Mezenin maalaus

Mezen-maalaus puulle tai palashchelskaya-maalaus on eräänlainen kotitalousvälineiden - kehruupyörien, kauhojen, laatikoiden, veljien -maalaus, joka oli kehittynyt 1800-luvun alkuun mennessä Mezen-joen alajuoksulle. Vanhin päivätty Mezen-maalauksella varustettu kehruupyörä on vuodelta 1815, vaikka tällaisen maalauksen kuva-aiheet löytyvät Mezenin alueella tehdyistä 1700-luvun käsinkirjoitetuista kirjoista. Tyyliltään Mezen-maalauksen voidaan katsoa kuuluvan arkaaisimpiin maalaustyyppeihin, jotka säilyivät 1900-luvulle asti. Esineet ovat tiheästi pilkullisia murtokuviolla - tähdet, ristit, viivat, valmistettu kahdessa värissä: musta - noki ja punainen - "maamaali", okra. Geometrisen ornamentin pääaiheet - aurinkokiekot, rombit, ristit - muistuttavat samanlaisia ​​kolmiulotteisen kaiverruksen elementtejä.

Polkhov-Maidanin maalaus

Polkhov-Maidanin maalaus on yksi Venäjän nuorimmista taidekäsitöistä. Se sai nimensä suuresta Polkhovsky Maidanin kylästä Nižni Novgorodin alueen eteläosassa. Melkein jokainen perhe täällä harjoittaa puisten maalattujen lelujen valmistusta ja myyntiä. Polkhov-Maidan-lelu tai, kuten käsityöläiset itse kutsuvat, "tararushka" ilmestyi 1920-luvun lopulla. 1960-luvulta lähtien Polkhovsky Maidanin kylän lähellä sijaitsevan Krutetsin kylän asukkaat alkoivat valmistaa tällaista lelua. Tämän maalauksen kuvioiden päämotiivit ovat kukat: ruusu, unikko, kamomilla, tulppaani, villiruusu. Siellä on myös juonimaalaus. Useimmiten se on maaseutumaisema, jossa on joki, taloja, kirkko ja mylly rannalla sekä pakollinen punainen aamunkoitto taivaalla.

Pizhma maalaus

Pizhma-maalaus on tunnettu 1600-luvulta lähtien. Yksi vanhimmista maalauksista Venäjän pohjoisosassa. Pohjois-Petšora-joki ja sen sivujoet Tsilma, Pizhma ja muut ovat paikkoja, joissa XIX-XX vuosisadan alussa. siellä oli pieni graafisen maalauksen keskus. Vanhauskoisten käsinkirjoitettu perinne Avvakumin ajoilta vaikutti voimakkaasti Pizhemsky-maalaustyylin muodostumiseen. Pechorassa tunnettiin kokonaisia ​​esi-nikonilaisten kirjojen kirjoittajien dynastioita; he loivat pohjan eräänlaiselle Pizhemsky-maalaukselle. Pizhma maalaus tehtiin vesiväreillä - punainen, vihreä, keltainen, musta. Pizhman päämaalaus on geometrinen ornamentti, joka on tehty mustalla maalilla (noki lehtikuusihartsilla) rombusten, ristien, pisteiden jne. muodossa, johon on lisätty hieman punaista ja vihreää maalia.

Guslitskajan maalaus

Guslitskajan maalaus juontaa juurensa 1600-luvulle. Tämä maalaus oli olemassa 1900-luvulle asti, jolloin käsinkirjoitettu kirja korvattiin painetulla kirjalla. Guslitsa - näin Moskovan lähellä olevaa aluetta Moskovan jokeen virtaavan Guslitsa-joen kaakkoisosassa on kutsuttu pitkään (Moskovan alueen nykyaikaisten Orekhovo-Zuevsky- ja Egoryevsky-alueiden osan alue). Guslitsyssä kehitettiin ikonimaalausta, kulttikuparivalumuovia ja ompelua. 60-70 luvulla. 1800-luvulla Abramovkan kylässä toimi talonpojan E. P. Piskunovin maanalainen vanhauskoinen kirjapaino. Guslitzin alueella kirjeenvaihto ja kirjojen koristelu oli laajalle levinnyt. Erityisen kuuluisia olivat Guslitsky-teoksen laulukäsikirjoitukset. "Guslitsky" -tyyli kirjasuunnittelussa muotoutui 1700-luvun viimeisellä neljänneksellä. Maalauksen erityispiirteet ovat loistavia värejä: sininen, vaaleansininen, pinkki, turkoosi yhdistettynä runsaisiin kultauksiin.

Rakulin maalaus

Rakulskaya-maalaus ilmestyy 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla Uljanovskin kylässä, joka seisoo Rakulka-joen yhtymäkohdassa Pohjois-Dvinaan (nykyinen Arkangelin alueen Krasnoborsky-alue). Rakulka-maalauksen ornamentti on hyvin lähellä kuuluisien Vygovsky-käsikirjoitusten miniatyyrigrafiikkaa - vanhauskoisten tuottamia liturgisia ja opettavaisia ​​kirjoja.Rakulkan maalauksissa hallitsevat pääsääntöisesti mustat ja kulta-okravärit, joita täydentävät mm. täyteläinen vihreä ja ruskeanpunainen. Värimaailma on erittäin tiukka ja harmoninen, elementtien plastisuus on lakonista. Rakul-ornamentin elementit ovat suuria, niiden muoto rajoittuu selkeään mustaan ​​ääriviivaan. Pienet koriste-elementit - vinjetit ja suonet toteutetaan mustana tai valkoisena: lehtisuonet on piirretty pääasiassa valkoisina, ja ne kulkevat täyteläisen värillisen taustan poikki.

Sheksna maalaus kullattu

"Sheksninskaya kullattu" on yksi Venäjän pohjoisen perinteisistä maalauksista. Se koristeli talonpoikien taloustavaroita ja sitä jaettiin pienelle alueelle - Vologdan alueen Sheksninsky-alueen eteläosassa. Paikalliset kutsuivat maalausta "kullatuksi". Tämä nimi tuli äskettäin avatun kansanmaalauksen keskuksen tieteelliseen liikkeeseen. Maalaus on graafinen, sen värimaailma perustuu muinaisen venäläisen ikonimaalauksen perinteiseen punaisen, kullan ja mustan yhdistelmään. Mielenkiintoisia kasveja omituisine lehdein, kukin ja hedelmineen, joiden oksilla kotkailmeisiä lintuja. häntä, joka joskus muuttuu kukkakuvioksi, istu - Tässä ovat tämän maalauksen päämotiivit. Sheksna-kultauksen juuret ovat muinaisessa venäläisessä kulttuurissa, joka muistuttaa ikonien ja käsinkirjoitettujen kirjojen koristeita.

Khokhloma maalaus

Khokhloma on koristeellinen maalaus puisista ruokailuvälineistä ja huonekaluista, tehty punaisen, vihreän ja mustan sävyin kultaisella pohjalla. Maalattaessa puuta, puuhun ei levitetä kultaa, vaan hopea-tinajauhetta. Sen jälkeen tuote peitetään erityisellä koostumuksella ja käsitellään kolme tai neljä kertaa uunissa, jolloin saavutetaan hunajakultainen väri, joka antaa kevyille puisille astioille massiivisuuden. Maalaus näyttää kirkkaalta tummasta taustasta huolimatta. Kuvan luomiseen käytetään maaleja, kuten punaista, keltaista, oranssia, hieman vihreää ja sinistä. Myös maalauksessa on aina kultainen väri. Khokhloman perinteisiä elementtejä ovat punaiset mehukkaat pihlajan ja mansikkamarjat, kukat ja oksat. Usein siellä on lintuja, kaloja ja eläimiä.

Boretskajan maalaus

Boretsky-maalaus - venäläinen kansantaidekäsityö, maalaus puulle. Se on ollut olemassa 1700-luvulta lähtien. Aluksi maalauskeskus oli yksi - Borokin kylä (Shenkurin piiri) Pohjois-Dvina-joen keskijuoksulla (se syntyi Dvinan rannoille, kun Novgorodin alue asetettiin Dvinan alueelle 11.-12. vuosisadat). Maalauksessa yleisimmin käytetyt värit: punainen, vihreä, ruskea, oranssi, keltainen. Koriste koostuu rombuksista, ympyröistä, pisaroista, kolmioista. Kaikki elementit on rajattu mustalla. Painimaalauksen symboli on elämän puu. Valtava kukka suoralla varrella, jonka ympärillä on kuvattu kukkia, lintuja, marjoja, siroja lehtiä. Genrekohtaukset voisivat toimia sävellyksen motiiveina: teen juominen, juhlat.

Pietarin maalaus

Pietarin maalaus syntyi 1800-luvulla Pietarissa luotujen tarjottimien tutkimuksen pohjalta. Jolle on ominaista erityinen hienostuneisuus. Valkoisia kukkia kultaisilla lehdillä mustalla taustalla. Lehdet ja kukat on maalattu erityisillä läpikuultavilla viivoilla. Se luo Pietarin - valkoisten öiden kaupungin - erityisen tunnelman. Piirustuksen päämotiivit ovat kukat: narsissit, pionit, koiranputket; koostumukselle on ominaista siro ja dynaamisuus. Taustan aktiivista käyttöä visuaalisena lisäelementtinä voidaan pitää erityistekniikana. Valkoiset ja kultaiset läpikuultavat vedot on sijoitettu niin, että esiin nouseva tausta luo ainutlaatuisen mysteerin tunnelman. Nyt se on vähän tunnettu kotitaidetyyppi. Ja 1800-luvun lopulla - 1900-luvun alussa valkoiset, läpikuultavat kukat kultaisilla lehdillä alkoivat kukkia tarjottimien mustaa taustaa vasten.

Gorodetsin maalaus

Gorodetsin maalaus on venäläinen kansantaide. Se on ollut olemassa 1800-luvun puolivälistä lähtien Gorodetsin kaupungin alueella. Kirkas, lakoninen Gorodets-maalaus (genrekohtaukset, hevoshahmot, kukot, kukkakuviot), tehty vapaalla siveltimenvedolla valkoisella ja mustalla graafisella vedolla, koristeltu pyörät, huonekalut, ikkunaluukut ja ovet. Nižni Novgorodin seinämaalauksissa voidaan erottaa kaksi tyyppiä - Pavlovian ja Gorodetsin seinämaalaukset. Gorodets-maalaus on peräisin veistetyistä Gorodets-pyöristä: hahmot leikattiin erirotuisesta puusta ja laitettiin muodoltaan vastaavaan syvennykseen. Tummasta suotammesta valmistetut sisäosat erottuvat kohokuvioidusti pohjan vaaleaa pintaa vasten. Vain kaksi puusävyä ja yksinkertainen työkalu käsityöläiset muuttivat pohjalaudan pinnan todelliseksi kuvaksi.

Zhostovon maalaus

Zhostovon maalaus on kansanmusiikkia metallitarjottimien taiteelliseen maalaukseen, joka on olemassa Zhostovon kylässä, Mytishchin alueella, Moskovan alueella. Uskotaan, että Zhostovon maalaus omaksui Demidovin perheen perinteen maalata peltitarjottimia, mikä oli yleistä Uralilla, nimittäin Tagilin ja Vyiskin teollisuusasutuksilla. Kasvattajat Demidov esittelivät tämän veneen siellä. Zhostovo-maalatun tarjottimen ilmestyminen liittyy Vishnyakov-veljien nimeen. Zhostovon ja Zhostovon käsityön historia juontaa juurensa 1800-luvun alkuun, jolloin useissa Moskovan lähellä sijaitsevissa kylissä ja entisen Troitskaja volostin (nykyinen Moskovan alueen Mytishchin alue) kylissä - Zhostovo, Ostashkovo, Hlebnikov, Troitskoje ja muut - siellä oli työpajoja maalattujen lakkatuotteiden valmistukseen paperimassasta. Zhostovo-maalauksen, kuten myös Tagil-maalauksen, päämotiivina on kukkakimppu.

Gzhel maalaus

Gzhel on yksi perinteisistä venäläisistä keramiikan tuotantokeskuksista. Nimen "Gzhel" laajempi merkitys, joka on oikea historiallisesta ja kulttuurisesta näkökulmasta, on laaja alue, joka koostuu 27 kylästä, jotka yhdistyvät "Gzhel Bushiin". Gzhel Bush sijaitsee noin kuusikymmentä kilometriä Moskovasta Moskovan-Murom-Kazanin rautatien varrella. Nyt Gzhel Bush on osa Moskovan alueen Ramensky-aluetta. Ennen vallankumousta tämä alue kuului Bogorodskyn ja Bronnitskyn maakuntiin. Nimellä "Gzhel" on balttilaisia ​​juuret, ja se viittaa enemmän alueen luonnollisiin piirteisiin kuin keramiikkatuotteiden polttoprosessiin. Sana "Gzhel" on lähinnä muinaista preussilaista sanaa "pensas", joka on tietyin eroin juurtunut kaikkiin balttilaisten kieliin.

Millaisia ​​venäläisiä koristemaalauksia voit nimetä?
Melkein kaikki voivat muistaa Khokhloma-maalauksen. Se on kirkas, kaunis ja Khokhloman alla maalattuja tuotteita löytyy useimmiten.

Jättiläisiä pesiviä nukkeja erilaisilla maalauksilla

Mutta ei siinä vielä kaikki! Venäjän kansankulttuurimme on varmasti hyvin rikas.
Ehdotan katsoa TV-kanavan Zagorodnaya Zhizn luomia TV-ohjelmia, joista jokainen on omistettu tietyntyyppiselle maalaukselle.

Kama maalaus.
Mestarit, jotka työskentelevät maalauksellisen Kama-talon maalauksen tyyliin, sijoitettu talon oviin ja seiniin, huonekaluihin, kuvia upeista lintuista ja eläimistä, kukkivista ja hedelmäkasveista. He tunsivat ja ilmaisivat töissään tarkasti Permin talonpoikien runollisen ja upean maailmankuvan, joka säilytti pitkään arkaaisia ​​piirteitä jokapäiväisessä elämässään.

Pizhma maalaus.
Yksi vanhimmista maalauksista Venäjän pohjoisosassa. Pohjois-Petšora-joki ja sen sivujoet Tsilma, Pizhma ja muut ovat paikkoja, joissa XIX-XX vuosisadan alussa. siellä oli pieni graafisen maalauksen keskus. Tänne paenneet vanhauskoiset kirjoittivat uudelleen maallisia ja uskonnollisia kirjoja, jotka he koristelivat päähineillä, alkukirjaimilla ja piirustuksilla.

Mezenin maalaus.
Yksi vanhimmista venäläisistä taidekäsitöistä. Sen alkuperä on kadonnut kaukaisille vuosisatoille. Kalastus saavutti suosionsa huippunsa 1800-luvulla. Mezen-pyöriä ja -laatikoita levitettiin laajalti Pinega-joen varrella, ja niitä vietiin Pechoraan, Dvinaan ja Onegaan. Piirustuksen tyylitelty, maalauksen ytimellisyys ja ilmekkyys tuovat ne lähemmäksi Venäjän pohjoisen muinaisia ​​kalliomaalauksia. Mezenissä ei ole tavallista venäläistä kansankirkkautta, moniväristä.

Gorodetsin maalaus.
Nižni Novgorodin alueen kansankäsityöt. Se kehitettiin 1800-luvun jälkipuoliskolla Volgan kylissä lähellä Gorodetsia.
Gorodetsin maalaus on tavallaan omituinen, joten sitä on melko vaikea sekoittaa. Yksikään Gorodets-tuote ei ole täydellinen ilman reheviä seppeleitä, kukkakimppuja. Gorodets-tuotteiden juoneilla oli omalaatuinen jäljittelemätön juoni, herrasmiesten kävelylenkit naisten kanssa, ratsastajat hevosen selässä, teenjuontikohtaukset rikkaissa sisätiloissa.

Zhostovon maalaus on kansanmusiikkia metallitarjottimien taiteelliseen maalaukseen, joka on olemassa Zhostovon kylässä, Mytishchin alueella, Moskovan alueella. Teollisuus syntyi 1700-luvun puolivälissä. Uralilla, missä Demidovien metallurgiset tehtaat sijaitsivat.

Yli kahdensadan vuoden historian aikana huivimanufaktuuriin on kehittynyt ainutlaatuinen Pavlovo Posad -huivinpiirustuskoulu.

Gzhel on yksi perinteisistä venäläisistä keramiikan tuotantokeskuksista.

harjoitusraportti

Luku 1. Puulle maalaus: esiintymishistoria, maalaustyypit, merkitys

Taiteellinen maalaus on taidetta koristella pinta maaleilla tai siveltimellä. Se on yksi vanhimmista kansankäsityötyypeistä, joka on vuosisatojen ajan ollut osa ihmisten jokapäiväistä elämää ja kulttuuria. Myös maalaus on myös suosituin taiteen ja käsityön laji.

Puumaalauksen historia ulottuu kaukaiseen menneisyyteen, kun ihmiset oppivat tekemään puusta esineitä ja välineitä, he halusivat jotenkin sisustaa elämäänsä ja rikastuttaa sitä. Uskottiin, että maalatut asiat karkottivat pahat henget. Aluksi he käyttivät maaleina alueellaan yleisiä raaka-aineita (savi, kivihiili, liitu), joten kunkin alueen maalaus on edelleen ainutlaatuinen ja tunnistettavissa.

Puumaalaus voidaan jakaa ehdollisesti perinteiseen ja kirjailijan maalaukseen. Perinteinen maalaus kehittyi kylissä. Sille on ominaista yksinkertaisuus, ytimellisyys. Kirjailijan maalauksen tekivät kaupungeissa käsityöläiset. Näille teoksille oli ominaista eleganssi ja ammattitaito. Juonimaalausten tekniikka kiteytyi siihen, että mestari levitti piirustuksen selkeän ääriviivan tuotteen pintaan ja maalasi sen sitten eri väreillä. Värit levitettiin hyvin löyhästi ja lakaisevasti. Maalauksen juoni oli erilaisten symbolien nimitykset, jotka tunnistivat auringon - ilon symbolin, linnun - onnen ja menestyksen symbolin, ankan - auringonlaskun merkin.

Puulle maalaamiseen on ominaista kaksi pääsuuntaa - graafinen ja sivellin. Ensin tuli graafinen maalaus. Tämä maalaus perustuu lineaariseen graafiseen piirustukseen. Mestari piirsi yrtti- tai kukkakuvion ohueksi viivaksi kynällä tai kepillä. Sitten hän täytti hahmot monivärisillä maaleilla. Pohjois-Dvinassa asuneet mestarit hallitsivat taitavasti tällaisen maalauksen. He kirjoittivat sävellyksensä vaalealle taustalle vihreillä, keltaisilla ja punaisilla maaleilla. Mutta tärkeintä tässä oli musta ääriviiva, joka hahmotteli koko kukkakoristeen - pensaita ja kukkia suurilla veistetyillä lehdillä.

Toinen suunta on vapaa sivellinmaalaus. Tämä maalaus perustuu maalauksellisen vedon ja väripisteen ilmeisyyteen. Tämän tyylin mestarit työskentelevät välittömästi siveltimellä mallintaen värillä kasvimuotoja, eläin- ja ihmishahmoja.

Yksi sellaisista maalauskeskuksista on laajalti tunnettu Khokhloma. Tämä muinainen venäläinen kansankäsityö syntyi 1600-luvulla Nižni Novgorodin alueella. Khokhloma on koristeellinen maalaus puisista ruokailuvälineistä ja huonekaluista, tehty punaisen, vihreän ja mustan sävyin kultaisella pohjalla. Khokhloma-tuotteiden luomisprosessissa on edelleen säilytetty 1600-1700-luvuilla löydetyt perusperiaatteet. Ensimmäinen askel on valkoisten puisten ruokailuvälineiden - "pellava" -sorvaus sorvissa. Tätä seuraa pohjamaalaus - pinnoitus nestemäisellä saviliuoksella, jota seuraa tinaus hopealla, tinalla ja tällä hetkellä alumiinilla. Tuotteesta tulee sileä, kiiltävä, valmis maalattavaksi. Levitetty maalaus kiinnitetään uuniin. Sen jälkeen tuote lakataan ja kuumakuivataan, riippuen lakan koostumuksesta. Valmiit tuotteet loistavat aurinkoisella kiillolla, niistä tulee erittäin kestäviä ja kevyitä.

Kansantaidoista ja käsitöistä on tullut olennainen osa taiteellista kulttuuria. Nykyään maalaus on yksi tämän hetken trendeistä. Käsi- ja taideteosten arvo heijastaa taiteellisia perinteitä, maailmankuvaa, ihmisten taiteellista kokemusta ja säilyttää historiallisen muistin. Zhostovo-tarjottimet, lakkapinnoitetut arkut tuovat kauneutta elämäämme. Gzhel-keramiikka, Gorodets-lautaset, Khokhloma-maalatut astiat tulevat yhä enemmän jokapäiväiseen elämäämme taideteoksina, jotka säilyttävät aikojen historiallisen yhteyden.

Luku 2. Gorodetsin maalauksen historia

Teknologisen harjoittelun aikana hallittiin Gorodets-maalaus puulle.

Tämä maalaus on peräisin veistetyistä Gorodetsin pyörivistä pyöristä, joilla oli oma erikoisuutensa: kampa ja pohja. Venäjän kielen selittävä sanakirja V.I. Dahl selittää, että sana "pohja" tarkoittaa "lautaa, jonka päällä spinner istui ja työnsi siihen kampaa". Työn päätyttyä hän otti kamman esiin ja ripusti pohjan seinälle, ja se koristeli kota. Siksi käsityöläiset kiinnittivät erityistä huomiota lautojen koristeluun kaiverruksilla ja maalauksilla. Pyörivä oli uskollinen kumppani talonpojan naisen koko elämän ajan. Käytettiin usein lahjana: sulhanen antoi sen morsiamelle, isä tyttärelleen, mies antoi sen vaimolleen. Siksi pohja valittiin elegantiksi, värikkääksi, kaikkien iloksi ja yllätykseksi. Pyörä oli peritty, se suojattiin ja säilytettiin.

Donetsien koristeluun Gorodetsin käsityöläiset käyttivät omituista tekniikkaa - upotusta: hahmot leikattiin eri rotuisesta puusta ja asetettiin muodoltaan vastaavaan syvennykseen. Myöhemmin mestarit alkoivat käyttää sävytystä hienoksi rikkaudeksi, kirkas keltaisen ja tumman tammen yhdistelmä, sinisen, vihreän, punaisen värin lisääminen teki pohjasta entistä tyylikkäämmän ja värikkäämmän.

Tarve lisätä kehruupohjan tuotantoa sai mestarit yksinkertaistamaan koristesuunnittelun tekniikkaa. 1800-luvun toiselta puoliskolta lähtien monimutkainen ja aikaa vievä upotustekniikka alkoi korvata yksinkertaisella kaiverruksella sävytyksellä, ja 1870-luvulta lähtien maalauksellinen sisustustapa on vallinnut Gorodetsky Donetsissa.

Vapaampi maalaustekniikka mahdollisti uusien juonteiden luomisen, opetti ilmaisen kuvavedon kauneuden, jonka avulla voit maalata ilman ensin piirtämättä ääriviivaa.

Jokaisella mestarilla oli suosikkivärisävynsä ja niiden yhdistelmä. Samaan aikaan he käyttivät yleisiä tekniikoita pätevän värin luomiseen. Gorodetsin mestarit pystyivät luomaan tasapainon värikkäistä täplistä esineen pinnalle saavuttaen värin yhtenäisyyden ja maalauksen täydellisyyden.

Koko käsityön historian ajan kansanmestarit ovat luoneet alkuperäisen kuvajärjestelmän, löytäneet ainutlaatuisia kuvia ja kehittäneet runsaan tekniikoiden arsenaalin juonenyksityiskohtien ja koriste-elementtien kuvalliseen käsittelyyn. Käsityöläiset maalasivat myös lasten pyörätuoleja ja syöttötuoleja. Gorodetsky-tyyli eroaa ensinnäkin sisällöstä. Seinämaalauksissa genrekohtaukset antavat päävaikutelman. Kaikki nämä kuvat ovat luonteeltaan ehdollisia, muodoltaan hyvin vapaita ja koristeellisia.

Mainsoikeat juonet ja niiden toteutustekniikkaniya.

Ensinnäkin mestarit kuvasivat talonpoikien elämää, kauppiaita, upeaa pukuparaatia. Merkittävän paikan valloittivat kukka-aiheet - rehevät "rosaanit", jotka on maalattu laajasti ja koristeellisesti. Genrerealististen aiheiden lisäksi Gorodetsin seinämaalauksissa on myös koristeellisia kuvia linnuista ja eläimistä. Motiivien koristeellisuutta korostetaan värien ja erilaisten tekniikoiden avulla. Gorodetsin maalauksen tärkein erityispiirre on, että mestarit kuvaavat kohtauksia yleensä läpinäkyvällä taustalla, mikä näyttää puun tekstuurin.

Maalaus on tehty siveltimellä, ilman esipiirustusta, vapaalla ja mehukkaalla vedolla. Se on hyvin monipuolinen - leveästä vedosta ohuimpaan viivaan ja virtuoosivetoon. Välittömästi ennen maalausta työkappale kävi läpi monimutkaisen valmisteluvaiheen, joka koostui sen pohjamaalaamisesta liidulla ja voitelemisesta liimalla. Ja vasta tämän esityön jälkeen mestari aloitti maalaamisen. Tuotteen maalausmenetelmä oli mielenkiintoinen - päävärien asettaminen myöhemmällä lineaarisella kehityksellä. Maalausta täydennettiin "animaatiolla" - koristemuotojen hienoleikkauksella kalkiuksella. Gorodetsin mestareiden teoksissa "animaatioita" sovellettiin aina monofonisiin siluetteihin, mikä antoi heille jonkin verran volyymia.

Erilaisia ​​kuvattuja kukkia:

Kupavka on Gorodetsin koristeen yleisin kukka. Hänen alusmaalauksensa on kooltaan suurempi kuin silmu. Alusmaalaus, ts. pyörivin liikkein siveltimellä levittämällä yhtä väripistettä. He alkavat maalata sitä pääsääntöisesti pienellä ympyrällä sen reunaa pitkin, minkä jälkeen he tekevät kiinnikkeen ympyrän sisään. Alusmaalauksen reunaa pitkin on piirretty kannakkeet, muoto on sama kuin alusmaalauksen sisällä oleva kannake, vain pienempi. Sen reunaa pitkin vedetään kiinnikkeet keskeltä alkaen ja pienennetään vähitellen niiden kokoa ytimeen. Maalauksen viimeinen vaihe - animaatio tehdään yleensä kalkiuksella.

Rosan - siinä on terälehtiä ja selkeä keskus. Siluetti ympyrän muodossa. Koko voi olla suurempi kuin uimapuku. Kukan keskusta on piirretty keskelle. Rosania kaupungin maalauksessa ympäröivät sulut - samankokoiset terälehdet, joiden väri vastaa keskiosan väriä. Kiinnikkeiden maalaustekniikka on sama kuin kupavkan.

Animaatiokehitysvaihtoehdot ovat niin erilaisia, että yleisimpiäkään on vaikea nimetä. Gorodetsin taiteilijat käyttävät pisteitä, sulkuja, pisaroita, spiraaleja.

Toinen yleinen kukka on kamomilla. Tekniikka: kosketa kevyesti paperin pintaa siveltimen kärjellä jättäen siihen ohuen jäljen. Sitten sivellin levitetään nopeasti ja nostetaan ylös katsomatta paperilta. Tämän seurauksena mestari saa smear-pisaran - ohut alussa ja leveä lopussa. Kuten ruusu, siinä on ydin, sen ympärille piirretään vain pisaroita-terälehtiä.

Gorodetsin lehdet ovat muodoltaan, kooltaan ja väriltään melko erilaisia. Ne on lähes aina järjestetty viiden, kolmen tai kahden lehden ryhmiin.

Gorodets-lintu on perheen onnen symboli. Lintuja on kuvattu monin eri tavoin: tämä on ylpeä riikinkukko, röyhkeä kukko ja upea lintu. He alkavat kirjoittaa niitä tasaisella viivalla, joka kuvaa kaulan ja rintakehän kaarevuutta, sitten he piirtävät viivan, joka määrittelee pään ja selän muodon, sitten he määrittelevät siiven, filiformisen nokan ja jalkojen linjan. Useimmiten runko on tehty mustaksi, siipi on maalattu vihreällä maalilla. Häntä on kirjoitettu eri tavoin, esimerkiksi rajattu molemmilta puolilta sen siluettia määrittelevillä viivoilla ja maalattu päälle. Tämä on parasta tehdä punaisena. Toisessa tapauksessa jokainen hännän höyhen on piirretty kahdella värillä. Lintujen kehitys alkaa päästä ja päättyy häntään. Animaatiot tehdään valkoväreillä ohuilla vedoilla.

Gorodetsky-hevonen on vaurauden symboli. Se on enimmäkseen mustaa, ja siinä on pieni pää jyrkästi kaarevassa kaulassa ja siististi kammattu harja. Mestarit kuvaavat häntä useilla tavoilla. Jotkut vapaaperhovedot kirjoittavat koko hahmon ääriviivat ja maalaavat sen päälle vasta sitten. Toiset rakentavat hevoshahmon väritäplillä aloittaen suurimmasta pystysuorasta elementistä - rinnasta ja kaulasta. Niihin on lisätty valjaiden ja satulan ääriviivat, kehon selkä- ja vatsaosat. Valjaiden ja satulan linjojen rajoittama taso pysyy kevyenä tässä versiossa. Useimmiten satula ja valjaat on tehty helakanpunaisiksi, ja hännän pään ja jalkojen yksityiskohdat on tehty valkoisiksi.

Koostumus Gorodetsin maalauksessa.

Kaikki taideteokset on luotu sommittelulakien mukaan, joiden noudattamatta jättäminen tai tietämättömyys voi johtaa harmonian rikkomiseen.

Taide- ja käsityöteosten koostumuksessa tärkeintä on sisällön ja muodon yhtenäisyys. Toinen, jo spesifinen merkki on koristetaideteoksen muodon vastaavuus sen erityiseen tarkoitukseen.

Suurelta osin koostumuksen luonteen määrää piirustuksen elementtien tasainen vuorottelu, mikä edistää koostumuksen selkeyden ja ilmeisyyden saavuttamista.

Rytmisesti järjestetty piirustus muuttuu helposti koristeeksi - sävellyksen perustaksi. Mutta koriste ei ole vain kuvion samanlaisten elementtien toistuva toisto. Kaunis ja selkeä piirustus yleisen siluetin yksityiskohdista on erittäin tärkeä.

Museoissa säilytetyillä kaiverretuilla pohjilla on useimmiten esitelty kaksi ratsastajaa kasvattavassa hevosessa. Ratsastajat sijaitsevat kukkapuun molemmilla puolilla, jonka huipulta joutsen nousee. Donettien alapuoliskolla käsityöläiset kuvasivat yleensä genrekohtauksia herrasmiesten juhlasta naisten kanssa, metsästyskohtauksia jne. XIX vuosisadan loppuun mennessä. on kehittynyt tyypillinen kukkakoristeen muoto tietyillä elementeillä: nämä ovat silmut, ruusut ja kupavka-kukka, joita toistetaan loputtomasti eri versioissa. Kompositiotason keskelle taiteilijat sijoittavat pääkuvan: linnun, hevosen, henkilön, ihmisryhmän tai kasviaiheen.

Kansanmestarit maalasivat kasvot samalla tavalla - valkoisen ympyrän muodossa, jossa heidän piirteensä ilmaistaan ​​ohuilla mustilla viivoilla. Sekä miesten että naisten kampaukset erottuvat erittäin hienostuneesti, mutta niiden värjäyksessä käytetään vain mustaa. Itse hahmojen kuvassa käytetään tasomaista väriratkaisua, jossa tärkeimmät suuret täplät (hameet, takit, takit, housut) on maalattu ilman ääriviivaa yksivärisenä värikkään siluetin muodossa. Gorodetsin mestareiden taiteen suosikki koriste-motiivi on kirkkaat kukat ja koristeelliset vihreät lehdet, jotka antavat maalaukselle erityisen viehätyksen.

Veliky Ustyugin maalaus

Ustyug-maalauksessa erotetaan kolme maalaustyyppiä: rinta-, laatikko- ja monimutkainen koristemaalaus, jota kutsutaan myös "kuninkaalliseksi" maalaukseksi. Ammattitaiteilijat tekivät rintojen maalauksen rinnoille. Se mainittiin ylempänä...

Viiniköynnös - koristeellinen kasvimotiivi kansankoristeena

Kaiverrus on eräänlainen koristetaide; menetelmä puun, kiven, luun, terrakotan, lakan ja muiden materiaalien taiteelliseen käsittelyyn veistämällä. Kaiverrusta käytetään kodin esineiden koristeluun, rakennusten koristeluun...

Holografinen elokuva, (moderni, arvostelu)

Holografia on yksi uusista tieteen ja teknologian alueista. Sen löysi vuonna 1947 englantilainen tiedemies - professori D. Gabor - joka ehdotti interferenssimenetelmää valoaaltojen rekisteröimiseksi ...

koristeellinen maljakko

Maalattaessa kolmiulotteisille, pallomaisille ja sylinterimäisille pinnoille käden oikean asennon katsotaan olevan selkeä kyynärpään kiinnitys, eli työskentelyn aikana sen pitäisi tuskin liikkua ja käden tulee liikkua kyynärpäässä. oikea suunta ...

Pareo-koristeelliset huivit "Summer" kankaan taiteellisen maalauksen tekniikassa

Puu venäläisessä kansankäsityössä

Taiteellinen puuveisto on yksi vanhimmista ja yleisimmistä taiteellisen puuntyöstön tyypeistä, jossa tuotteeseen levitetään kuvio kirveen, veitsen, taltojen, taltojen, taltojen ja muiden vastaavien työkalujen avulla...

Venäläisen baletin muodostumisen historia

Moskovan akateeminen koreografinen koulu, yksi vanhimmista teatterikoulutuslaitoksista, jonka toiminta liittyy Venäjän kansallisen balettikoulun muodostumiseen ja kehitykseen...

Kudonta ja harjakattoinen puuveisto

1.1 Korinkudontamisen hallinnan salaisuudet Viiniköynnöksen kudontataidon juuret ovat vuosisatojen syvyyksillä. Jo kivikaudella oli tapa polttaa savituotteita: ensin tehtiin oksista kudottu astia...

Mukin järjestäminen kangasmaalaukseen

a) Solmittu batikkatekniikka Solmitun batikin tai "Shibori"-tekniikalla maalaamisen avulla kankaaseen voidaan luoda täysin ainutlaatuisia kuvioita. Sana "shibori" on japanilaista alkuperää ja tarkoittaa "kiertää", "kiertää", "painaa"...

Petrikovskajan maalaus

Petrikovskajan maalaus syntyi kauan ennen kristinuskon tuloa ja näytteli talismanin roolia. Ihmiset uskoivat, että kauneudessa oli jonkinlaista taikuutta, henkistä voimaa, ja siksi talojen ikkunat ja ovet ja jopa vaatteet kehystettiin maagisilla koristeilla...

Kuumabatikin tekniikan teosten sarjan kehittäminen ja toteutus mottona "Belgorod - vihreä pääkaupunki"

Koriste- ja taideteollisuus sekä kansantaide ja käsityöt ovat erityisen tärkeässä asemassa nykyaikaisessa sosiokulttuurisessa ja taloudellisessa tilassa. Tämä on ainoa luova...

Maalauksia Pohjois-Dvinasta. Perinteitä ja nykyaikaa

Muinaisista ajoista asti keramiikkaa valmistetut astiat ja muut taloustavarat ovat olleet laajalti tunnettuja Venäjällä. Yksi Venäjän kuuluisimmista siirtokunnista, jonka asukkaat harjoittivat keraamisten posliiniastioiden valmistusta, on Gzhel (nyt kaupunki sijaitsee Moskovan alueen Ramensky-alueen alueella). 1600-luvulta lähtien ja vielä aikaisemmin Gzhel on ollut tunnetuin posliinin ja keramiikan valmistuskeskus. Paikallisten käsityöläisten tuotteita jaetaan koko Venäjälle. On huomattava, että vanhaan aikaan tämä kaupunki oli yksi vanhauskoisten-pappien keskuksista. Gzelin kukoistusaika osui posliini- ja fajanssituotteiden tuotantoyhdistyksen M.S. Kuznetsov" XIX lopulla - XX vuosisadan alussa.

Meille tutun Gzhel-väripaletin muodostuminen osuu 1800-luvun alkuun. Tutkijat huomauttavat, että 1820-luvulta lähtien yhä useammat Gzhel-tuotteet on maalattu valkoisiksi ja maalattu yksinomaan sinisellä maalilla. Nykyään sininen maalaus on Gzhel-tuotteiden tyypillinen piirre. Tällaisten ruokien suosio osoittautui niin suureksi, että samanlaisia ​​tuotteita alettiin luoda muilla alueilla, mutta niillä oli samanlainen sinivalkoinen koriste. Myös väärennöksiä on ollut paljon.

Asiantuntijat sanovat, että vain sellaisia ​​kirjailijoiden teoksia, jotka muodostivat meille 1980-luvun 80-luvulla tutun Gzhel-tyylin, voidaan kutsua aidoksi Gzhel-tuotteeksi. Nämä ovat sellaisten taiteilijoiden teoksia kuin Azarova, Denisov, Neplyuev, Fedorovskaya, Oleinikov, Tsaregorodtsev, Podgornaya, Garanin, Simonov ja muut. Jokainen näistä mestareista laittaa tuotteeseen henkilökohtaisen allekirjoituksen tai leiman yrityksestä, jossa hän työskentelee. Jos päällikkö on yrityksen työntekijä, hänen tuotteet siirretään tuotantopajaan kopiointia varten.

Zhostovon maalaus

XVIII vuosisadan puolivälissä Uralilla, jossa Demidovien metallurgiset tehtaat sijaitsivat, syntyi uudenlainen käsityö. Paikalliset käsityöläiset alkoivat maalata metallialustoja. On mielenkiintoista, että tällaisia ​​työpajoja ilmestyi kaupunkeihin, joissa suuri osa väestöstä oli vanhauskoisia, joilla on edelleen rukoushuoneita ja kirkkoja. Nämä ovat Nizhny Tagil, Nevyansk ja Vyisk, perustettiin vuonna 1722. Joten niin kutsutut Tagil-tarjottimet ilmestyivät. Teollisuustyöntekijät Demidovs, jotka valvoivat tätä käsityötä, olivat erittäin huolissaan tuotteiden laadusta ja taiteellisesta arvosta. Kouluttaakseen ja kouluttaakseen ammattitaitoista henkilöstöä he perustivat koulun vuonna 1806. Tagil-tarjottimien historiallinen tyyli luotiin tämän koulun ja sen arvovaltaisimman opettajan - Imperiumin taideakatemian valmistuneen V.I:n ansiosta. Albytšev.

Maalattuja Tagil-tarjottimia myytiin kaikkialla maassa. Samanlaisia ​​tuotteita alettiin valmistaa muissa paikoissa. Menestynein tällainen yritys oli maalattujen tarjottimien tuotannon järjestäminen Zhostovon kylässä Moskovan maakunnassa. Siellä valmistetut tarjottimet tulivat kuuluisiksi 1800-luvun alkupuoliskolla. Siitä lähtien tämäntyyppinen käsityö on saanut nimen "Zhostovo-maalaus". Tähän asti tarjottimen maalaus on säilynyt vain Nižni Tagilissa ja Zhostovossa. Maalaus on tehty pääosin mustalle taustalle (ajoittain punaiselle, siniselle, vihreälle).

Maalauksen pääaiheet ovat: kukkakimppuja, sekä vehreää puutarhaa että pieniä luonnonkukkia; Uralin maisemia tai muinaisia ​​kaupunkeja. Joillakin vanhoilla tarjottimilla voit nähdä ihmisiä, upeita lintuja. Maalattuja tarjottimia käytetään joko aiottuun tarkoitukseen (samovarina, illallisen tarjoiluun) tai koristeluun. Lokeroiden muoto on jaettu pyöreään, kahdeksankulmaiseen, suorakaiteen muotoiseen, soikeaan.

Palekh miniatyyri

Lokakuun vallankumouksen ja uskonnon vainon alkamisen jälkeen Palekhin ikonimaalarit joutuivat etsimään uutta tapaa ansaita rahaa. Siten monet koulutettiin uudelleen lakkapienoismallien mestareiksi. Tämän tyyppinen miniatyyri on valmistettu temperalla paperimassasta. Yleensä arkut, arkut, kapselit, rintakorut, paneelit, tuhkakupit, neulakotelot ja paljon muuta maalataan. Maalaus on tehty kullalla mustalla taustalla. Alkuperäinen viime vuosisadan tekniikka, jota ensimmäiset Palekh-käsityöläiset käyttivät 1920- ja 1900-luvun 30-luvuilla, on osittain säilynyt.

Palekhin pienoismallin tunnusomaiset juonet on lainattu arjesta, klassikoiden kirjallisista teoksista, saduista, eeposista ja lauluista. Monet juonit on omistettu historian tapahtumille, mukaan lukien vallankumous ja sisällissota. Siellä on avaruustutkimukselle omistettu miniatyyrisarja. 2000-luvun alusta lähtien joidenkin Palekh-tyylillä työskentelevien mestareiden keskuudessa on ollut taipumus palata ikonimaalauksen aiheisiin.

Fedoskino-miniatyyri on toinen perinteinen venäläinen lakka-pienimaalaus. Valmistettu öljymaaleilla paperimassalle. Toisin kuin Palekhin miniatyyrit, joiden tekniikat ovat peräisin ikonimaalauksesta, Fedoskino-miniatyyri muodostui alun perin eräänlaisena taideteoksena, siitä syystä "arkipäiväisempi" kirjoitustapa.

Fedoskinon miniatyyri sai alkunsa 1700-luvun lopulla Fedoskinon kylästä Moskovan maakunnassa. Miniatyyrin pääaiheet: "troikat", "teekutsut", kohtaukset talonpoikien elämästä. Arkkuja ja arkkuja, jotka oli koristeltu monimutkaisilla monihahmoisilla koostumuksilla - venäläisten ja länsieurooppalaisten taiteilijoiden maalausten kopioilla, arvostettiin eniten.

1800-luvulla Fedoskino-miniatyyri palveli lähinnä koristeellisia tarkoituksia. 1900-luvun puolivälissä kirjailijan suunta alkoi kehittyä. Miniatyyrien juonet alkoivat monimutkaistuvat.

Khokhloma

Nižni Novgorodin koristeellinen Khokhloma-maalaus tunnetaan kaikkialla Venäjällä. Käsityö sai alkunsa 1600-luvulla Khokhloman kylästä. Se sijaitsee Nižni Novgorodin maakunnan entisen Semenovskin alueen alueella, joka tunnettiin ennen vanhaan suurista vanhauskoisista luostareista, kuten Sharpansky- ja Olenevsky-luostareista. Ei ole sattumaa, että Andrei Melnikovin (Pechersky) kuuluisassa romaanissa Semenovskin alueen vanhauskoiset harjoittavat puisten ruokailuvälineiden valmistusta. He tekivät tämän myös Khokhlomassa. Khokhloma-mestarit tulivat kuitenkin tunnetuiksi koko Venäjällä epätavallisista kirkkaista maalauksistaan. He maalasivat puisia astioita ja huonekaluja. Enimmäkseen käytettiin mustia, punaisia, kultaisia, joskus vihreitä värejä.

Khokhlomalle ominaisen kultaisen värin saavuttamiseksi paikalliset käsityöläiset levittävät hopeatinajauhetta tuotteen pintaan maalattaessa. Sen jälkeen ne lakataan ja paistetaan kolme tai neljä kertaa uunissa, jolloin saadaan ainutlaatuinen hunajakultainen väri, joka antaa vaaleille puisille astioille massiivisen vaikutelman.

Tämän epätavallisen värin luovan tekniikan ansiosta Khokhloma on tullut suosituksi kaikkialla maailmassa. Tällä tyylillä valmistetut lautaset ja lusikat alettiin nähdä 1900-luvulla venäläisten kansallisruokien symbolina.

Gorodetsin maalaus ilmestyi 1800-luvun puolivälissä Gorodetsin muinaisen kaupungin alueelle, Nižni Novgorodin maakunnassa. Vanhauskoisten ponnistelujen ansiosta Gorodetsista tuli puisen laivanrakennuksen ja leipäkaupan keskus, jolla oli koko venäläinen maine. Kauppiaat-vanhauskoiset lahjoittivat merkittäviä summia kirkkojen rakentamiseen, sairaaloiden, orpokotien ylläpitoon, yleiseen koulutukseen ja kaupungin parantamiseen.

Gorodetsin maalaus on kirkas ja ytimekäs. Maalauksen pääteemoja ovat satukohtaukset, hevoshahmot, linnut, kukat, talonpoika- ja kauppiaselämä. Maalaus on tehty vapaavedolla valkoisella ja mustalla graafisella vedolla. Pyörät, huonekalut, ikkunaluukut, ovet, arkut, kaaret, reet ja lasten lelut koristeltiin Gorodetsin maalauksella.

Niin siinä lukee V.S. Korpit Tietoja Gorodetsin maalauksesta:

Nižni Novgorod -tyyli esittelee meille puhtaimman version aidosta kuvataiteesta, joka on ylittänyt graafisen vankeuden rajat ja perustuu yksinomaan maalauksen elementteihin.

Mezenin maalaus

Mezen-maalaus puulle (palashchelsky-maalaus) on erityinen kotitalousvälineiden, erityisesti kehruupyörien, kauhojen, laatikoiden, veljien maalaus, joka kehittyi 1800-luvun loppuun mennessä Mezen-joen alajuoksulla. Muinaisista ajoista lähtien nämä paikat, kuten kaikki merenranta, ovat olleet vanhauskoisten asuttamia. Ja joulukuusta 1664 helmikuuhun 1666 arkkipappi Avvakum oli maanpaossa itse Mezenissä. Vanhin säilynyt pyörivä pyörä Mezen-maalauksella on vuodelta 1815.

Mezenin maalauksen taiteelliset aiheet löytyvät 1700-luvun käsinkirjoitetuista kirjoista, jotka on tehty Pomoriessa. Mezen-maalauksen päävärit ovat musta ja punainen. Geometrisen ornamentin pääaiheet ovat kiekot, rombit, ristit. Maalattu esine peitettiin kuivausöljyllä, joka suojasi maalia kulumiselta ja antoi tuotteelle kullankeltaisen värin.

1800-luvun lopulla Mezen-maalaus keskittyi Palashchelyen kylään, jossa työskentelivät kokonaiset käsityöläisperheet: Aksenovit, Novikovit, Fedotovit, Kuzminit, Shishovit. 1960-luvun puolivälissä. Mezen-maalauksen herättivät henkiin vanhojen palashchel-mestarien jälkeläiset: F.M. Fedotov Palaschelyen kylässä ja S.F. ja I.S. Fatyanova Selishchen kylässä. Mezen-pyörien näyttely vuonna 2018 oli ensimmäinen tapahtuma vasta avatussa museossa. Gilyarovsky, Stoleshnikov Lane Moskovassa.

Vologdan pitsi on venäläinen käsityö, joka syntyi Vologdan alueelta 1500-luvulla. Pitsi kudotaan puoloihin (puiset tikut). Vologdan pitsi tunnettiin erillisenä käsityönä, jolla on omat ominaispiirteensä, jo 1600-1700-luvuilla. Kuitenkin 1800-luvulle asti pitsien teko oli kotimaista käsityötä, sitä tekivät ennen kaikkea yksityiset käsityönaiset. Vologdan pitsin kasvavan suosion myötä tuotteiden valmistus käynnistettiin. 1800-luvulla Vologdan läheisyyteen ilmestyi pitsitehtaat.

Kaikki Vologdan kytkentänauhan pääkuvat on valmistettu samanleveästä tiheästä jatkuvasta punoksesta. Vologdan pitsin valmistukseen käytetään pehmusterullaa, kataja- tai koivupuolaa, tappeja ja sirua. Vologdan pitsin tyypillinen materiaali on pellava.

Vologdan pitsin juonet ovat hyvin erilaisia ​​- kukkakoristeista kuvioituihin koostumuksiin. Vologdan pitsistä löydät kristillisiä ja muinaisia ​​kansansymboleita.

Yelets-pitsi ei ole vähemmän kuuluisa. Se on kudottu puoloihin. Tämäntyyppinen pitsi sai alkunsa 1800-luvun alussa Jeletsin kaupungista.

Pitsi erottuu pehmeästä kontrastista pienestä kuviosta (kasvillinen ja geometrinen) ja ohuesta harjakattoisesta taustasta.

Uskotaan, että Jelets-pitsi on kevyempi ja tyylikkäämpi kuin Vologdan pitsi.

Mtsensk-pitsi on eräänlainen venäläinen pitsi, joka on kudottu puoloihin.

Mtsenskin pitsi ilmestyi Mtsenskin kaupunkiin Orjolin alueelle 1700-luvulla. Tämä tuli mahdolliseksi paikallisen maanomistajan Protasovan ansiosta, joka kokosi käsityöläisiä eri puolilta Venäjää ja perusti manufaktuurin - Venäjän tuolloin suurimman pitsituotannon.

Erottuva piirre on geometristen kuvioiden käyttö. Vologdan pitsiin verrattuna sen kuvio on vähemmän tiheä ja kylläinen, kuten asiantuntijat sanovat - "ilmavampi".

1700-luvun alussa Vyatkan maakuntaan ilmestyi pitsiä valmistavia käsityöläisiä. Pitsituotanto saavutti teollisen mittakaavan kuitenkin vasta 1800-luvun jälkipuoliskolla. Tätä kauppaa harjoittavat talonpoikien käsityöläiset. Vuonna 1893 Vjatkan maakunnan Yaransky-alueen Kukarkan asutuksella perustettiin zemstvo-pitsikoulu. Tuotteiden muodot ovat monipuolisia ja joskus epätavallisia: nämä ovat liivit, huivipunokset, kaulukset, lautasliinat, joissa on perhosten muodossa olevia kuvioita, reheviä kukkia, hassuja silmukoita.

Mielenkiintoisimmat tuotteet Vyatka-pitsistä luotiin Neuvostoliiton aikana. Nämä saavutukset liittyvät kuuluisan pitsitaiteilijan, Venäjän Repin-valtiopalkinnon voittajan Anfisa Fedorovna Blinovan nimeen. Hänen teoksiaan on Tretjakovin galleriassa, Venäjän museossa, Venäjän taiderahastossa, Moskovan taideteollisuuden tutkimuslaitoksessa.

1990-luvun talouskriisin olosuhteissa Sovetskin kaupungissa (entinen Kukarkan asutus) sijaitseva pitsitehdas suljettiin. Vasta aivan äskettäin, vuonna 2012, kaupunkiin perustettiin tuotantoosuuskunta "Kukarskoe pitsi", joka elvytti vähitellen vanhan käsityön perinteitä.

Orenburgin untuvahuivi - neulottu huivi, joka on valmistettu ainutlaatuisesta Orenburg-vuohen untuvasta ja kiinnitetty erityiseen pohjaan (puuvilla, silkki tai muu materiaali).

Tämä käsityö syntyi Orenburgin maakunnassa 1700-luvulla. Tuotteet ovat hyvin ohuita, kuten hämähäkinseittejä, mutta niillä on yleensä monimutkainen kuvio ja niitä käytetään koristeena. Tuotteen ohuus määräytyy usein kahdella parametrilla: meneekö tuote renkaan läpi ja sopiiko se hanhenmunaan.

1800-luvun puolivälissä untuvahuivit esiteltiin näyttelyissä Euroopan maissa, joissa ne saivat kansainvälistä tunnustusta. Tällaisten untuvien tuotantoa yritettiin toistuvasti, myös ulkomailla, avata kevyen teollisuuden tarpeisiin. He eivät kuitenkaan onnistuneet. Kävi ilmi, että saadakseen tällaisen ohuen ja lämpimän nukan vuohet tarvitsevat melko ankaria ilmasto-olosuhteita ja tiettyä ravintoa, jonka kokonaisuus on mahdollista vain Orenburgin alueen alueella.

1800-luvun puolivälissä Pavlovsky Posadin kaupungissa alettiin valmistaa villahuiveja, joissa oli niin sanottu painettu kuvio, joka levitettiin kankaaseen kohokuvioitujen muotojen avulla. Pavloposad-huivit ovat perinteisesti mustia tai punaisia ​​tuotteita, joissa on kolmiulotteinen kukkakuvio.

70-luvulla. 1800-luvulla muodostui meille tuttu huivipaletti, naturalistisilla kukka-aiheilla varustettujen huivien valikoima laajeni. Käsityönaiset pitävät enemmän puutarhakukista, erityisesti ruusuista ja daaliaista.

1970-luvulle asti piirustus levitettiin kankaaseen puisilla kaiverretuilla muodoilla: piirustuksen ääriviivat - tauluilla - "tapoja", itse piirros - "kukilla". Huivin luominen vaati jopa 400 peittoa. 1970-luvulta lähtien väriainetta on levitetty kankaille käyttämällä silkki- ja nylonverkkokuvioita. Tämän avulla voit lisätä värien määrää, kuvion eleganssia ja parantaa tuotannon laatua.

Krestetskaja-ommel (tai Krestetskaja-kirjonta) on kansankäsityö, joka on kehittynyt 1860-luvulta lähtien Krestetskyn alueella Novgorodin läänissä muinaisista ajoista lähtien, jolloin vanhauskoiset ovat asuneet.

Krestetskaya-linja on työvoimavaltaisin ja monimutkaisin viivakirjonta suoritustekniikassa.

Kirjonta tehtiin pellavakankaalle, ja langat, loimi ja kude leikattiin ja vedettiin ulos kankaasta muodostaen rakoja, kuten verkkoa. Tätä kangasta käytettiin luomaan erilaisia ​​kuvioita ja brodeerauksia. Krestets-kirjonta käytettiin vaatteiden, verhojen ja pyyhkeiden koristeluun.

Kaslivalu - valuraudasta ja pronssista valmistetut taiteelliset tuotteet (veistokset, ristikot, arkkitehtoniset elementit jne.), valmistettu Kaslin kaupungin rautavalimossa.

Tämän tehtaan perusti vuonna 1749 vanhauskoinen kauppias Jakov Korobkov, joka saapui tänne perheineen Tulasta. Häntä ohjasi Pietari I:n asetus, joka kuului:

Kaikille ja kaikille on sallittua, tahto on annettu, oli arvo mikä tahansa, kaikkialla, niin omilla kuin vieraillakin mailla, etsiä, sulattaa, keittää, puhdistaa kaikenlaisia ​​metalleja ja mineraaleja.

Veistos "Venäjä" N.A. Laveretsky, Kasli-valu, 1896

Suurin osa tehtaan työntekijöistä oli myös vanhauskoisia, jotka saapuivat eri paikoista Uralille, missä vanhan uskon vaino ei ollut niin havaittavissa.

Kaslin valun perinteet - siluetin graafinen selkeys, huolellisesti viimeisteltyjen yksityiskohtien ja yleistettyjen tasojen yhdistelmä kohokohtien energiseen leikkiin - kehittyivät 1800-luvulla. Tänä aikana tehtaan omistajat houkuttelivat uusia lahjakkaita kuvanveistäjiä, taiteilijoita, jahtaajia ja muovaajia. Kasli-valutuotteet saivat Grand Prix -palkinnon arvostetussa Pariisin taideteollisuusnäyttelyssä vuonna 1900.

Erityisen suosiota on saavuttanut Vologdan alueelta peräisin oleva Shemogoda-urakoivu. Näennäisestä hauraudesta huolimatta tuohi on melko vahvaa ja kestävää materiaalia. Vologdan käsityöläiset valmistavat erilaisia ​​koreja, astioita, tiistaita, koruja ja jopa kenkiä ja vaatteita.

Näiden tuotteiden erikoisuus on, että luonnollinen kukkakoriste, lehdet ja marjat, kukat ja varret, eläimet ja ihmiset kietoutuvat perinteiseen kuvioon. Perinteiset Shemogodskajan urakoivun kuviot on kaiverrettu tuohilevyihin tylppällä naskalilla ja leikattu terävällä veitsellä poistaen taustan. Harjakankaan alle asetetaan joskus värillinen paperi tai muu kerros koivun tuohta; veistämistä täydentää kohokuviointi. 1800-luvulla näitä tuotteita kutsuttiin " koivun tuohta pitsiä».

Neuvostoaikana Shemogoda-tuoresta valmistettuja esineitä pidettiin Venäjän metsän symbolina ja niillä oli kysyntää ulkomaalaisten keskuudessa. Samanaikaisesti Shemogodskin huonekalutehtaalla (Vologdan alue) järjestettiin koivun tuohonveistotyöpaja. Ja nykyään yksikään venäläinen messu ei ole täydellinen ilman tuohiruokia.

Tämä venäläinen käsityö syntyi Nižni Novgorodin ammattipuuveistäjien keskuudessa. Mestarit käyttävät naudan putkimaista luuta pääraaka-aineena - " tarsus ja torvi. Myös kalliiden tuotteiden valmistukseen käytetään harvinaisempia ja arvokkaampia mammutin ja mursun luita.

Varnavinskaya luuveistoa käytetään pääasiassa naisten korujen (hiusneulat, kammat, hiusneulat, kammat, rintakorut, riipukset, helmet, kaulakorut, riipukset, rannekorut, korvakorut, sormukset, sormukset), arkkujen, arkkujen, mustekynien, koriste-astioiden ja muita matkamuistoja.

Tällaisten tuotteiden erikoisuus on ehdoton omaperäisyys ja yksilöllisyys. Jokainen tuote on valmistettu käsin, ilman malleja ja leimoja.

Abramtsevo-Kudrinskaya kaiverrus on taiteellinen puuveistotyö, joka syntyi 1800-luvun lopulla Moskovan lähellä sijaitsevan Abramtsevon kartanon läheisyydessä.

Tällä tekniikalla he valmistivat kauhoja, astioita, maljakoita ja arkkuja sekä kaikkia kodin sisustus- ja taloustavaroita. Näiden tuotteiden erikoisuus on erilaisten kiharoiden, ruusukkeiden, oksien, puun sävytys ja kiillotus.

Tämän käsityön kukoistus osuu Neuvostoliiton aikaan - 20-40-luvulle. Tilaukset Kudrin-artellin "Vozrozhdeniye" työntekijöille tuli jopa Tretjakovin galleriasta. Historiallisia ja moderneja tuotteita, jotka on valmistettu Abramtsevo-Kudrinsk-kaiverrustyyliin, esiteltiin kansainvälisessä näyttelyssä Pariisissa vuonna 1937. Neuvostoliiton romahtamisen jälkeen Kudrinskin kaiverrustehdas suljettiin. Nykyään käsityö on säilynyt yksityisten käsityöläisten työn ansiosta.

Gusevin kristallin historia alkoi vuonna 1756, jolloin Oryol-kauppias Akim Maltsov perusti ensimmäisen lasitehtaan Gus-joen rannoille tiheään Meshcheran metsiin.

Ensimmäinen maininta Gus volostista on peräisin 1600-luvulta. Kun lasimanufaktuurien rakentaminen Moskovan alueelle kiellettiin liiallisen metsäkadon vuoksi, Gusin kylään rakennettiin ensimmäinen kristallitehdas samannimisen joen varrelle, jonka käsityöläiset tuotiin erityisesti Mozhaiskista. Näin alkoi ei vain tuotannon, vaan koko kansankäsityön historia, joka kukoistaa tähän päivään asti.

Nyt tehdas on pääasiassa kuuluisa taiteellisesta lasistaan. Gusevin taiteilijat, ottaen huomioon materiaalin erityispiirteet, antavat sille erittäin taiteellisen ilmaisukyvyn käyttämällä taitavasti väriä, muotoa ja sisustusta.

Filigraanityö

Filigraani (tai filigraani) on koru, jossa käytetään harjakattoisia tai juotettuja kuvioita ohuesta kullasta, hopeasta jne. metallitaustalla. lanka. Filigraanikuvion elementit ovat hyvin erilaisia: köysi, pitsi, kudonta, kalanruoto, polku, sileä pinta. Filigraanin yksittäiset elementit yhdistetään yhdeksi kokonaisuudeksi juottamalla. Usein filigraani yhdistetään rakeisiin - pieniin metallipalloihin, jotka juotetaan valmiiksi valmistettuihin soluihin (syvennyksiin). Rakeus luo tehokkaan tekstuurin, valon ja varjon leikin, jonka ansiosta tuotteet saavat erityisen elegantin, hienostuneen ilmeen. Filigraanituotteiden materiaalit ovat kullan, hopean ja platinan seokset sekä kupari, messinki, kupronikkeli, nikkelihopea. Filigraanitekniikalla valmistetut korut on hapetettu ja hopeoitu. Filigraani yhdistetään usein emaliin (mukaan lukien emali), kaiverrukseen ja ajamiseen.

Filigraanituotteet valmistettiin kuninkaallisissa tai luostaripajoissa. 1700-luvulla valmistettiin suuria filigraanituotteita, kivien, kristallin ja helmiäisen ohella käytettiin laajalti. Samaan aikaan pienet hopeaesineet yleistyivät: maljakot, suolapuristimet, arkut. 1800-luvulta lähtien tehtaat ovat jo valmistaneet suuria määriä filigraanituotteita. Tämä on kalliita astioita ja kirkkovälineitä ja paljon muuta.

Skannauskeskukset ovat nykyään:

• Kazakovon kylä Vachskyn alueella Nižni Novgorodin alueella, jossa sijaitsee taideyritys, joka valmistaa ainutlaatuisia korutuotteita käyttäen vanhinta taiteellisen metallinkäsittelyn tekniikkaa - filigraani.
• Krasnoe-on-Volgan kylässä, Kostroman alueella, täällä on Krasnoselskyn taiteellisen metallityön koulu, jonka päätehtävänä on säilyttää perinteinen Krasnoselsky-koru - filigraani, emali, jahtaaminen ja paljon muuta.
• Pavlovon kaupunki Nižni Novgorodin alueella, jossa sijaitsee Venäjän kansantaide- ja käsityökoulu.

Emali

Emali on taideteosten tuotantoa käyttämällä lasimaista jauhetta, emalia metallialustalle. Lasipinnoite on kestävä eikä haalistu ajan myötä; emalituotteet erottuvat erityisestä kirkkaudestaan ​​ja värien puhtaudesta. Emali saa halutun värin polton jälkeen lisäaineiden avulla, joihin käytetään metallisuoloja. Esimerkiksi kullan lisäaineet antavat lasille rubiinin, koboltin sinisen ja kuparin vihreän värin.

Vologda (Usolskaya) emali - perinteinen maalaus valkoiselle emalille. Käsityö syntyi 1600-luvulla Solvychegodskissa. Myöhemmin he alkoivat harjoittaa samanlaista emalia Vologdassa. Aluksi päämotiivina olivat kuparipohjalle maalatut kasvikoostumukset: kukkakoristeet, linnut, eläimet, mukaan lukien mytologiset. Kuitenkin 1700-luvun alussa yksiääninen emali (valkoinen, sininen ja vihreä) tuli suosituksi. Vasta XX vuosisadan 1970-luvulla alkoi Vologdan taiteilijoiden "Usolskaya" monivärisen emalin elpyminen. Tuotanto jatkuu tähän päivään asti.

Siellä on myös Rostov emali - venäläinen kansantaidekäsityö, joka on ollut olemassa 1700-luvulta lähtien Rostov Velikyn kaupungissa Jaroslavlin alueella. Pienoiskuvat on tehty emalille läpinäkyvillä tulenkestävällä maaleilla, jotka ranskalainen jalokivikauppias Jean Tutin keksi vuonna 1632.

Malakiitti tuotteet

Malakiitti on rikkaiden sävyjen vihreä mineraali, joka soveltuu hyvin prosessoitavaksi. Kivi voi olla vaaleanvihreästä musta-vihreään, ja ensimmäinen käsityö on yli 10 tuhatta vuotta vanha. Tiheät, hyvänväriset ja kauniit kuviolliset malakiittilajikkeet ovat arvostettuja ja niitä on käytetty 1700-luvun lopusta lähtien tasaisten pintojen pintakäsittelyyn. 1800-luvun alusta lähtien malakiittia on käytetty tilavuusteosten - maljakoiden, kulhojen, astioiden - luomiseen.

Malakiitti saavutti laajan suosion Venäjän ulkopuolella Lontoon vuonna 1851 järjestetyn maailmannäyttelyn tilausten ansiosta. Demidovien ansiosta malakiittia alettiin käyttää 1830-luvulta lähtien arkkitehtonisen sisustuksen materiaalina: ensimmäinen malakiittisali luotiin P.N. Demidov-arkkitehti O. Montferrand kartanossa Pietarissa kadulla. B. Morskaya, 43. Iisakinkirkossa tehtiin ylellisiä malakiittisisustustöitä. Malakiittia käytetään myös korujen valmistukseen. Malakiitilla kohtaamistekniikkaa kutsutaan " venäläinen mosaiikki". Se perustuu periaatteeseen, jota eurooppalaiset käsityöläiset alensivat lapis lazuli -tuotteiden kustannuksia jo 1600-luvulla: ohueksi sahatut kivilevyt peittävät metallista tai halvasta kivestä tehdyn esineen pinnan. Tämä luo illuusion monoliitista kaiverruksesta.

Tarinat venäläisestä kirjailijasta Pavel Petrovitš Bazhovista, joka aloitti uransa opettajana koulussa syrjäisessä Ural-kylässä Shaydurikhassa, jossa asuu vanhauskoisia, on omistettu malakiittikäsityölle. Heistä kirjailija otti monia mielenkiintoisia tarinoita ja legendoja, jotka liittyvät elämään Uralissa ja paikallisen väestön kansanperinnetottumuksiin.

Sen historia ulottuu 2. vuosisadalle eKr. e., kun ihmiset oppivat valmistamaan rautaa ja siitä erilaisia ​​veitsiä, kaavinta, sahoja ja muita leikkaustyökaluja.

Ei kuitenkaan riittänyt pelkkä tuotteen veistäminen puusta, vaan ihminen halusi työnsä tuloksen näyttävän kauniilta. Näin ilmestyivät muinaiset puumaalaukset, primitiiviset ja kaukana taiteellisista, mutta taiteen synty tapahtui. Noina kaukaisina aikoina maaleja oli jo olemassa, ja niitä oli vielä levittää kunnolla.

Taidemaalaus puulle

Nykyään taloustavaroiden valmistukseen käytettävät kansankäsityöt perustuvat erilaisiin tekniikoihin. Puutuotteet esitetään useissa luokissa: ensinnäkin nämä ovat astioita ja keittiövälineitä. Toinen luettelo sisältää esineitä, jotka ilmentävät taidetta. Nämä ovat maalattuja paneeleja, sisustuskoristeita, erilaisia ​​taloustavaroita. Ja lopuksi kolmas luokka - vintage-tyylinen puiset huonekalut, maalattu erityisellä antiikkisella tavalla. Taidemaalausta puulle sellaisenaan käytetään kaikissa kolmessa tapauksessa. Tuotteiden arvo on kiistaton, koska ammattilaiset työskentelevät niiden parissa.

Lajikkeet

Puumaalauksia on useita tyyppejä, ja ne eroavat kuulumisesta tietylle alueelle ja tyyliltään. Piirustus voi olla tontti tai koristeellinen.

Puun maalaustyypit:

• Mezenskaya;
• Polkhovskaya;
• Khokhloma;
• Gorodetskaya;
• Palekh;
• Severodvinskaya;
• Petrikovskaja.

Pääasialliset puun maalaustyypit on lueteltu. Jokainen lajike sisältää "brändättyjä" ominaisuuksia, jotka antavat tuotteelle lisää vetovoimaa.

Mezenin maalaus

Mezen-maalaus (tai, kuten sitä kutsutaan myös, palashchelskaya) on taloustavaroiden maalaus: kauhat, laatikot, kehruupyörät, penkit ja keittiön pöydät. Nämä taiteelliset perinteet ilmestyivät Mezen-joen alajuoksulle noin vuonna 1815.

Mezenin maalaus koostuu pääasiassa koristeellisista kuvista metsän asukkaista: peuroista ja hirvistä, ahmista, ketuista ja pennuista. Kaikki kuvat ovat persoonattomia ja niissä on staattisen leiman leima. Toistuvasti toistuvista kirkkailla väreillä maalatuista hahmoista koostuvat friisit antavat vaikutelman juhlallisuudesta ja uhmakkaasta ylellisyydestä, sillä värikkäät koristeraidat eivät sovi venäläisen asunnon kurjaan sisustukseen. Alkukantainen, mezen-tyyliin maalattu ja väreillä kimalteleva pyörä pimeässä nurkassa korosti vain ylähuoneen autioitumista.

Palekh

Palekh-maalaus on kansantaidekäsityö, joka ilmestyi ennen Petriiniä. Tuohon aikaan Palekhin kylä Ivanovon maakunnassa oli kuuluisa ikonimaalareistaan. Tämä taide saavutti huippunsa 1700-luvun lopulla. Paleshialaiset ikonien maalaamisen lisäksi osallistuivat katedraalien ja kirkkojen entisöintiin, osallistuivat Trinity-Sergius Lavran ja Novodevitšin luostarin käytävien suunnitteluun.

1900-luvun alkuun saakka Palekh-maalauksen taito kukoisti, vuosien 1905 ja 1917 vallankumoukselliset myrskyt melkein tuhosivat herkän kansantaiteen. Koska 17. vuoden jälkeen tietämättömät kommunististen viranomaisten edustajat lakkauttivat kaikki kirkot, ei ollut mitään maalattavaa, ja Poleshanin taiteilijat loivat artellin, joka tuottaa taiteellisia puutuotteita.

Pian ensimmäinen Palekh-tyylinen teos luotiin Moskovan työpajassa. Mustalla lakalla päällystetyllä puulaatikolla kuninkaallisten kammioiden vapauteen jättänyt Ivan Tsarevitš tapaa Tulilinnun. Koko kuva oli maalattu kullalla ja sinoberilla - oli mahdotonta irrottaa katsettasi piirroksesta.

Tällä hetkellä Palekh-puumaalaus on syvästi perinteistä taidetta, ja ainoa ero on, että luonnonpuu on korvattu paperimassalla. Nyt Palekh-maalatut tuotteet eivät ole vain kauniita, vaan myös kevyitä.

Khokhloma

Muinainen kansankäsityö, joka kehitettiin Nižni Novgorodin maakunnan kylissä 1600-luvulla. Khokhloman kylästä tuli keskus, johon kokoontuivat uskonsa vuoksi vainotut vanhauskoiset. Uudisasukkaiden joukossa oli monia ikonimaalajia, jotka toivat mukanaan hienon maalaustaidon, kalligrafisen kirjoittamisen ja monia esimerkkejä kukkakoristeista.

Khokhlomassa ja lähikylissä asuvat paikalliset asukkaat osasivat sorvata puuta, mutta eivät osaa piirtää. Joten kävi ilmi, että paikalla veistetyt puiset astiat olivat ulkomaalaisten taiteilijoiden maalaamia. Näin ilmestyi Khokhloma-maalauksen taide, joka muuttui yhdeksi Venäjän tunnetuimmista taidekäsitöistä.

Puuveistäjät eivät vain veistäneet astioita ja lautasia, vaan he oppivat pian veistämään lusikoita ja kauhoja, klassisia "veljiä". Yleensä ämpäri tehtiin joutsenen muotoiseksi, ja sen sivuille ripustettiin kymmenkunta kauhaa. Materiaalina oli lehmuspuuta, jossa ei ole luonteeltaan kuituja ja joka on helppo leikata joka suuntaan.

Khokhloma-maalaus koostuu neljästä pääväristä: musta, kulta, punainen ja vihreä. Mustaa ja kultaa käytetään taustana, kun taas punainen ja vihreä yhdessä sävyineen muodostavat itse piirustuksen. Khokhloma-tyylisen piirustuksen teemana ovat useimmiten pihlajan marjat, mansikat, erilaiset kukat ja yrttikasvit. Joskus taiteilija käyttää kuvia linnuista, kaloista ja pienistä eläimistä.

Kaiverrus ja piirtäminen

Venäläiset kansankäsityöt (kuten Gorodets tai Khokhloma) ovat kuviolla peitettyjä puutuotteita. Ensin puuseppämestarit tekevät aihiot valitusta puusta, niin sanotusta "pellavasta", ja sitten taiteilijat peittävät ne kuviolla. Puulle veistäminen ja maalaus ovat tässä tapauksessa erottamattomia - ne täydentävät toisiaan. Yleisin maalattu aihiotyyppi on venäläinen matryoshka. Sen valmistuksessa käytetään sorvausmenetelmää, kun tuote sorvataan, kiillotetaan ja sitten signeerataan. Tämä matkamuisto tunnetaan kaikkialla maailmassa ja sillä on ollut suuri kysyntä useiden vuosien ajan.

Onko mahdollista oppia maalaamaan puulle?

Kansankäsityöt kuuluvat kuvataiteeseen ja vaativat jonkin verran koulutusta, mutta jokainen, jolla on kärsivällisyyttä ja sinnikkyyttä, voi hallita tuotteiden värjäyksen perusperiaatteet. On olemassa erityisiä tekniikoita, joita kutsutaan nimellä "Puumaalaus aloittelijoille", jotka sisältävät prosessiin tutustumisen ja käytännön työn. Aluksi luokat yleistetään, ja taitojen hankkimisen jälkeen voit vaihtaa tiettyyn taiteelliseen tyyliin, esimerkiksi Gorodetsiin. Joka tapauksessa puulle maalaus on kiehtova luova prosessi aloittelijoille.

Väritysmenetelmät

Luonnonpuu on materiaali, joka vaatii huolellista esikäsittelyä. Maalauspinnan tulee olla sileä, ilman hilseilyä ja halkeamia. Työkappale kiillotetaan ensin hiomakankaalla ja peitetään sitten erityisellä pohjamaalilla, joka täyttää kaikki mikroskooppiset halkeamat ja tasoittaa pienet epätasaisuudet. Isommat viat voidaan poistaa kitillä. Esikäsittelyn jälkeen työkappale on kuivattava hyvin.

Puiset kansankäsityöt erottuvat kirkkaista, intensiivisistä väreistä. Piirustukset ovat yleensä kontrastia taustalle, joka on musta tai kirkkaan punainen. Tuotteiden värjäykseen käytetään tempera- tai taiteellisia guassimaaleja, joilla on hyvä peittokyky. Akryylimaalaus puulle antaa vakaimman tuloksen, varsinkin jos piirustus on peitetty pinnalta läpinäkyvällä nitrolakalla. Tuotteet tällaisen käsittelyn jälkeen tulevat kestämään hankausta eivätkä muuta väriään.

Puumaalaus (sivulla on kuvat valmiista tuotteista) on eräänlainen taideteos, jonka juuret ovat kaukaisessa menneisyydessä, mutta elävät ja kukoistavat nykyisyydessä.