrar och konstgallerier. Kreativiteten hos fästningsarkitekter, målare, musiker, skådespelare var efterfrågad. Talangfulla människor söktes och vårdades, de skapade förutsättningar för arbete, men efter befälhavarens infall kunde de lätt förlora allt. Argunov var också i denna position, ofta tvungen att distraheras från arbetet antingen för att kopiera målningar eller för att förvalta mästarens egendom.

Ivan Argunov. Guds moder. 1753(?). Canvas, olja. 202 x 70,7 cm Ryska statens museum
Ivan Argunov. Jesus Kristus. 1753(?). Canvas, olja. 198 x 71 cm Ryska statens museum

Lyckligtvis var hans ägare inte de värsta - Sheremetevs. Nu talar vi om båda dessa familjer - Sheremetevs och Argunovs - att de förhärligade deras namn i rysk historia: den ena gav Ryssland befälhavare och politiker, den andra - arkitekter och målare. Arkitekterna var Ivan Argunovs kusin och hans son Pavel, de deltog i byggandet av palatskomplexen Kuskovo och Ostankino. Som far, den andra sonen till Argunov, blev Nikolai, som blev känd vid sekelskiftet 1700-1800, porträttmålare.

Enligt det kreativa sättet hos I.P. Argunov ligger nära Antropov. Hans porträtt - särskilt de ceremoniella - får dig också ibland att minnas parsunerna. De viktiga personerna som avbildas på dem är prins och prinsessa Lobanov-Rostovsky, generalamiral prins M.M. Golitsyn, representanter för familjen Sheremetev och andra - titta på betraktaren orörlig, fjättrad av sin egen briljans. Liksom Antropov drar Argunov noggrant fram texturer och beundrar tygernas skimrande, glittret av smycken och kaskaderna av luftiga spetsar. (Beundran för skönheten i den materiella världen, noterar vi förresten, är karakteristisk inte bara för dessa mästare: detta är ett av de karakteristiska dragen hos all 1700-talsmålning.)

De psykologiska egenskaperna hos modellerna döljer sig bakom denna briljans, men de finns och är ganska tillgängliga för en uppmärksam tittares blick. I Argunovs kammarporträtt är det just denna egenskap som kommer i förgrunden. Sådana är porträtten av Tolstoj, man och hustru till Khripunovs, en okänd bondekvinna och ett antal andra, som visar människor av mycket olika social status, ålder och temperament. Konstnären tittar intensivt och med intresse in i dessa människors ansikten, lägger märke till de minsta särdragen i utseende och karaktär, ibland uppriktigt beundrar deras skönhet, särskilt inre (detta är särskilt märkbart i porträtten av Khripunova och en okänd bondekvinna i rysk kostym) .

Ivan Argunov fick erkännande av sina samtida både som konstnär (det var inte utan anledning att senaten efter Katarina II:s tron ​​beställde honom ett ceremoniellt porträtt av den unga kejsarinnan, som hon var mycket nöjd med), och som lärare. Hans elever var, förutom sonen Nikolai, K.I. Golovachevsky, I.S. Sablukov, A.P. Losenko - i framtiden, välkända målare och framstående figurer från Akademien för konst.

Genren som dök upp i rysk konst under de sista åren av Peter den stores regering förtjänar en speciell diskussion.
Det handlar om stilleben.

Denna genre inom europeisk konst på 1700-talet (när förresten själva termen uppstod) var mycket populär. Lyxiga stilleben av flamländska och holländska konstnärer är särskilt kända: glänsande bägare med vin, högar av frukter och slakt vilt - en sorts symbol för köttslig glädje och materiellt överflöd. Tingens värld upphörde aldrig att förvåna och glädja målare, och i Ryssland, när sekulär konst började utvecklas snabbt även där.

De första ryska stillebenen målades av flera mästare, inklusive anonyma. Bland dem är det mest kända namnet Grigory Teplov. En seminarist, en elev till Feofan Prokopovich, senare statsman och vetenskapsman, skapade han flera originella och på sitt eget sätt mycket attraktiva målningar. De skildrar vardagliga saker utspridda, så att säga, i slumpmässig oordning på en träskiva, under vilken duken är förklädd. De är utskrivna så noggrant att en illusion av verkligheten skapas, det är inte för inte konstkritiker kallar den här sortens stilleben för "bedrägerier".

Gravyr, klockor, anteckningar, en flaska medicin, en penna och en anteckningsbok, det vill säga i princip de föremål som har kommit till användning nyligen, är tecken på ett nytt sätt att leva som ännu inte har blivit bekant. Detta är livet för människor som drivs av ett stort intresse för världen och en törst efter kunskap; för vem en sak inte bara är ett husgeråd, utan ett mysterium värt att förstå. Det är därför dessa till synes konstlösa målningar har en så stark energi. De får oss att ovanligt noggrant känna attraktionen från dessa avlägsna tider. Det är som om "tricket" verkligen är en verklig, levande varelse, som just nu, för ett ögonblick sedan, berördes av sin sedan länge borta ägares hand ...

Det har gått ganska många år - och nu har livet kommit in på sitt vanliga spår och upptäckarens patos har ersatts av en festlig hänryckning med livets fröjder. Sådan var atmosfären i det elisabethanska hovet - "glad Elizabeth", som hennes samtid kallade henne. Tillsammans med barocken kommer rokokostilen på modet - lätt, lekfull, flirtig. Enfilader av palatshallar är dekorerade med nyckfull dekor.

Boris Sukhodolsky. Astronomi. Omkring 1754. Desudeportes
Canvas, olja. 100 x 210 cm Statliga Tretjakovgalleriet

Det var då som en märklig sorts stilleben utvecklades i rysk konst - desudeportes, eller paneler ovanför dörren. De föreställde vaser, blommor och frukter, utsökta landskap, draperier och ornament. Designade för att dekorera och harmonisera interiören, kan de sällan betraktas som självständiga konstverk, utanför den övergripande arkitektoniska och, som de skulle säga nu, designrumslösning. Samtidigt framfördes de som regel på en mycket hög nivå.

I utbildningen av mästare som arbetade inom detta område spelade en sådan institution som det ovan nämnda St. Petersburg Office of Buildings, som hade ett arkitekt- och målarteam, en stor roll. Konstnärerna i målarteamet utförde många beställningar för att måla palats, kyrkor, triumf- och festbyggnader. Bland dem stod sådana mästare som Ivan Firsov, bröderna Alexei och Ivan Belsky, Boris Sukhodolsky.

Verken av Firsov och A. Belsky är eftertryckligt dekorativa; föreställande vaser, frukter och draperier, strävade de inte alls efter att få dem att se ut som riktiga. Interiörerna, dekorerade med dessa mästares verk, fick fullständighet och briljans.

Sukhodolsky betraktade sitt problem något annorlunda. Hans desudéportes är vanligtvis landskap. Skickligt inskrivna i interiören, de uppfattas ändå ganska separat. Trädgårdar och parker i senbarockstil - med omtänksam grönska, grottor, ruiner och fontäner, dekorerade med antika statyer och byster av fantastiska människor. Sådana trädgårdar var mycket populära på 1700-talet; några av dem, till exempel den berömda parken i Pavlovsk, har överlevt till denna dag. I den här parken, förresten, under Catherine II:s regeringstid fanns det speciella trädgårdsbibliotek: när man tittar på bysten av de stora är det så glädjande att engagera sig i seriös läsning och reflektion över det sublima. Vi kan också se figurer av läsande människor på Sukhodolskys paneler (till exempel "The Walk", ca 1754).

"Faux pas" och desudeportes kanske inte verkar vara ett särskilt seriöst ämne att överväga bredvid de höga prestationerna inom porträtt, historia och genremåleri.

Men utan dem skulle idén om konsten från XVIII-talet vara ofullständig. De är nära förbundna med tiden som födde dem. Det skulle kanske inte vara en överdrift att säga att de innehåller denna tids själ, dess unika charm.

Ivan Sablukov. Porträtt av Katarina II. 1770-tal Olja på duk. 85 x 65,5 cm

1762 ockuperades den ryska tronen av den tidigare tyska prinsessan Sophia Frederica - kejsarinnan Katarina II. Hon störtade sin man, som var oförmögen att styra staten eller upprätthålla åtminstone någon prestige av det kejserliga hovet, med hjälp av vakterna. "Kvinnornas ålder", som 1700-talet ibland kallas, fortsatte och nådde sin höjdpunkt.

Det var under Katarina som Ryssland blev en verkligt stormakt. Framgångar åtföljde hennes armé och diplomati. Nya länder annekterades, inklusive den norra Svartahavsregionen, Krim och norra Kaukasus; rikets gränser flyttade sig långt åt söder och väster. I Europa sågs Ryssland som en välkommen allierad och en mycket farlig fiende;
konflikter som rör europeiska länder löstes inte utan hennes deltagande.

Catherines inrikespolitik var beslutsam och tuff. Hon valde Peter I som ett exempel för sig själv (på hennes befallning restes ett berömt monument över honom på St. Petersburgs palatstorg). För att stärka grunderna för en absolut monarki, gav den privilegier till adeln - dess främsta stöd - och stärkte förslavandet av bönderna. Eftersom hon var en anhängare av den franska upplysningen, för att förhindra att statens grunder skakades (med början av revolutionen i Frankrike blev denna uppgift särskilt angelägen!), drev hon fritänkande och slog skoningslöst ned bondeuppror.

Catherine, precis som Peter och Elizabeth, visste hur man uppskattar talanger. Suvorov, Dashkova, Potemkin, Ushakov, Derzhavin - detta är bara en liten del av konstellationen av namn som förhärligade hennes tid. De lysande namnen på ryska målare är också invävda i denna konstellation.

Ivan Sablukov. Porträtt av grevinnan L.N. Kusheleva. 1770-talet. Canvas, olja. 65 x 50 cm
Nizhny Novgorod State Art Museum

Det ryska måleriet var, liksom kulturen i allmänhet, på den tiden under stort inflytande av upplysningstidens idéer. Denna sociofilosofiska rörelse, vars födelseplats var Frankrike, var baserad på förnuftets kult, kapabel att känna till världen och omvandla den på grundval av rättvisa, ändamålsenlighet och framsteg. För upplysningarna var alla dessa begrepp entydigt positiva. Det som hindrade framsteg skulle fördömas; det irrationella, det oförklarliga ansågs vara falskt.

Klassicismen blev uttrycket för dessa idéer i konsten. Utifrån uppfattningen om antiken som ideal strävade denna riktning, till skillnad från barock och rokoko, efter klarhet och strikt enkelhet. Skönhet är beräkningsbar - detta är klassicismens credo. Det finns lagar, strikt observera som du kan skapa ett perfekt konstverk. Å ena sidan är detta noggrannhet, proportionalitet, enhet av delar; å andra sidan, "allmänheten är högre än det personliga", "plikten är högre än kärleken".

I Frankrike följde konstnärer, dramatiker, arkitekter klassicismens principer redan på 1600-talet – långt före upplysningstiden; i Ryssland inträffade den klassicistiska konstens storhetstid under andra hälften av 1700-talet. En viktig roll i detta spelades av Konsthögskolans verksamhet, som grundades 1757 i St. Petersburg.

Akademiens betydelse i den ryska konstens historia är extremt stor. Under många decennier förblev det den enda högre konstutbildningsinstitutionen i Ryssland. Efter att ha fått status som kejserlig 1764 stod hon under oföränderlig ledning av myndigheterna, vilket å ena sidan gav henne möjlighet att betala långa utlandsresor för de bästa studenterna, och å andra sidan att begränsa " ideologisk förvirring och vacklande."

Kirill Golovochevsky. Porträtt av grevinnan Sofya Dmitrievna Matyushkina som barn. 1763.
Canvas, olja. 61,2 x 47,5 cm Statens Tretjakovgalleri

Anton Losenko. Porträtt av poeten och dramatikern Alexander Petrovich Sumarokov
Canvas, olja. 74 x 64,5 cm Ryska statens museum

Systemet för antagning av studenter var dock ganska demokratiskt, inte belastat med formaliteter. Bland de första som kom in på Akademien var tre elever från I.P. Argunov - Losenko, Sablukov och Golovachevsky. Med bra utbildning studerade de inte bara, utan hjälpte också lärare att leda akademiska klasser och ledde en gång till och med målarklasser.

Undervisningen vid Akademien byggde naturligtvis på klassicismens principer. De unga männen som studerade fick tanken på behovet av att lita på erfarenheterna från det förflutna, värdet av traditioner, särskilt gamla. Konst, förklarade lärarna, borde sträva efter ett ideal, som tyvärr lite motsvarar det omgivande livet. Men den innehåller också idealiska mönster; en bra konstnär kommer att avslöja dem och presentera på duken den korrigerade naturen, som den borde vara.

Med sådana principer är det inte förvånande att akademikerna sätter den historiska genren i första hand inom måleriet (bibliska, legendariska och mytologiska ämnen ansågs också vara historiska). Efter öppnandet av akademin började denna genre att blomstra i rysk konst.

Bland eleverna på I.P. Argunov, som gick in på konstakademin, A.P. Losenko. Han visade sig vara en enastående porträttmålare: Sumarokov, Ivan Shuvalov, grundaren av den ryska teatern Fjodor Volkov poserade för honom. Men först och främst känner vi och uppskattar honom som en historisk målare - grundaren av denna genre i rysk konst.

Anton Losenko, en tidig föräldralös son till en liten rysk bonde, kunde slå igenom i livet enbart tack vare sin talang. I sin tidiga ungdom sjöng han i hovkören, därifrån blev han elev av Argunov. Sedan skickades han till Akademien. Han utmärktes alltid av iakttagelse, livlig nyfikenhet och en girig kunskapslust. Medan han var utomlands (på sextiotalet besökte han Paris två gånger, sedan i Rom), förde Losenko en "Journal of Notable Works of Painting and Sculpture I noticed", där han noggrant analyserade sina intryck av de stora europeiska mästarnas verk - Raphael, Rubens , Rembrandt, Poussin, studerade antikens monument och definierade sin egen väg inom konsten.

Anton Losenko. Adonis död. 1764 Olja på duk. 77,6 x 105,2 cm

Anton Losenko. Zeus och Thetis. 1769
Canvas, olja. 172 x 126 cm Ryska statens museum

Och senare, när han undervisade unga konstnärer vid akademin, slutade han inte lära sig själv. Han strävade efter perfekt behärskning av teknik, exakta kunskaper om anatomi och perspektiv. Hans teckningar anses vara en av de högsta prestationerna inom 1700-talets grafik; under lång tid fungerade de som en modell för akademistudenter i ritkurser. Den första handboken om plastisk anatomi som sammanställts av honom - "Förklaring av den korta andelen av en person ... till förmån för ungdomar som tränar ritning ..." - användes också vid akademin i flera decennier.

Losenkos konstnärliga principer bestämdes i slutet av sextiotalet. Klassicismens tydliga logik vid den tiden verkade som en frisk fläkt mot bakgrund av dekorativ pretentiöshet och trängsel med senbarock- och rokoko-allegorier, i den anda som utländska konstnärer som var inbjudna till Ryssland vid den tiden arbetade (till exempel S. Torelli och F. Fontainebasso). År 1768 målade Losenko två "akademiska figurer i storleken av en vanlig person" - studier av en naken kropp, villkorligt kallad "Kain" och "Abel", och ett år senare - en målning "Zeus och Thetis". I dessa verk förklarade han sig först en konstnär av den klassicistiska riktningen.

Losenkos bästa verk är dukar av den historiska genren, skrivna på temat antik och, viktigast av allt, inhemsk historia. 1770 ställde han ut målningen "Vladimir och Rogneda" på Akademien. Dess handling är baserad på händelserna under det avlägsna 900-talet, som beskrivs i Sagan om svunna år. Vladimir, i framtiden storhertigen av Kiev, uppvaktade Polotsk-prinsessan Rogneda och, efter att ha fått ett avslag, tillfångatog han henne med våld efter att han besegrat Polotsk och dödat hennes far och bröder. Attraktionen till en intrig ur rysk historia var nyskapande och samtidigt mycket betydelsefull för andra hälften av 1700-talet, när det ryska samhället, under förhållanden av ett nationellt uppsving, började inse betydelsen och storheten av sitt historiska förflutna. Hjältarna i krönikor och legender stod i nivå med antika och bibliska karaktärer, och visade samma exempel på starka passioner och höga känslor.

Anton Losenko. Abraham offrar sin son Isak. 1765
Canvas, olja. 202 x 157 cm Ryska statens museum

Anton Losenko. Stor fångst av fisk. 1762
Canvas, olja. 159,5 x 194 cm Ryska statens museum

På bilden framstår Vladimir inte som en grym erövrare. Han är kär och deprimerad av sin älskade kvinnas sorg, som han själv orsakade henne. Är godtycke och kärlek förenliga? Historien, som Losenko kände väl, gav svaret: Vladimir och Rogneda levde i ett lyckligt äktenskap i många år ... tills prinsen lämnade henne för den bysantinska prinsessan, som han var tvungen att gifta sig med av politiska skäl.

Tre år senare presenterade konstnären för publiken en annan målning på ett historiskt tema - "Farväl av Hector till Andromache", en komplex flerfigurskomposition, utförd med professionell briljans och glorifierande självuppoffring i fosterlandets namn.

Efter Losenko kom en hel galax av historiska målare in i rysk konst, av vilka de flesta var hans elever: I. Akimov, P. Sokolov, G. Ugryumov, M. Puchinov. Alla av dem kännetecknas av en hög nivå av skicklighet: en perfekt teckning, flytande färg och chiaroscuro, användningen av de mest komplexa kompositionsteknikerna.

Detta mästerskap gör ett stort intryck i den nittonårige Akimovs målning "Grand Duke Svyatoslav Kysser sin mor och barn på hans återkomst från Donau till Kiev", skriven under stort inflytande av en lärare, men på den professionella nivån av en helt mogen artist. Senare har I.A. Akimov (1754-1814) skapade ett antal målningar, främst på mytologiska teman (till exempel "Självbränning av Hercules"), undervisade vid akademin under lång tid, ledde en gång i tiden. 1804 skrev han en av de första uppsatserna om rysk konst - "Korta historiska nyheter om några ryska konstnärer."

Bland verken av P.I. Sokolov (1753-1791) är särskilt intresserad av målningen "Mercury and Argus", där gestalterna av en tillitsfullt slumrande mäktig stark man och den lömska listige Merkurius, som är på väg att slå honom med ett svärd, kontrasteras. Sokolov är också känd som en av de bästa akademiska ritarna: hans skildringar av sittande med italiensk penna och krita på tonat papper anses av konsthistoriker vara bland de högsta prestationerna av rysk grafik på 1700-talet.

M. Puchinovs (1716-1797) verk kännetecknas av en ökad dekorativ effekt, som kommer från rysk målning i mitten av århundradet och i allmänhet ovanlig för klassicismens konst. Ett exempel på en sådan dekorativ, koloristiskt mättad komposition är målningen "Alexander den stores utnämning med Diogenes", som skildrar ett möte med filosofen Alexander den store, för vilken han fick titeln akademiker 1762.

Ivan Akimov. Prometheus gör en staty på order av Minerva. 1775
Canvas, olja. 125 x 93 cm Ryska statens museum

Ivan Akimov. Saturnus med en lie, sitter på en sten och klipper Amors vingar. 1802
Canvas, olja. 44,5 x 36,6 cm Statliga Tretjakovgalleriet

Matthew Puchinov. Datum för Alexander den store med Diogenes
Olja på duk 217 x 148 cm Ryska statens museum

En speciell roll i utvecklingen av det inhemska historiska måleriet spelades av G.I. Ugryumov (1764-1823). Han var förälskad i rysk historia och ritade motiv för sina målningar från den. Han målade huvudsakligen stora flerfigursdukar tillägnade viktiga historiska händelser och fyllde dem med idéer nära det ryska samhället vid sekelskiftet. Till exempel, i målningen "Mikhail Fedorovichs kallelse till tsardömet den 14 mars 1613" (senast 1800) utvecklar han temat makt som en plikt och en börda som är relevant vid alla tidpunkter. Unge Mikhail, även om han inte är säker på sina förmågor, lyder viljan från folket som valde honom till kungariket, eftersom han känner sig ansvarig för folket och fosterlandet.

Inte bara härskare och generaler kunde bli Ugryumovs hjältar ("Alexander Nevskijs högtidliga inträde i staden Pskov efter sin seger över tyskarna", "Fångsten av Kazan"), utan också vanliga människor, som den legendariska Kiev-lädermannen Jan Usmar ("Testa styrkan hos Jan Usmar"). Hans dukar kännetecknas, förutom semantiskt innehåll, av uttrycksfulla kompositionslösningar, rik färg och ett ljust spel av chiaroscuro.

Ugryumov blev lärare i historisk målning vid akademin i början av 1990-talet (kort efter att han själv tog examen) och förblev det i mer än tjugo år. Han förbättrade metoden att lära ut ritning, vilket gjorde det friare, närmare naturen. Den utmärkta tekniska utbildning som akademin gav sina elever under nästa århundrade beror till stor del på hans förtjänst.

Grigory Ugryumov. Kallelsen av Mikhail Fedorovich Romanov till kungariket den 14 mars 1613. Senast 1800
Canvas, olja. 510 x 393 cm Ryska statens museum

Grigory Ugryumov. Intagandet av Kazan den 2 oktober 1552 Senast 1800. Olja på duk. 510 x 380 cm
Vitrysslands nationella konstmuseum, Minsk

Grigory Ugryumov. Alexander Nevskijs högtidliga inträde i staden Pskov efter hans seger över tyskarna. 1793 (1794?). Olja på duk 197,5 × 313,5 cm Ryska statens museum

Grigory Ugryumov. Jan Usmars styrkeprövning 1796 (1797?)
Olja på duk 283 x 404 cm Ryska statens museum

Andra hälften av 1700-talet är tiden för den ryska porträttkonstens höguppgång. En ny generation mästare kommer, med nya idéer och idéer om hur ett porträtt ska vara. Klassicismen påverkar dem, men i mycket mindre utsträckning än historiska målare. Drivna av ett stort intresse för den mänskliga personligheten strävar de efter att visa den så djupt och heltäckande som möjligt. Typologin för porträttet expanderar: kostymporträtt och mytologiska porträtt läggs till de redan befintliga ceremoni- och kammarporträtten. Den sociala kretsen av modeller ökar - och, vilket är typiskt, främst på grund av människor av kreativt arbete, som har förtjänat berömmelse för sin talang och kunskap, och inte för sitt höga ursprung. Porträttkonsten upphör att vara elitistisk, den går utöver huvudstäderna: invånarna i de ryska provinserna vill också föreviga sig själva för eftervärlden, och genom ansträngningar av åtskilliga provinsmålare skapas ett omfattande bildgalleri; intressant material för konstkritiker och historiker.

Med ett ord kan porträttkonsten säkert kallas toppen av rysk målning under andra hälften av seklet. Framför allt finns det två namn på denna topp: Rokotov och Levitsky.

Rokotov och Levitsky. Alla som någonsin har sett porträtten de skapade kommer för alltid att förbli under sin charm. Så lika och så olika. Graciös Levitsky, leker med bilder, generöst använder detaljer, allegorier, vinklar - han är ibland inte motvillig att göra narr av sina modeller med en fullständigt kärleksfull attityd till dem. Och den mystiske Rokotov - ansiktena i hans målningar dyker upp ur den vaga skymningen, exciterar och lockar extraordinärt ... Med den skenbara monotonin av tekniker uppnår han ett fantastiskt psykologiskt djup och styrka av känslomässig påverkan. Konsthistoriker jämför ibland dessa konstnärer med två andra stora porträttmålare - den engelska Reynolds och Gainsborough. Faktum är att parallellerna är uppenbara. Vi pratar förstås inte om någon form av påverkan eller upplåning. Det här är intimitet. En era, liknande historiska processer... Människor som bor i olika delar av Europa finner ofta mycket mer gemensamt än vad man av någon anledning brukar tro.

USA. 65:

Fedor Rokotov. Porträtt av Praskovya Nikolaevna Lanskoy. Början av 1790-talet. Canvas, olja. 74 x 53 cm (opal). Statens Tretjakovgalleri
Fedor Rokotov. Porträtt av Varvara Ermolaevna Novosiltseva. 1780 Olja på duk. 70,5 x 59 cm (oval). Statens Tretjakovgalleri

Vi vet inte så mycket om Fjodor Stepanovich Rokotovs liv. Datum för hans födelse är omtvistad: 1732 eller 1735; och kanske 1736 (konstnären dog 1808). Det är känt att han föddes i en familj av livegna och fick sin frihet efter att han började måla. Berömmelse nådde tidigt: i slutet av femtiotalet, när han fortfarande var långt ifrån trettio, fick han i uppdrag att utföra ett ceremoniellt porträtt av storhertig Peter Fedorovich (den framtida Peter III). Samtidigt målade han också en ovanlig bild för sitt arbete - en av de första ryska interiörerna "I.I. Shuvalov. Det här är inte bara en interiör, det är ett slags "porträtt utan modell" (dock ser vi fortfarande Shuvalov: hans porträtt av J.-L. de Velli hänger på kontorets vägg). Greve Ivan Shuvalov var inte bara en stor statsman, utan också en av de mest utbildade människorna på sin tid, grundaren av Moskvas universitet, en kännare och kännare av konst. Rokotovs målning, som återger atmosfären på hans kontor med dokumentär noggrannhet, återuppväcker dess atmosfär och hjälper oss att bättre förstå denna enastående person.

Fram till mitten av sextiotalet bodde Rokotov i Sankt Petersburg. Redan då hade han så många beställningar att, även om han arbetade mycket snabbt, var de mindre detaljerna i porträtten tvungna att kompletteras av studenter. En av hans samtida skrev entusiastiskt om det magnifika porträttet av A.P. Sumarokov, skapad på bara tre sessioner: "... du, nästan lekande, markerade bara utseendet på ansiktet och skärpan i ögat (ögat) av Evo, vid den tiden och Evos eldsjäl, med all ömhet av hjärtat på duken animerad av dig, gömde inte Asya ... ".

Fedor Rokotov. Porträtt av Varvara Nikolaevna Surovtseva. Andra hälften av 1780-talet.
Canvas, olja. 67,5 x 52 cm (oval). Ryska statens museum

Fedor Rokotov. Porträtt av Agrafena (Agrippina?) Mikhailovna Pisareva (?),
född Durasova. Första hälften av 1790-talet.
Canvas, olja. 63,5 x 49,5 cm (oval). Ryska statens museum
Fedor Rokotov. Porträtt av grevinnan Elizabeth Vasilievna Santi, född Lachinova. 1785
Canvas, olja. 72,5 x 56 cm (oval). Ryska statens museum

Porträttet av storhertig Pavel Petrovich, målat 1761, är mycket bra. Den här mannen kommer några decennier senare att bli det ryska kejsarmysteriet med en obegriplig läggning och ett tragiskt öde. Under tiden är det bara en liten pojke, livlig och nyckfull; barndomens charm betonas av en varm kombination av gyllene och röda toner, på vilken bildens färg är byggd.

Omkring 1766 flyttade konstnären till Moskva. Där skrevs hans bästa verk på sextio- och åttiotalet: porträtt av V.I. Maykova, A.I. Vorontsova, A.M. Obreskova, A.Yu. Kvashina-Samarina, V.E. Novoseltseva, P.N. Lanskoy, E.V. Santi, man och hustru till Struiskys och Surovtsevs, och många andra. Han skrev på ett strikt kammarmanér och visade med tiden en ökande böjelse för klassicistisk enkelhet. Minimala detaljer, enkel mörk bakgrund. All uppmärksamhet från tittaren lockas av modellens ansikte. Dessa ansikten är väldigt olika, de förenas av det faktum att de alla är inspirerade. Rokotov skrev inte små människor, eller snarare, han visste hur han skulle urskilja sitt djup hos alla som poserade för honom. Levande ögon ser på oss nu hånfullt, nu sorgset, nu med olidlig oro. Det finns alltid ett mysterium i dem, ett för oss okänt livsmysterium. Oförmågan att lösa det oroar, får dig att titta om och om igen ...

Kanske det bästa av allt med denna hypnotiska effekt som Rokotovs porträtt har på betraktaren, sa poeten Nikolai Zabolotsky:

... Kommer du ihåg hur från det förflutnas mörker,
Knappt inlindad i satin
Från porträttet av Rokotov igen
Tittade Struyskaya på oss?
Hennes ögon är som två moln
Hälften le, hälften gråta
Hennes ögon är som två lögner
Täckt i dimma av misslyckanden.
Kombination av två mysterier
Hälften glädje, hälften skräck
Ett anfall av galen ömhet,
Upptakt till dödsplågan...
(Ur dikten "Porträtt", 1954).

Dmitrij Grigorjevitj Levitskij (1735-1822) föddes och tillbringade sina första år i Ukraina. Konst följde honom från barndomen: hans far, en präst, var förtjust i gravyr och ansågs vara en av de bästa ukrainska gravörerna. Det är dock svårt att säga hur Levitskys öde skulle ha utvecklats om det inte vore för mötet med A.P. Antropov, som kom till Kiev för att regissera målningarna i St Andrews Church. Antropov märkte Dmitrys talang och tog honom som student.

Levitsky lärde sig mycket av sin lärare. Först och främst - förmågan att ge en korrekt och bestämd beskrivning av den person som porträtteras. Men han gick mycket längre än Antropov, fyllde sina verk med djup och lade in den humanism och vision som gör honom relaterad till Rokotov.

De första målningarna som låter oss prata om Levitsky som en mogen konstnär, skrev han i början av sextio- och sjuttiotalet. Det här är porträtt av A.F. Kokorinov (berömd arkitekt, byggare av Konsthögskolans byggnad) och N.A. Sezemov. I porträttet uppmärksammar Sezemova det ovanliga för dåtidens konst utseende av den avbildade personen - en infödd av bönderna. Ytterst intressant är porträttet av Denis Diderot, målat 1773, när den franske filosofen kom till St. Petersburg.

Samma 1773 fick Levitsky en stor order från Katarina II. Fram till 1776 fortsatte hans arbete med "Smolyanki" - en serie porträtt av eleverna vid Smolny-institutet, just den som för alltid skulle glorifiera hans namn, även om han inte skrev något annat. Det allmänna intrycket som uppstår när man tittar på dessa fantastiska porträtt en efter en kan uttryckas med några få ord: lycka, glädje, firande! Dessa listiga flickor i teatraliska kostymer, som mysigt spelar pastorala scener framför artisten, är bara ett mirakel hur bra de är. Det var här infödingen i det soliga Lilla Ryssland gav fritt spelrum åt sin kärlek till livet, optimism, beundran för själva att vara. Varje porträtt är ett självständigt verk, varje smolyanka har sin egen karaktär. Men tillsammans bildar de en underbar semantisk och stilistisk enhet, och med inte mindre hänförelse än ansikten skriver konstnären ut sina kläder och förmedlar mästerligt egenskaperna hos tyger: siden och satin, sammet, spets och brokad.

Och här är en annan vacker bild, målad i samma 1773. I den visade Levitsky inte bara skicklighet och ett sinne för humor, utan också, kanske, extraordinärt mod. Detta är ett porträtt av den berömda uppfödaren P.A. Demidov. Porträtt - ceremoniellt: Demidov avbildas i en stolt pose, i full tillväxt, bakom honom, som förväntat, finns kolonner och draperier. Han är dock inte klädd i uniform med beställningar, utan i hemmössa och morgonrock och förlitar sig inte på någon folio eller byst av en stor konstnär, utan på en vattenkanna. Handens kungliga gest riktar sig till blomkrukorna: här är den, den viktigaste prestationen och livets arbete! Den ironiska innebörden av porträttet är naturligtvis inte bara att fördjupa modellen i en hemmiljö: en sådan teknik, som man stötte på mer än en gång i porträtt av 1700-talet, skulle bara tillföra uppriktighet och värme till bilden. Men det är just kombinationen av det inkongruenta som bidrar till att ge en dödligt exakt karaktärisering av Demidov, som å ena sidan hade ett extraordinärt sinne, och å andra sidan en mycket bisarr läggning med uttalade tecken på löjligt tyranni.

Denna noggrannhet av egenskaperna är karakteristisk för alla porträtt av Levitsky. Han vet perfekt hur man lägger märke till det viktigaste i en person och skapar en holistisk ljus bild. Och han behandlar aldrig sin modell med kall objektivitet. Om han gillar en person, målar han en bild som utstrålar värme (porträtt av M.A. Dyakova-Lvova, konstnärens far och hans dotter, man och hustru Bakunin och andra).

Dmitry Levitsky. Porträtt av en präst (G. K. Levitsky?). 1779
Canvas, olja. 71,2 x 58 cm Statliga Tretjakovgalleriet

Dmitry Levitsky. Porträtt av arkitekten Alexander Filippovich Kokorinov. 1769

Dmitry Levitsky. Porträtt av Feodosia Stepanovna Rzhevskaya och Nastasya Mikhailovna Davydova, elever i Imperial Educational Society for Noble Maidens. 1772
Canvas, olja. 161 x 103 cm Ryska statens museum

Dmitry Levitsky. Porträtt av Ekaterina Ivanovna Nelidova, elev i Imperial Education Society for Noble Maidens, 1773.
Olja på duk 164 x 106 cm Ryska statens museum

Dmitry Levitsky. Porträtt av Ekaterina Ivanovna, elev i Imperial Education Society for Noble Maidens
Molchanova. 1776. Olja på duk. 181,5 x 142,5 cm Ryska statens museum

Dmitry Levitsky. Porträtt av en elev från Imperial Educational Society for Noble Maidens Natalia Semyonovna
Borshchova. 1776. Olja på duk. 196,5 x 134,5 cm Ryska statens museum

Dmitry Levitsky. Porträtt av Ivan Logginovich Golenishchev-Kutuzov
Canvas, olja. 80,3 x 63,2 cm Statens historiska museum, Moskva

Dmitry Levitsky. Porträtt av Alexander Vasilyevich Suvorov. 1786
Canvas, olja. 80,5 x 62,5 cm. Museum of V.A. Tropinin och Moskvas konstnärer av sin tid, Moskva

Dmitry Levitsky. Porträtt av Anna Stepanovna Protasova, före detta tärna av Catherine II. 1800
Canvas, olja. 81,5 x 64,5 cm Ryska statens museum

Dmitry Levitsky. Porträtt av Katarina II. Omkring 1782
Canvas, olja. Statens museum-reservat "Pavlovsk"

Peter Drozhdin. Porträtt av Katarina II. 1796
Canvas, olja. 251 x 187 cm Statliga Tretjakovgalleriet

Ermolai Kamezhenkov. Porträtt av en hedersfri medlem av Konstakademins målare Johann Friedrich Groth. 1780
Canvas, olja. 134 x 102 cm Ryska statens museum

Men den mest bländande yttre briljansen kan inte få honom att dölja arrogans, känslolöshet eller förräderi där han märker dem (till exempel i porträtten av Ursula Mnishek och Anna Davia).

Men bland Levitskys verk finns det ett där han inte tillåter sig själv manifestationen av konstnärlig partiskhet. Vi pratar om det berömda porträttet av Catherine II (den första versionen skapades 1783). Här hade han en tydligt definierad uppgift: att skapa bilden av kejsarinnan-lagstiftaren, förkroppsligandet av idén om en upplyst monarki. Denna idé var populär i det dåvarande samhället. Levitsky själv delade det - det var därför han lyckades skapa denna duk med sådan briljans, som en högtidlig ode, i andan av Derzhavins Felitsa.

I mer än femton år (från 1771 till 1787) undervisade Levitsky i porträttmålning vid Konsthögskolan. Hans elev var den anmärkningsvärda porträttmålaren Shchukin, som redan tillhörde nästa generation av ryska konstnärer. Naturligtvis upplevde inte bara de som han lärde måla hans inflytande. Vi kan tala om en hel krets av dåtidens konstnärer, nära Levitsky i stil och syn på porträttkonst.
Först och främst är detta P.S. Drozhdin (1745-1805), som förutom Levitsky också studerade med Antropov och målade 1776 en mycket varm och psykologiskt korrekt bild som föreställer Antropov med sin son framför ett porträtt av sin hustru. Kända är också hans porträtt av en ung man i en blå kaftan (1775), en Tverite (1779) och ett antal andra, som utgör ett galleri av mycket olika mänskliga karaktärer.

Det är omöjligt att inte nämna E.D. Kamezjenkov (1760-1818), vars bästa verk ("Porträtt av en okänd man i lila dräkt", "Självporträtt med dottern Alexandra", porträtt av hans dotter med en barnskötare, IF Grot) också karaktäriserar honom som konstnär av Levitsky-kretsen.

Mikhail Shibanov. Bondelunch. 1774
Canvas, olja. 103 x 120 cm Statens Tretjakovgalleri

Vi har naturligtvis inte listat alla porträttmålare som arbetade i Ryssland under Katarinas tid. Det fanns många av dem i huvudstäderna och provinserna. Däribland utländska konstnärer som med större eller mindre framgång passar in i den ryska måleriets helhetsbild (K. Khristinek, som står Rokotov nära på sitt sätt, kan nämnas som exempel). Porträttkonsten fortsatte att utvecklas kontinuerligt. På nittiotalet av XVIII-talet gick det in i ett nytt skede.

Till skillnad från porträttet föddes vardagsgenren först på 1700-talet. Dess storhetstid kommer under nästa århundrade, känd för sina demokratiska tendenser. Under tiden letade konstnärer som uppskattade skönheten i vardagen efter nya teman och intriger och tittade på öppningsutsikterna med försiktig nyfikenhet.

Allmogens liv, särskilt bondeståndet, uppenbarades för dem.

Bondeproblemet i Ryssland har alltid varit akut. Särskilt efter det förödande Pugachev-kriget. Ett bildat samhälle ville emellertid inte hos bönderna endast se rövare eller ansiktslösa och befriade personer med materiell rikedom. Insikten om att detta är det ryska folket föddes i honom. Därav det vaknade intresset för bondeliv, kostym, ritualer och traditioner. På många sätt bar den så att säga fortfarande en etnografisk karaktär: den ryska adeln (1700-talets bildade samhälle var som bekant nästan uteslutande adligt) stiftade bekantskap med en sida av livet som var praktiskt taget okänd för dem .

I ljuset av detta intresse överväger vi arbetet av grundaren av den inhemska genren i rysk målning, Mikhail Shibanov.

Vi vet nästan ingenting om hans liv, förutom de livegnas ursprung (möjligen prins Potemkin) och det faktum att han skrev sina bästa verk på sjuttiotalet. Och arbetet är jättebra. Målningar som "Bondamiddagen", "Konspiration" och särskilt "Firandet av bröllopskontraktet" satte honom i paritet med sin tids bästa artister. Naturligtvis kände han mycket väl till livet som han skildrade i sina målningar. På baksidan av en av dem anges att den representerar "böndernas Suzdalprovins" och skrevs "i samma provins, i byn Tatarov." På dukarna är ryska dräkter, vardagliga och festliga, vackert skrivna, detaljerna i vardagen visas autentiskt. Men det viktigaste med Shibanov är hans ansikte. De är helt levande. Vilken variation av karaktärer och stämningar! Och ansiktet på den gamla kvinnan från "The Celebration of the Wedding Contract" - enligt vår mening är helt enkelt ett riktigt mästerverk.

Mikhail Shibanov. Porträtt av greve A.M. Dmitriev-Mamonov. 1787
Canvas, olja. Nizhny Novgorod State Art Museum

Mikhail Shibanov Porträtt av Katarina II. 1787. Olja på duk. 70 x 59 cm
State Palace and Park Museum-Reserve "Gatchina"

Behärskning av egenskaper manifesterade sig i Shibanov, inte bara i vardagsmålning. Han målade flera lysande porträtt: Katarina II i resedräkt, hennes favorit A.M. Dmitriev-Mamonov, Spiridonovs, Nesterovs. Men han gick in i den ryska konstens historia, naturligtvis, som upptäckaren av folktemat.

I. Ermenev (1746 - efter 1789), en akvarellist och grafiker, son till en brudgum, som tog examen från Konsthögskolan och är känd för att ha deltagit i erövringen av Bastiljen den 14 juli 1789, arbetade med detta ämne på ett helt annat sätt. Mycket lite av hans arbete har överlevt: ett antal grafiska ark, bland vilka är en ovanlig serie som utvecklar bilder av bönder. Det skulle kunna kallas "Biggars". Det är tiggarna som Ermenev skildrar i olika versioner och vinklar, på ett säreget monumentalt-groteskt sätt. När man tittar på seriens ark får man intrycket att mötet med dessa olyckliga människor en gång chockade artisten djupt. Var det inte denna chock som till slut kastade honom in i det revolutionära Frankrikes blodiga storm? ..

Berättelsen om vardagsmålning från 1700-talet kommer att vara ofullständig om vi inte nämner den underbara målningen av I. Firsov "Den unga målaren" - en av de första relaterade till denna genre. Flera mysterier är förknippade med denna målning och dess författare. Är detta samma Firsov som på femtiotalet, som en del av kansliets målarteam från byggnader, skapade barocka desudeporter? När och var målades tavlan? Det finns ett antagande som i Paris och att det skildrar en fransk familj. Det senare är dock inte poängen. Bilden är verkligen underbar - med sin fräscha färg, lätthet i kompositionen, charmiga livlighet hos karaktärerna, särskilt barn. Den skapades som i ett andetag. Och precis som Levitskys Smolyanki får den oss att känna den lätta, berusande luft som Ryssland andades på 1700-talet.

Katarina den storas era slutade 1796. Det lämnade Ryssland mäktigt, välmående, men tyngt av allvarliga problem, fortfarande pyrande, men påtagligt - de skulle manifestera sig i full kraft under nästa århundrade. Den yttre miljön var också svår. Revolutionen som bröt ut i Frankrike svepte helt bort freden och balansen i Europa. Det som uppfattades som orubbligt visade sig vara skört och kortlivat.

Under dessa förhållanden kunde klassicismens symmetri och moraliska säkerhet inte längre motsvara samhällets andliga strävan. Världen visade sig vara mycket mer motsägelsefull. Modet (återigen, först i Frankrike) inkluderar transformerad klassicism - empirestilen, "imperial" - eftertryckligt orienterad mot antiken, men redan utan den strikta, proportionerliga klarhet som var kännetecknande för det tidigare.

Den tidens konstnärer kännetecknades av en önskan om naturlighet och ett stort intresse för den mänskliga själens subtilaste rörelser. Det är ingen slump att landskapet i slutet av århundradet blev en självständig genre i rysk måleri.

I utformningen av landskapet som genre spelade utsikterna över städer, parker, palats och olika minnesvärda platser som skapats tidigare och så att säga haft en kognitiv-topografisk karaktär roll; samt - teatraliska kulisser, interiörmålningar och paneler, landskapskomponenter av porträtt och mångfigursmålningar. Landskapet fungerade som en dekoration eller bakgrund och förstärkte i bästa fall det känslomässiga intrycket av verket. Men i slutet av århundradet blev den ryska konsten mer medveten om att för det första är bilden av naturen värdefull i sig själv, och för det andra att de mest komplexa mänskliga sinnesstämningarna kan uttryckas genom den.

Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804) kan betraktas som grundaren av rysk landskapsmålning. Han är den första representanten för en dynasti av konstnärer, glorifierad av den lysande landskapsmålaren från första hälften av 1800-talet, Sylvester Shchedrin, men hans egna verk spelade också en mycket viktig roll i utvecklingen av rysk konst.

Efter klassicismens principer trodde Shchedrin att han i sina målningar skulle "korrigera" naturen och i den avslöja proportionaliteten som gömdes bakom det oordnade och slumpmässiga. Samtidigt, i en anda av de stämningar som är karakteristiska för seklets konstnärliga miljö, sökte han efter poesi och unik skönhet i naturen.

Hans landskap från 1970- och 1980-talen är mest bilder av imaginära platser, eftertryckligt uttrycksfulla, med vackra träd i ljust spetsblad. Sedan nittiotalet har hans syn på landskapsmåleri förändrats och blivit innovativ på många sätt. Det avslöjar skönhet i verkliga landskap. Han målar vyer över kända parker i närheten av St. Petersburg - Gatchina, Pavlovsk, Peterhof: "Utsikt över Gatchina-palatset från Long Island" (1796), "Stenbron i Gatchina nära Connetable Square" (1799-1801). Och också - Petersburg själv (till exempel "Utsikt över Bolshaya Nevka och Stroganovs dacha", 1804), i bilden av vilken naturen förblir det viktigaste för honom, och arkitektoniska strukturer uppfattas som en del av den.

Naturligtvis var det naturen beställd av människohänder. När Shchedrin överförde det till duken, observerade han noggrant den klassicistiska symmetrin, uppdelningen av rymden i tre plan och så vidare. Men färgen på himlen och molnen, diset som suddar ut horisonten, solens bländning på Neva-vattnet, kort sagt, den ljus- och luftmiljön, i bilden av vilken konstnärerna under nästa århundrade skulle uppnå perfektion, förvärvade mer och mer betydelse för honom.

Shchedrin beredde vägen för dessa konstnärer, inte bara med sina verk. Sedan 1799 ledde han tillsammans med I. Klauber klassen för landskapsgravyr vid Konsthögskolan, från vilken underbara gravörer S.F. Galaktionov, A.G. Ukhtomsky, bröderna Kozma och Ivan Chesky. Snart började denna klass också förbereda landskapsmålare - landskapet inom akademins väggar fick äntligen full status.

De bästa prestationerna av rysk målning i slutet av århundradet var fortfarande förknippade med porträttet. Vid den här tiden sker en generationsväxling, nya mästare dyker upp. Konstnärer strävar alltmer efter att skildra en persons inre liv, hans djupaste upplevelser. Porträttet blir mer intimt. Den speglar sentimentalismens idéer – en trend som var populär vid sekelskiftet och under 1800-talets tidiga år. Dessa trender kom mest till uttryck i V.L. Borovikovsky (1757-1825) - en av de bästa mästarna i porträttgenren i rysk konst.

Borovikovsky föddes i Ukraina, han studerade målning med sin far. Och kanske skulle han ha förblivit en provinsporträttmålare för resten av sitt liv, om inte för kejsarinnans resa till södra Ryssland, som hon företog 1787. Catherine gillade väggmålningarna på det tillfälliga palatset som Borovikovsky gjorde. Och konstnären åkte till St Petersburg - för att förbättra målningen. Han studerade hos I.B. Lumpy Sr. och, möjligen, Levitsky. Han blev snabbt känd, fick många beställningar. Hans penslar tillhör de lysande ceremoniella porträtten av prins Kurakin (1801-1802), Paul I i dräkten av stormästaren av Maltas orden (1800), etc. Livliga psykologiska egenskaper ges också i kammarporträtt - G.R. Derzhavin, D.P. Troshchinsky, General F.A. Borovsky.

Vladimir Borovikovsky. Porträtt av grevinnan Anna Ivanovna Bezborodko med sina döttrar Lyubov och Cleopatra. 1803
Canvas, olja. 134 x 104,5 cm Ryska statens museum

Men framför allt är Borovikovsky en mästare i en kvinnlig kammare, närmare bestämt ett hemporträtt. Han målade till och med Catherine II i form av en "kazansk markägare" som gick i trädgården i en varm kappa. Hans hjältinnor är drömska unga damer och damer med ett slug leende på läpparna, med en blomma eller ett äpple i handen, poserande mot bakgrund av eftertänksamma landskap. Deras lockar, i enlighet med sentimentalismens smak, är något rufsig, deras kläder är medvetet enkla. Varje karaktär läses exakt, den ena kan inte förväxlas med den andra. Det här är porträtten av O.K. Filippova, V.A. Shidlovskaya, E.A. Naryshkina, M.I. Lopukhina, E.N. Arsenyeva, Gagarin-systrarna, bondekvinnan Khristinya (den senare är också anmärkningsvärd eftersom det för Borovikovsky inte är den "etnografiska" bilden av en livegen kvinna som är viktig, utan, som i porträtten av ädla flickor, den inre världen) .

Med åren blir konstnärens blick hårdare, suddigheten i hans målning, baserad på halvtoner, ersätts av strikt plastmodellering (till exempel i porträtten av "Lady in a Turban" - förmodligen av den franska författaren A.-L .-J. de Stael - DA Derzhavina och M.I. Dolgoruky, skriven på tionde åren av XIX-talet).

Namnet Borovikovskij i rysk porträttkonst vid sekelskiftet är inte på något sätt ensamt. En mycket ljus och originell porträttmålare var en elev av Levitsky S.S. Schukin (1762-1828). Hela hans liv var kopplat till Konsthögskolan, dit han som pojke kom från Barnhemmet och senare ledde dess porträttklass. I hans porträtt, även de tidiga, finns en föraning om romantiken - en kulturtrend som kommer att vinna mark först i början av nästa århundrade och tränger undan klassicism och sentimentalism. Särskilt vägledande i detta avseende är ett självporträtt från 1786 och ett porträtt av kejsar Paul I i en enkel officersuniform, med en käpp i handen.

Mycket intressant är arbetet av M.I. Belsky (1753-1794). Han, liksom några av sina samtida konstnärer, trodde att sanningen om livet var mer värdefull än bildens poetiska harmoni, och efter karaktärens trohet undvek han inte hårdhet och motsägelser. Dessa synpunkter återspeglades till exempel i ett porträtt av kompositören D.S. Bortnyansky.

Vladimir Borovikovsky. Porträtt av Darya Alekseevna Derzhavina. 1813
Canvas, olja. 284 x 204,3 cm Statens Tretjakovgalleri

USA. 117:

Stepan Schukin. Porträtt av arkitekten Adrian Dmitrievich Zakharov. Omkring 1804
Olja på duk 25,5 x 20 cm Statliga Tretjakovgalleriet

Mikhail Belsky. Porträtt av kompositören Dmitry Stepanovich Bortnyansky. 1788
Canvas, olja. 65,7 x 52,3 cm Statens Tretjakovgalleri

Nikolay Argunov. Porträtt av generaladjutanten greve Alexander Matveyevich Dmitriev-Mamontov. 1812
Canvas, olja. 151 x 125,6 cm Statliga Tretjakovgalleriet

Nikolay Argunov. Porträtt av Matrena Ivanovna Sokolova. 1820 Olja på duk. 67,1 x 52,8 cm Statliga Tretjakovgalleriet
Nikolay Argunov. Porträtt av T.V. Shlykova. 1789 Olja på duk. 79 x 55 cm (oval)
Statens keramikmuseum och Kuskovo-godset på 1700-talet, Moskva

Slutligen har N.I. Argunov (1771 - efter 1829). Sonen och eleven till den berömda serfporträttmålaren, Nikolai Argunov, var själv livegen tills han var fyrtiofem år. Hans ungdomliga verk vittnar redan om hans enastående talang: "Den skrattande bonden", "Banden med ett glas i handen", och särskilt det poetiska porträttet av livegendansaren vid Sheremetev-teatern Tatyana Shlykova-Granatova, skriven när konstnären var omkring arton år gammal. I framtiden skapade Argunov många fler underbara verk, bland vilka sticker ut porträtt av den berömda Praskovya Kovaleva-Zhemchugova, också en livegen skådespelerska som blev hustru till greve N.P. Sheremeteva och dog i sin ungdom, kort efter födelsen av sin son. Porträttet, där hon avbildas under de sista veckorna av graviditeten - mot en svart bakgrund, i en svart-röd huva, med ett oroligt uttryck i det utmärglade ansiktet - genomsyras av en föraning om tragedi.

Dessa konstnärers arbete, som en magisk bro, förenade de passerande och annalkande århundradena. Den snabba väg som rysk konst har tagit sedan Peter den stores tid har lett till utmärkta resultat. En ny väg låg framför oss. Passionerade hobbyer, ett desperat sökande efter nyhet, våldsamma konflikter och verkliga strider om synen på konst - allt detta låg framför oss. Rysk målning av 1700-talet visste ännu inte detta. Hennes uppgift var att förstå människan. Och denna uppgift genomförde hon med glans.

Nikolay Argunov. Porträtt, Ivan Yakimov klädd som Amor. 1790
Canvas, olja. 142 x 98 cm Ryska statens museum

Nikolay Argunov. Porträtt av Kalmyk Annushka. 1767
Canvas, olja. 62 x 50 cm. Statens keramikmuseum och 1700-talets Kuskovo-gods, Moskva

Nikolay Argunov. Porträtt av privatråd till senator Pavel Stepanovich Runich. 1817
Canvas, olja. 134 x 103 cm Ryska statens museum

Nikolay Argunov. Porträtt av kejsar Paul I. 1797
Canvas, olja. 285 x 206 cm Moscow Museum-Estate Ostankino

Fram till början av 1700-talet utvecklades främst ikonmålartraditioner inom det ryska måleriet.

Enligt samtidens memoarer togs alla bilder i Ryssland vid den tiden för ikoner: ofta, när de kom till en främlings hus, böjde sig ryssarna, som vanligt, för den första bilden som fångade deras blick. Men på XVIII-talet. Målning började gradvis få europeiska särdrag: konstnärer behärskade ett linjärt perspektiv som gjorde det möjligt för dem att förmedla rymddjupet, försökte korrekt avbilda föremålsvolymen med hjälp av chiaroscuro, studerade anatomi för att exakt återge människokroppen. Oljemålningstekniken spred sig, nya genrer uppstod.

En speciell plats i rysk målning av XVIII-talet. tog porträttet. De tidigaste verken av denna genre ligger nära 1600-talets parsuna. Karaktärerna är högtidliga och statiska.

Ivan Nikitich Nikitin (1680 - cirka 1742) var en av de första ryska porträttmålarna. Redan i hans tidiga porträtt - äldre syster till Peter I Natalya Alekseevna (1715-1716) och hans dotter Anna Petrovna (fram till 1716) - förmedlas modellens volym och naturliga ställning med sällsynt skicklighet för den tiden. En viss förenkling är dock uppenbar i dessa verk: figurerna rycks ut ur mörkret i ett obestämt utrymme av en stråle av starkt ljus och existerar utan kontakt med omgivningen; konstnären skildrar fortfarande klumpigt figurens struktur och material - sammet, päls, smycken.

När han återvände till St. Petersburg efter en fyraårig resa till Italien, skapade Nikitin sina bästa verk, som visade konstnärens ökade skicklighet. Detta är ett porträtt av kansler G. I. Golovkin och ett porträtt som kallas "Outdoor Hetman" (båda - 20-talet).

Under Petrine-eran bosatte sig många utländska mästare i Ryssland och arbetade i olika stilar och genrer. Johann Gottfried Tannauer (1680-1737), som kom från Tyskland, målade porträtt av medlemmar av den kejserliga familjen och

nära medarbetare till Peter I, samt stridsmålningar. Hans berömda målning "Peter I i slaget vid Poltava" (10-talet) är en typ av porträtt av en befälhavare mot bakgrund av en strid, vanlig i Europa.

Louis Caravaque (1684-1754), en fransk mästare som var inbjuden till Ryssland, uppnådde snart stor berömmelse och position som hovmålare. Han arbetade i Ryssland i många år och målade porträtt av alla ryska monarker från Peter till Elizabeth. Hans pensel tillhör det berömda ceremoniella porträttet av Anna Ioannovna i en kröningsklänning (1730), som fungerade som modell för andra verk av denna genre. Porträttet förmedlar inte bara utseendet på kejsarinnan - en kvinna med kraftfull kroppsbyggnad, avbildad i en högtidlig och majestätisk pose, utan också hennes natur, vidskeplig och misstänksam. Många ryska målare från mitten av 1700-talet kom ut från verkstaden i Caravacca.

I slutet av 20-30-talet. 1700-talet hänvisar till det korta men ljusa verk av målaren Andrei Matveevich Matveev (1701 - 1739). Efter att ha tillbringat mer än tio år i Holland och Flandern blev han den första ryska mästaren som visste hur man "målade berättelser och personer", det vill säga inte bara porträtt, utan också målningar om mytologiska och historiska ämnen.

Matveev är dock mest känd som porträttmålare. Hans mest kända verk anses vara "Porträtt av makar" (cirka 1729). Konsthistorikers tvister om vem som är avbildad på den har inte avtagit hittills. Troligtvis är detta ett självporträtt av konstnären med sin fru, det vill säga det första självporträttet i den ryska målningens historia.

Från 1727 till sin död ledde Matveev det "pittoreska teamet" av kanslihuset från byggnader. Före öppnandet av Konsthögskolan studerade och tjänstgjorde nästan alla konstnärer i den.

På 40-50-talet. 1700-talet hänvisar till verk av Ivan Yakovlevich Vishnyakov (1699-1761). Det mest utsökta porträttet av Vishnyakov visar Sarah Eleonora Fermor, dotter till chefen för kanslihuset från byggnaderna (1749). En ung flicka i en lyxig silvergrå satinklänning broderad med blommor förbereder sig för att kurera. Hon håller graciöst en fläkt i handen. Händerna på Vishnyakovs dukar är nästan alltid målade med speciell grace: fingrar rör bara lätt vid föremål, som om de glider över deras yta. "Porträttet av Sarah Fermor" uppmärksammar både den fina spetsmålningen och den dekorativa landskapsbakgrunden, vars motiv ekar broderiet på klänningen.

Alexei Petrovich Antropov (1716-1795) lyckades aldrig övervinna bildens ikonografiska flathet: i hans porträtt känner betraktaren inte utrymmet som omger modellen. Så i "Porträtt av en statlig dam A. M. Izmailova" (1759) kontrasteras en äldre och oförskämd kvinna, ljusa färger i förgrunden och en absolut mörk, "döv" bakgrund. I porträttet av Peter III (17b2), avbildat av konstnären i form av en befälhavare med en marskalkbatong i handen, kontrasten mellan monarkens marionettgraciösa gestalt och den pompösa miljön med kejsarmaktens attribut - en mantel, en klot och en krona - slår mot bakgrund av striden.

Under andra hälften av 1700-talet dök nya genrer upp i målningen av ryska mästare - landskap, inhemska och historiska, som Konsthögskolan ansåg vara den viktigaste. De mest betydande verken skapades dock fortfarande i porträttgenren.