Kostym för kvinnor och män 1900 1914. Modedesignens historia. Chanel herrstil

Förra seklet var tiden för krinoliner, jäkt, "polonaise", dolman, rikliga volanger och krusiduller av alla slag. Nästa sekel, mitt i skönhetstiden (den vackra eran), kännetecknas av enkelhet och sunt förnuft, och även om detaljerna fortfarande är noggrant utarbetade, försvinner klänningens fransiga dekoration och onaturliga linjer gradvis i bakgrunden . Denna önskan om enkelhet blev ännu starkare med utbrottet av första världskriget, som tydligt proklamerade de två huvudprinciperna för kvinnors klädsel - frihet och komfort.

En vacker era - en tid av lyx

På 1900 -talet, om du var en sofistikerad ung engelsk dam som tillhörde samhällets elit, skulle du göra en pilgrimsfärd till Paris två gånger om året med andra kvinnor av samma slag från New York eller S: t Petersburg.

I mars och september sågs grupper av kvinnor som deltog i studior på rue Halevy, la rue Auber, rue de la Paix, rue Taitbout och Place Vendôme.
I dessa ofta trånga butiker, med sömmerskor som arbetade febrilt i bakrummen, träffade de sin personliga säljare, som hjälpte dem att välja sin garderob för nästa säsong.

Denna kvinna var deras allierade och visste alla deras mörkaste hemligheter, både personliga och ekonomiska! Överlevnaden av dessa tidiga modehus var helt beroende av deras kraftfulla kunder, och att veta deras små hemligheter hjälpte dem att göra det!

Beväpnade med kopior av Les Modes skannade de de senaste skapelserna av stora couturier som Poiret, Worth, systrarna Callot, Jeanne Paquin, Madeleine Cheruis och andra för att hitta på en garderob som skulle översträva vänner och fiender!

Årtionden gick, och dessa hemska magasinbilder av statiska kvinnor, där varje söm och varje söm syns, ersattes av den lösare och mjukare jugendstilen, som använde nya fotografiska metoder för avbildning.

Tillsammans med säljaren valde kvinnorna en garderob för de kommande sex månaderna: underkläder, hemmakläder, promenader, alternering i kläder, kostymer för att resa med tåg eller i bil, kvällskläder för en ledig tidsfördriv, outfits för speciella tillfällen som Ascot, bröllop, besök på teatern. Listan är oändlig, allt beror på storleken på din plånbok!

Edwardian Lady's Wardrobe (1901-1910)

Låt oss börja med underkläderna. Den bestod av flera underkläder - dag- och nattrockar, byxor, knähöjder och underkjolar.

Kvinnor började dagen med att välja en kombination och tog sedan på sig en s-formad korsett, över vilken det fanns en bodice.

Därefter kom ensemblen på dagtid. Dessa var vanligtvis formella morgonkläder som kunde bäras när man träffade vänner eller när man shoppade. Som regel bestod den av en snygg blus och en kilformad kjol; vid kallt väder bar en jacka ovanpå.

När vi återvände till lunch var det nödvändigt att snabbt byta till dagkläder. På sommaren var det alltid någon form av färgglada kläder i pastellfärger.

Vid 5 -tiden på kvällen var det möjligt, vilket var lättat att göra, att ta av korsetten och ta på sig en te -outfit för att koppla av och ta emot vänner.

Vid 8 -tiden på kvällen drogs kvinnan igen in i en korsett. Ibland byttes underkläderna till fräscha. Efter det var det dags för en aftonklänning för hemmet eller, om det behövs, för att gå ut.

År 1910 började sådana klänningar genomgå förändringar under påverkan av Paul Poirets arbete, vars satin- och sidenklänningar, inspirerade av orientaliska motiv, blev mycket populära bland eliten. Den stora succén 1910 i London var dambyxorna som en festklänning!

Under dagen var det också nödvändigt att byta strumpor minst två gånger om dagen - bomull - för att ha på sig under dagen - på kvällen bytte de till vackra broderade sidenstrumpor. Det var inte lätt att vara en edwardiansk kvinna!

Edwardiansk silhuett - myt och verklighet.

1900 - 1910

Fram till 1900 varje högsamhällsdame-med hjälp av sin hembiträde-tvingades dagligen att dra sig i trånga korsetter som gjorde det svårt att andas, som hennes mamma och mormor gjorde. Det gjorde väldigt ont för en kvinna! Förvisso var försäljningen av snus mycket lukrativ under den tiden.

Syftet med korsetten [om illustrationerna ska tro] var att skjuta överkroppen framåt, som en duva, och att trycka tillbaka höfterna. Marion McNealy jämförde dock illustrationerna med fotografier av kvinnor på 1900 -talet. i deras dagliga liv, föreslogs i Foundations Revealed att det verkliga syftet med s-korsetter var en trotsigt upprätt hållning utformad för att betona höfterna och bröstets kurvor genom att lyfta axlarna bakåt, höja bröstet och runda höfterna.

Min åsikt i denna fråga är följande: det finns en tendens, som i moderna illustrationer, att överbetona linjer. Att jämföra 1905 -bilden av Lucille couture -huset ovan med Edward Sambournes vackra naturliga foto av en ung kvinna från London visar att kvinnor inte spände sina korsetter för mycket!

Det var troligen en idealiserad version av dåtidens Edwardianska kvinna, populär med illustrationer av Charles Dana Gibson och vykort med Gibsons flickvän Camilla Clifford, vilket resulterade i ett mycket överdrivet intryck av Edwardian feminin form.

Mode i klänningar - 1900-1909

Kvinnor började bära jackor i en strikt stil, långa kjolar [något upphöjt fåll], högklackade stövlar.
Silhuetten började gradvis förändras från en s-formad 1901 till en Empire-linje 1910. Typiska färger för vardagskläder för en edwardiansk kvinna var en kombination av två färger: en ljus topp och en mörk botten. Materialet är linne [för de fattiga], bomull [för medelklassen] och siden och bomull av hög kvalitet [för toppklassen].

När det gäller detaljer, i Belle Epoque, spetsiga volanger signalerade en kvinnas sociala status. Många volanger på axlarna och livstycket, samt applikationer på kjolar och klänningar.

Trots förbudet mot korsetter började kvinnor, särskilt från den nya medelklassen, känna mer social frihet. Det har blivit ganska normalt att kvinnor reser utomlands med cyklar - till exempel till Alperna eller Italien, som är perfekt fångad i den melodramatiska filmen "Ett rum med utsikt", baserat på boken av E.M. Forster, som han publicerade 1908.

Populärt fritidskläder bestod av en vit eller ljusfärgad bomullsblus med hög krage och en mörk kilformad kjol som började under bysten och gick ner till fotlederna. Några kjolar syddes också in i korsetten från midjan till under bysten. Denna stil, en enkel blus och kjol, dök upp första gången i slutet av 1890 -talet.

Ofta fanns det en enda söm på kjolarna, vilket resulterade i att även de mest hopplösa figurerna fick en trevlig harmoni!

Kjolar och klänningar sys till golvet, men så att det var bekvämt för kvinnor att komma in i vagnarna. År 1910 var fållen kortare och slutade strax ovanför fotleden. Ursprungligen fanns skrymmande axlar i blusens silhuett, men 1914 hade de minskat betydligt i volym, vilket i sin tur ledde till mer rundhet i höfterna.

År 1905, med ökande popularitet för bilar, började modemedvetna kvinnor bära en regnrock eller halvlång kappa på hösten och vintern. Dessa rockar var mycket fashionabla, gick från axeln till midjan, som var cirka 15 tum lång. I en sådan outfit, och till och med i en ny kort kjol som inte ens nådde anklarna, såg kvinnan väldigt djärv ut! Om det var fuktigt eller snöade ute kunde du ta på dig en känga ovanpå för att skydda dina kläder mot smuts.

Eftermiddagsklänningen, även om den gjordes i olika pastellfärger och med många broderier, var fortfarande ganska konservativ på 1900 -talet, eftersom den användes för att delta i formella middagar, möten och konservativa kvinnorsamlingar - här påverkades klädkoden av kvinnor med en Viktoriansk syn på livet!

Teklänningarna, som kvinnor, om de var hemma, vanligtvis tog på sig vid 17 -tiden, var utmärkta: de var vanligtvis gjorda av bomull, vita och mycket bekväma. Detta var enda gången en edwardiansk kvinna kunde ta av sig korsetten och andas normalt! Kvinnor träffades ofta och underhöll vänner i en te -klänning, för man hade råd att vara extremt informell!

I Edwardian Storbritannien fick kvinnor möjlighet att visa upp sina finaste kläder från Paris under London -säsongen, som pågick från februari till juli. Från Covent Garden, kungliga mottagningar och privata bollar och konserter, till hästkapplöpningar på Ascot, samhällseliten visade upp sina senaste, bästa och sämsta kläder.

Kvällsklänningar under den edwardianska perioden var pretentiösa och provocerande, med en störande halsringning som avslöjade en kvinnas bröst och smycken! Kvällsklänningar på 1900 -talet sys av lyxigt material. År 1910 började kvinnor tröttna på stora aftonklänningar, särskilt franska kvinnor som bestämde sig för att överge tåget på klänningen och bytte till Empire -stilen från Poiret, inspirerad av de ryska årstiderna.

År 1909, när den edwardianska perioden redan höll på att ta slut, uppstod ett märkligt sätt för smala kjolar med avlyssning under knäet, vars ankomst också tillskrivs Paul Poiret.

Sådana trånga kjolar spände hårt kvinnans knän, vilket gjorde rörelsen svår. Kombinerat med de alltmer populära bredbrimda hattarna (i vissa fall upp till 3 fot i storlek) som blev populära av Lucille, Poirets främsta amerikanska rival, verkade det som att mode hade gått överbord 1910.

Frisyrer och hattar från den edwardianska perioden 1900-1918

Modtidningar på den tiden började ägna stor uppmärksamhet åt frisyrer. De mest populära ansågs sedan lockar, lockade med tång i stil med "Pompadour", eftersom det var ett av de snabbaste sätten att frisera hår. År 1911 blev den 10 minuter långa Pompadour-frisyren den mest populära!

Dessa frisyrer bar förvånansvärt stora hattar som överskuggade de frisyrer som de fästes till.

År 1910 hade Pompadour-frisyrer gradvis ändrats till Low Pompadour, som i sin tur med början av första världskriget hade utvecklats till enkla låga bullar.

För att dra nytta av denna frisyr, mössorna bärs lägre, precis på bullen, de breda randarna och ljusa fjädrarna från tidigare år var borta. Krigsnormer godkände inte sådana saker.

"Russian Seasons" 1909 - Wind of Changes

År 1900 var Paris världens modehuvudstad, och modehusen Worth, Callot Soeurs, Doucet och Paquin var bland de främsta namnen. Haute couture eller haute couture - detta var namnet på företaget som använder de dyraste tygerna för att sälja dem till den inflytelserika eliten Paris, London och New York. Emellertid förblev stilen densamma - Empire -linjer och Directory -stil - hög midja och raka linjer, pastellfärger som den grönaktiga färgen på Nilen, ljusrosa och himmelsblå, som påminner om te -klänningar och kvällsklänningar från samhällets elit .

Det är dags för en förändring. Detta föregicks av följande händelser: inflytandet från Art Deco -stilen, som kom från den modernistiska rörelsen; början av de ryska årstiderna, som först hölls 1906 i form av en utställning organiserad av deras grundare Sergei Diaghilev, de fenomenala framträdandena av den ryska kejserliga baletten 1909 med sina överdådiga orientaliskt inspirerade kostymer designade av Leon Bakst.

Dansaren Nijinskys haremsbyxor väckte en stor överraskning bland kvinnor, och opportunismens mästare Paul Poiret, efter att ha övervägt deras potential, skapade haremkjolen, som för ett tag blev mycket populär bland unga från den brittiska överklassen. Poiret, kanske påverkad av Baksts illustrationer 1906, kände behovet av mer uttrycksfulla illustrationer för sina skapelser, vilket resulterade i att han rekryterade den då okända art nouveau -illustratören Paul Iribot för att illustrera sitt verk "Paul Poirets klänningar" 1908. Det är omöjligt att överskatta det inflytande som detta verk hade på framväxten av mode och konst. Därefter arbetade dessa två stora mästare tillsammans i två decennier.

Framväxten av modernt mode - 1912 - 1919

År 1912 fick silhuetten en mer naturlig form. Kvinnor började bära långa, raka korsetter som grund för tätsittande dagtidskläder.

Konstigt nog var en kort återgång till det förflutna 1914 bara nostalgi: de flesta modehusen, inklusive modehuset Poiret, presenterade tillfälliga snygga lösningar med liv, rör och strumpeband. Lusten till förändring kunde dock inte längre stoppas, och 1915, mitt i ett rasande blodigt krig i Europa, presenterar systrarna Callot en helt ny siluett - en icke -ringad damskjorta över en rak bas.

En annan intressant innovation under de tidiga krigsåren var utseendet på en matchande blus - det första steget mot en avslappnad stil som var avsedd att bli huvudelementet i en kvinnas kostym.

Coco Chanel älskade damskjortor eller skjortklippta klänningar och tack vare sin kärlek till den populära amerikanska jackan eller sjömansblusen [löst sittande blus knuten med ett bälte] anpassade hon hopparna som sjömän bar i den populära kuststaden Deauville (där hon öppnade en ny butik) och skapade damkoftan med djärva vardagsbälten och fickor som förebådade 1920 -talets modebild fem år innan det blev normen.

Liksom Chanel, en annan designer Jeanne Lanvin, som vid denna tid specialiserade sig på kläder för unga kvinnor, gillade också enkelheten i kemisen och började skapa sommarklänningar för sina kunder som innebar ett steg bort från restriktiva klänningar.

Utbrottet av första världskriget 1914 avslutade inte de internationella visningarna av parisiska samlingar. Men trots försök av Vogue -redaktören Edna Woolman Chase att organisera välgörenhetsevenemang för att hjälpa den franska modeindustrin, var Paris med rätta oroligt att Amerika, som var en konkurrent till Paris, avsåg att dra nytta av denna situation på ett eller annat sätt. Om du har turen att ha trendiga franska vintage -tidskrifter från den tiden, till exempel Les Modes och La Petit Echo de la Mode, notera att det sällan nämns krig i dem.

Ändå rasade krig överallt och kvinnoklänningar, liksom på 1940 -talet, blev mer militära av nödvändighet.

Kläder blev vettiga - jackor med strikta linjer, även varma halvrockar och byxor fick speciella kvinnliga konturer om de bärs av kvinnor som hjälpte till i kriget. I Storbritannien har kvinnor anslutit sig till frivilliga medicinska team och tjänstgjort i arméns omvårdnadstjänst. I USA fanns det en reserv av kvinnlig hjälppersonal från MP, liksom särskilda kvinnobataljoner.

Sådana militära grupper var avsedda för kvinnor i överklassen, medan kvinnor från arbetarklassen i olika länder, särskilt i Tyskland, arbetade i militära fabriker. Som ett resultat av en sådan skakning av sociala klasser, när fattiga och rika, män och kvinnor tillsammans, som aldrig förr, har växt ett sådant fenomen som frigörelse i en kvinnas klänning.

1915 - 1919 - Ny silhuett.

Det var tiden för art nouveau -figuren

Nu låg tyngden i damunderkläder inte på att forma kvinnofiguren, utan på hennes stöd. Den traditionella korsetten har utvecklats till en bh som nu är oumbärlig för den mer fysiskt aktiva kvinnan. Den första moderna bh: n kom från Mary Phelps Jacob, en skapelse som hon patenterade 1914.

Den traditionella livstycket ersattes av mode för en hög midja, knuten med ett vackert brett halsdukbälte. Tyger som natursilke, linne, bomull och ull användes och konstgjord siden började användas - twill, gabardine (ull), organza (siden) och chiffong (bomull, siden eller viskos). Tack vare unga designers som Coco Chanel har material som jersey och denim kommit till liv.

År 1910. det var en horisontell titt på designen av klänningar. Alternativt användes vertikala kappor, till exempel de populära Poiret kimonojackorna, som bärs över en uppsättning jacka och skräddarsydda kjolar. Sömmen på vardagskläderna var något ovanför fotleden; den traditionella golvlånga aftonklänningen började stiga något från 1910.

År 1915, tillsammans med utseendet på en utsvängd kjol (även känd som en militär krinolin), minskade klädlängden och därför, med utseendet på nu synliga skor, började en ny siluett dyka upp. Snörskor med klackar har blivit ett trevligt tillägg till modeller för vintern - beige och vita färger har anslutit sig till de vanliga svarta och bruna färgerna! Med utvecklingen av fientligheter började kvällsklänningar och kläder för te försvinna från samlingarna.

Annette Kellerman - baddräktsrevolutionen

Baddrädesdesigner från den edwardianska perioden ledde till att de allmänna sederna störtades när kvinnor på stranden började visa upp benen, om än i strumpor.

Bortsett från australierna, särskilt den australiensiska simmaren Annette Kellerman, som på något sätt revolutionerade badkläder, bör det noteras att badkläder ändrades gradvis från 1900 till 1920.

Kellerman väckte stor uppståndelse när hon vid ankomsten till USA dök upp på stranden i en tätt passande baddräkt, vilket resulterade i att hon greps i Massachusetts för oanständig nakenhet. Hennes rättegång markerade en vändpunkt i badkläderhistorien och bidrog också till att bryta de föråldrade bestämmelserna som ledde till hennes fängelse. Hon skapade looken för skönheterna i badkläder från Max Sennett, liksom standarderna för sexiga badkläder från Jantzen som kom senare.

Födelsen av Charleston klänning look

Det är svårt att precisera exakt när stilen med låg midja i tomboy-klänningen växte fram och blev normen 1920. Bilden av mamma och dotter skapad av Jeanne Lanvin 1914 väcker uppmärksamhet här.

Ta en närmare titt på din dotters lilla hipster rektangulära klänning och du kommer att känna igen Charleston -klänningen som bara kommer att dominera några år senare!

Svart var standardfärgen under första världskriget, och den lilla Coco Chanel bestämde sig för att göra det mesta av den och andra neutrala färger, samt krigstidskläder, och tack vare Chanels kärlek till enkelhet, en skjortklänning med ett bälte vid låg midja skapades., vars modeller visades på Harpers Bazaar 1916.

Denna kärlek till hennes mer sportiga och avslappnade klänningar började spridas snabbt från kuststaden Deauville, där hon öppnade en butik, till Paris, London och bortom. I 1917 års upplaga av Harper's Bazaar märktes det att namnet Chanel helt enkelt inte lämnade köparnas läppar.

Paul Poirets stjärna började blekna när kriget började, och när han 1919 återvände med många vackra modeller i en ny silhuett var hans namn inte längre så beundransvärt. Av misstag stötte han på Chanel i Paris 1920 och frågade henne:

"Fru, vem sörjer du?" Chanel bar sina svarta signaturfärger. Hon svarade: "För dig, min kära Poiret!"

Nytt sätt att leva

Sovjet mode bildade och klev fram på sin egen speciella väg. Den skapades av begåvade yrkesverksamma som överlevde åren av förödelse och blodig terror, och korrigerades och leddes av partitjänstemän och statliga säkerhetsmyndigheter. bestod av skickligheten från skräddarna under förra seklet och de innovativa idéerna för konstnärerna i sovjeternas unga land, från modellerna av kläder som skapats av specialister som odlats av sovjetiska universitet, från masskläder som producerats av många plaggfabriker, från sovjetiska modetidningar, från modemagasinen i de broderliga socialistiska republikerna och borgerliga västerländska utgåvor som lagligt kommer in i Sovjetunionen bakom "järnridån", från berättelserna om människor som har rest utomlands, från kopiering av inhemska hantverkare av de kläder som förts " därifrån ”, från imiterade bilder av sovjetisk och utländsk film.

Den socialistiska revolutionen i oktober, som avskaffade adelns och borgarklassens klasser och etablerade en ny social samhällssammansättning, påverkade oundvikligen utformningen av det sovjetiska landets mode, som inte längre hade plats för lyxiga toaletter. Det arbetande folket i det unga sovjetlandet måste se ut som om de borde vara byggare av ett nytt samhälle, även om ingen visste exakt hur, och alla som var avsedda att överleva kuppet i oktober var helt enkelt tvungna att anpassa sig till de hårda funktionerna i militären och civilarbete och liv under de första postrevolutionära åren.

På stadens gator uppträdde män och kvinnor i läderkommissarjackor, lädermössor och soldattuniker, bälte med läderbälten. Satinblusar som bärs med stadsblazers har blivit de mest populära herrkläderna. Kvinnor bar klänningar gjorda av duk, raka kjolar av soldatduken, chintzblusar och tygjackor. Herrtuniken, som migrerade till damgarderoben, betonade jämställdheten mellan den sovjetiska kvinnan och den sovjetiska mannen.

Den ikoniska klädseln i den nya eran är en läderjacka i samband med bilderna av tjekisten och kommissarien, som har blivit en symbol för det revolutionära sovjetiska Rysslands mode, ganska konstiga kläder för ett land i förödande förödelse. Var kommer så mycket högkvalitativt läder ifrån under de första åren av sovjetmakten, som tillverkade så många liknande jackor i så stora mängder? Faktum är att de berömda skinnjackorna tillverkades redan före revolutionen, under första världskriget, för luftbataljonerna. På den tiden var de aldrig fullt efterfrågade, och efter kuppet i oktober hittades de i lager och började utfärdas till tjekisterna och kommisarerna som uniformer.

Ett tecken på den nya postrevolutionära eran var den röda halsduken - en symbol för kvinnans frigörelse, nu drogs den över pannan och knöts på baksidan av huvudet, och inte under hakan, som man traditionellt gjort tidigare. Skor, herr och dam, bestod av stövlar, stövlar, canvas tofflor, gummistövlar.

Komsomolmedlemmar klädde på sig "Jungsturmovki" - paramilitära kläder lånade från den tyska ungdomskommunistiska organisationen "Red Jungsturm", som var en tunika eller jacka i olika nyanser av grönt, med en nedfällbar krage och fickfickor, bärs med bälte och sele och en keps på huvudet. Flickorna bar jungsturmovki med en rak mörk kjol. På grundval av jungsturmovka utvecklades en enhetlig uniform för Komsomol -medlemmarna. Som tidningen Krasnaya Zvezda skrev: ”Komsomols centralkommitté rekommenderar att lokala organisationer inför en enda form av Komsomol genom frivillighet. För ett prov bör tas i form av Moskva Komsomol - khaki (mörkgrön). Centralkommittén anser att det är önskvärt att införa denna form i alla stadsorganisationer före den 14: e internationella ungdomsdagen. "

Den proletära kostymens askese 1918-1921 berodde inte bara på en världsbild som förnekade allt som var förknippat med "gamla världen", utan också till de svåraste ekonomiska förhållandena, förödelserna, inbördeskriget som följde revolutionen och det brutala krigskommunismens politik. Människor dog helt enkelt av hunger, hade inte möjlighet att skaffa grundläggande hygienprodukter och hushållsartiklar, vilket mode kan vi prata om. Det fanns kläder som personifierade en hård och hänsynslös tid.

Saker sys av duk, grovt linne, grov calico, soldatduk, sagor, bumazeye, grov ull. Från 1921 - 1922, när övergången till den nya ekonomiska politiken (NEP) tillkännagavs i landet och processen för att återställa textil- och plaggföretag började, dök de första tygerna med ett tryckt mönster upp, främst bomull - chintz, satin, flanell .

En av de första massdräkterna var Röda arméns uniform. År 1918 inrättades en särskild kommission för att utveckla Röda arméns uniform, och en tävling om de bästa proverna av militärkläder tillkännagavs där konstnärer som Viktor Vasnetsov och Boris Kustodiev deltog. Den ryska historiska dräkten togs som grund för Röda arméns uniform. Ett år senare godkändes en hjälm, en överrock, en skjorta och läderbastskor som en ny uniform. Trimningen med knapphål, typisk för gamla prover av militära uniformer, låg intill röda manschetter, krage och en stjärna på hjälmen, som upprepade den gamla ryska formen av en sholom med en barmitsa, och därigenom betonade bildens hjältemod och romantik. Den nya röda arméhjälmen, som snart kallades Budenovka, fanns till början av andra världskriget.

Den gamla världens fruktansvärda, blodiga kollaps och den smärtsamma konstruktionen av den nya, verkar det som, borde ha dömt ett sådant fenomen som mode... Varför och vem behöver det i sovjetlandet? Men trots allt 20 -talet 1900 -talet har blivit en av de mest intressanta perioderna i det ryska modehistorien.

I tsaristiska Ryssland i slutet av 1800-talet var Moskva, Sankt Petersburg, Kiev, Nizjnij Novgorod, Kazan i första hand i produktionen av färdiga klänningar. Kläderna producerades främst av hantverkare från små verkstäder. Det fanns få stora syföretag. I grund och botten utförde de regeringens order, tillverkade uniformer, utrustning och underkläder för militära och tekniska enheter. Men dessutom var många tillverkare av statsägda sömnadsprodukter ägare till välkända butiker för klädsel, skor och klädsel.
De största syfabrikerna i Ryssland var: partnerskap "Mandl och Reitz", som hade, förutom fabriken, ett handelsfärdigt handelshus på Tverskaya (efter företagets nationalisering-fabriksnummer 31 i Mosshvey-förtroendet, sedan den experimentella och tekniska fabriken uppkallad efter K. Zetkin, och i 1930 TsNIISHP - det centrala forskningsinstitutet för plaggindustrin, som finns idag); "Handelshus K. Thiel och Co", som förenade ett garveri och lackeringsanläggning, ett militärt sadelmakeri, ammunition och uniform, filt, handske, strumpor, fabriker, efter att konkurs 1912 övergick till Moskva aktiebolaget "Supplier" (nationaliserades 1918 och döptes om till "Röd leverantör ", då som blev Moskvafabriken för teknisk filt och Moskva filtnings- och filtförening (nu ZAO Gorizont); "Partnerskap mellan Timofey Katsepov och Sons Manufactories"-ett industriföretag med en solid kontantomsättning, sedan 1930 har det profilerats om till Voskresensk filtfabrik uppkallad efter den 9 januari (nuvarande JSC Fetr).
Stora företag av klädkläder och underkläder var: handelshus "M. och I. Mandl ", handelshus "Bröderna N. och F. Petukhovs" på Ilyinka; det legendariska handels- och industriella partnerskapet "Muir och Meriliz", ägde ett av de mest kända varuhusen i Moskva på Petrovka, som sålde kläder, skor, smycken, parfymer, hushållsartiklar (nationaliserades 1918, sedan 1922 Centralvaruhus TSUM); Petrovsky Passage, som ligger mellan Petrovka och Neglinnaya gator, tillhörde Vera Ivanovna Firsanova, efterträdaren till den berömda Moskvaav Firsanov -handelsdynastin. Passagen har samlat mer än femtio olika handelspaviljonger under sina valv, inklusive butiker i kända handelshus: ”Markushevich och Grigoriev. Siden och ulltyger ", "Vikula Morozov, Konshin och söner", "Veselkov och Tashin - fashionabla material för damklänningar ", "Louis Kreutzer" - underkläder och slipsar ", "Matilda Barish - korsetter och paraplyer" etc. Större handelscentra var Popovpassagen på Kuznetsky Most, Postnikovpassagen på Tverskaya -gatan, Lubyanskypassagen på Lubyanka, bröderna Sapozhnikovs silkesvaruaffär på Ilyinka, handelshus för Ludwig Knop, K. Malyutin och hans söner och många andra. Ett av de mest framgångsrika underklädesföretagen det fanns ett företag "Bröderna Alshwang", och ett handelshus på Nikolskaya Street "Kandyrin and Co", som ägde en fabrik av linne. Kända herrklänningar i förrevolutionär Moskva - "Aye" på Tverskaya, "Alekseev -bröderna" på Rozhdestvenka, "Bröderna Chistyakov" på Lubyanskaya -torget, "Dellos" på Sretenka, "Georges" på Tverskaya, "Duchar", "Smith och söner" på Kuznetsky Most. Fashionabla damkläder producerades och såldes av staden Lyon vid Lubyanka, Louis Kreutzer och Madame Josephine på Petrovka och andra.
Många ryska tygtillverkare var kända inte bara i sitt eget land, utan fick också popularitet över hela världen. Särskilt framgångsrika produktioner var Trekhgornaya Manufactory, grundat av handlaren Vasily Prokhorov, därav dess andra namn - Prokhorovskaya (efter revolutionen nationaliserades den 1936 efter namnet F.E. Dzerzhinsky); Ivanovo-Voznesensk tillverkningar av Grachevs, Garelin, Ivan Yamanovsky, Diodor Burylin m.fl. Den berömda bomullstryckfabriken "Emil Tsindel i Moskva" fungerade fram till 1915. I sovjettiden blev detta företag känt som "Första bomullstryckfabriken". De största textilföretagen var tillverkningar av Morozovskie. Det största Morozov-företaget är Nikolskaya Manufactory i Orekhovo-Zuevo. Kända fabriker från den tiden - fabriker av Albert Gübner, Mikhail Titov, Thorntons fabrik i S: t Petersburg, Krushe och Ender, Mikhailov och Son, P. Malyutin och söner, etc. tid på kontoret för friherre Ludwig I. Knop. Hans huvudsakliga verksamhet som representant för det brittiska företaget De Jersey var leverans av modern textilutrustning till Ryssland från Tyskland, Frankrike och England. Produkterna från ryska tillverkningar exporterades och uppskattades över hela världen. I det pre-revolutionära Ryssland betraktades en färdig klänning som många med begränsade möjligheter, de rika föredrog att beställa kläder. Hemsömnad var en långvarig och vördnadsvärd tradition i det ryska imperiet och ansågs vara en viktig del av kvinnors utbildning.
Utexaminerade från sy- och syskolor och handarbetsklasser fick certifikat som gav dem rätten att arbeta som fräsar, öppna privata skolor och sömnadskurser. Efter examen från skär- och syskolan kom O. Saburova, en ung fräs Nadia Lamanova, som senare blev den mest kända klädmakaren i tsaristiska Ryssland, till jobbet i en av dessa syverkstäder för den då populära Moskva -fräsen Madame Voitkevich. Enastående tjänster inom modedesign gjorde Lamanova till nummer ett i rysk modedesigners historia. Nadezhda Lamanova lade grunden för sovjetisk modellering. Mottoet för kreativitet hos modedesigners idag är den berömda formeln för Lamanova - syfte, image, tyg.
År 1885 öppnade Lamanova sin verkstad i Adelheims hus på B. Dmitrovka. Legendarisk Nadezhda Lamanova, leverantören av kejserliga hovet före revolutionen "klädde" kungafamiljen, aristokratisk och konstnärlig elit. Efter revolutionen designade hon inte bara modeller för fruar till högt uppsatta tjänstemän, utan skapade också massmode. Hon gjorde kostymer för filmer av Eisenstein och Aleksandrov, för många sovjetiska teaterföreställningar. Hennes kunder var Vera Holodnaya, Maria Ermolova, Olga Knipper-Chekhova. Den stora franska couturiern Paul Poiret arrangerade sina modevisningar i hennes hus. Efter revolutionen vann modellerna Lamanova, som fortsatte att arbeta som sovjetisk modedesigner, priser på internationella utställningar, kläder från Lamanova demonstrerades - musan av Vladimir Mayakovsky Lilya Brik, hennes yngre syster, den franska författaren Elsa Triolet, skådespelerskan Alexandra Khokhlova . Det förrevolutionära Ryssland kan skryta med ett överflöd av modehus, ateljéer och workshops... Bara i S: t Petersburg på 1900 -talet fanns det mer än 120 av dem. Det berömda modehuset i S: t Petersburg var House of Brizak, som var hovets leverantör och endast arbetade för den kejserliga familjen, som betjänade storhertiginnorna och hovets damer i väntan. Genom kejsarinnans kejserliga kommando kunde House Brizak betjäna två klienter som inte tillhörde hovet - ballerina Anna Pavlova och sångerskan Anastasia Vyaltseva.
Ett annat stort Petersburgs modehus på 1900 -talet var Hindusernas hus... Anna Grigorievna hinduer studerade i Paris på företaget hos den berömda franska modedesignern fru Paquin, som hon höll kontakten med.

Det tredje stora modehuset var Olga Buldenkovas hus som också var leverantör till Imperial Court. Hennes verksamhetsområde var speciella uniformer, reglerade av domstolens stadga, godkända av ett särskilt kejserligt dekret redan på 1830 -talet.

Förutom stora hus mode mer än hundra små modehus och ateljéer arbetade, som både utförde enskilda beställningar och producerade seriesamlingar. Men inget av de ryska husen höll modevisningar. År 1911 tog Paul Poiret sin samling till S: t Petersburg. Och den första modevisningen ägde rum i Sankt Petersburg 1916.

Uppkomsten av en ny era har i hög grad förändrat både kostymen i sig och inställningen till mode. Under det andra decenniet av nittonhundratalet, efter första världskriget, observerades en förenkling av dräkten och en övergång till den industriella massproduktionen av kläder över hela världen, vars början till stor del var förknippad med den utmärkta militärproduktionen uniformer. I Sovjet -Ryssland var dock den socialistiska ideologins roll överlagd på denna världstrend.

Klädindustrin som förstördes under oktoberrevolutionen, liksom alla andra industrier, började bygga upp på nytt. År 1917 skapades avdelningen för färdiga klänningar och linne på Tsentrotextile "... för restaurering, förening och nationalisering av produktion och distribution av färdiga kläder och linne i nationell skala." År 1919 inrättades centralinstitutet för klädindustrin och utbildningen i konstnärliga och industriella kostymverkstäder, vars uppgifter innefattade centralisering av sömnadsproduktion, forskning och utbildning, samt etablering av hygieniska och konstnärliga klädformer.
År 1920 organiserades de legendariska högre konstnärliga och tekniska verkstäderna VKHUTEMAS (från 1927 omorganiserade till VKHUTEIN), som fanns fram till 1932, och gav sovjetlandet anmärkningsvärda mästare inom industridesign, av vilka många satte avtryck på modeutvecklingen. Under de första åren av sovjetmakten skapades kommittén för plaggindustrin - Tsentroshvey, och i april 1920, efter sammanslagning med den centrala avdelningen för krigsupphandlingar, döptes den om till plaggindustrins huvudkommitté (Glavodezhda).
För att hantera företagen organiserades territoriella förtroenden i Moskva (den berömda Moskvoshvey), Leningrad, Minsk, Baku och andra städer. Maskinparken började fyllas på med nya importerade maskiner, elektriska knivar, ångpressar. Fabriker gick över till en bredare arbetsfördelning, och i slutet av återhämtningsperioden 1925 började en gradvis övergång till produktionslinjeorganisationen, vilket ökade produktiviteten kraftigt i jämförelse med individuell skräddarsyning. Men som ni vet är kvantitet inte nödvändigtvis kvalitet och individualitet.
Vid 30 -talet blev klädutbudet som producerades i landet bättre och mer varierat. Sovjetiska syfabriker, som tidigare arbetade främst för armén och producerade overaller, istället för stormrockar, ridbyxor och quiltade jackor, började sy dam- och herrdräkter, ljusa klänningar, rockar och korta rockar från olika tyger, underkläder av alla slag, barn kläder. I samband med konsumenternas krav införde Moskvoshvey -förtroendet acceptans av enskilda beställningar.
En av de ljusaste perioderna i det nya Sovjet mode var 20 -talet. Vid konstindelningens underavdelning av folkkonstens utbildningskommissariat öppnades "Workshops of modern costume". Det var det första kreativa experimentella laboratoriet för nya former av kläder i Sovjetrepubliken. Nadezhda Lamanova vände sig till kulturministern Lunacharsky (hans fru, Maly Theatre -skådespelerskan Natalya Rosenel kände Lamanovas förmågor mycket väl) med ett förslag om att skapa en modern kostymverkstad. Lamanova stod inför uppgiften att skapa arbetare och bönder mode, och hon tvingades visa kolossal uppfinningsrikedom med billiga, enkla och grova material, med tanke på den efterrevolutionära förödelsen.

År 1923 skapades "Centrum för bildandet av en ny sovjetisk dräkt", som senare döptes till "Atelier Fashion", vars officiella direktör var Olga Senicheva-Kashchenko. I en intervju berättade Olga Senicheva hur hon i "Moskvoshvei" fick en sextonårig tjej, fick dokumenten för ett lån, och hon åtog sig att betala kostnaderna för "Atelier Fashion"-renovering av lokalerna inom ett och ett halvt år (på Petrovka, 12, nu Konstsalongen) och tyger som erhållits för arbetet. Nytt centrum mode gav konfiskerat material från lager vars ägare flydde utomlands under revolutionen. Brokad, sammet och siden stod till ateljens förfogande. De fina tygerna som lagrades i fuktiga lager var allvarligt skadade, så de bestämde sig för att lägga några av dem på gardinerna och klädseln i hallen där det var planerat att hålla en demonstration av klädmodeller. För det första, för att återbetala alla pengar till staten på kredit, i den första sovjet "Modeateljé" började skapa modeller inte av chintz och linne, utan av brokad och sammet för Nepmen, så att de senare kunde utveckla massmode och skapa modeller av kläder för arbetare. Partyelit, kändisar och ledande branschledare bjöds in till de första modeshowerna.

• Tillsammans med Nadezhda Lamanova, som ledde det kreativa arbetet, arbetade så enastående konstnärer som Vera Mukhina, Aleksandra Ekster, Nadezhda Makarova (Lamanovas brorsdotter), specialist på tillämpad konst Evgenia Pribylskaya i experimentella Atelier Fashion. Samtidigt ett nummer av Atelier magazine publicerades i arbetet som många kända artister deltog i.

• År 1923, på I All-Russian Art and Industrial Exhibition, tilldelades prover av modeller som utvecklats i Fashion Atelier av N. Lamanova, E. Pribylskaya, A. Exter, V. Mukhina priser.

• Modellerna av Nadezhda Lamanova och Vera Mukhina, utställda på världsutställningen i Paris 1925, fick Grand Prix för sin nationella identitet i kombination med en modern modetrend. Varje klänningsmodell kompletterades nödvändigtvis med en huvudbonad, en väska, prydnader gjorda av garn, snöre, halm, broderad duk, skal och stenpärlor.

Experimentstudion lyckades inte fullgöra sitt huvuduppdrag att skapa prover av kläder för massproduktion, samt att uppfylla individuella order för folket, eftersom det fanns bara några år. En av de största statliga orderna 1923 var utvecklingen av en kläduniform för Röda armén. För att tjäna pengar fungerade ateljén som en dyr skräddarsydd verkstad som riktade sig till skådespelerskor för vilka särskilda rabatter gavs och rika människor. Tio designers och tio konstnärer arbetade med skapandet av modellerna. Modeller gjordes av hundra och femtio arbetare från den 26: e fabriken i Moskvoshvey -förtroendet. I genomsnitt sys en klänning i tjugo dagar, och endast mästarnas arbete kostade hundra rubel för varje modell. Det var så dyrt att även två år efter öppnandet var många av klänningarna fortfarande inte slutsålda.

År 1923, den första sovjetiska inhemska modemagasin Atelier, skapad av den innovativa Atelier Mod. Huvudmålen och målen redovisades i den redaktionella artikeln: "En aktiv och outtröttlig strävan att avslöja allt som är kreativt vackert, som förtjänar mest uppmärksamhet inom materialkulturens område." Idéens storhet bestämdes av endast en lista med stjärnnamn som gav sitt samtycke till samarbete i tidningen. Kändisar inkluderar konstnärerna Yuri Annenkov, Boris Kustodiev, Kuzma Petrov-Vodkin, Alexander Golovin, Konstantin Somov, Igor Grabar, skulptören Vera Mukhina, poeten Anna Akhmatova, konsthistorikern Nikolai Punin och många andra. Tidningen illustrerades med inlägg av färgade ritningar.

Konstnärernas namn började dyka upp på sidorna modetidningar tillbaka på 1900-1910-talet, när modekonstens konst var i sin bästa tid. 1908, en konstnärlig modemagasin, hantverk, ekonomi "Parisienne" med en frontfilm av konstnären Mstislav Dobuzhinsky. Omslaget till den nya upplagan var särskilt beställd av Konstantin Somov, men av tekniska skäl började tidningen att visas i en ny omslag först 1909. Omslaget till herrmodemagasinet "Dandy" gjordes av Viktor Zamirailo, och ritningarna av modellerna som placerades i den skapades av de berömda Sankt Petersburg -grafikerna Alexander Depaldo och Alexander Arnshtam. Konstnären Anna Ostroumova-Lebedeva föreslog också att publicera "Ladies 'Journal". År 1915 försökte den berömda klädmakaren i Petersburg, Anna Hindus, att genomföra sådana planer. Samtidigt planerade arkitekten Ivan Fomin att ge ut en tidning om ett vackert liv som heter "Spegeln". Dessa planer, och även då bara delvis, var avsedda att förverkligas först på 1920 -talet.

Första sovjet modemagasin var tänkt att ägna stor uppmärksamhet åt "detaljerad utarbetande av frågor om den nya damdräkten", samt att spegla "allt varierat kreativt arbete av Atelier Maud", och dessutom att bekanta läsarna med nyheter inom konstområdet , teater och sport.

Tidningen publicerade en artikel av konstnären Alexandra Exter "Om konstruktiva kläder", som återspeglar huvudriktningen för utvecklingen av modellering vid den tiden - enkelhet och funktionalitet. ”När man väljer en klädform”, skrev författaren, ”bör man ta hänsyn till figurens naturliga proportioner; med rätt design av kläder är det möjligt att uppnå dess överensstämmelse med kroppens former och storlekar. Arbetskläder måste ge rörelsefrihet så att de inte kan vara tighta. Ett av huvudkraven för en sådan kostym är användarvänlighet. " Exter ägnade särskild uppmärksamhet åt valet av tyger, vilket tyder på att när man utformar en speciell kostymform ska man utgå från materialets plastegenskaper. Så, enligt hennes åsikt, när du skapar modeller av ull av grov bearbetning, är vertikala veck olämpliga, och mjuk ull med stor bredd, tvärtom, kommer att skapa en komplex volymetrisk silhuett. Exter designade en sofistikerad multifunktionell uppsättning, som påminner om en japansk kimono, från en mängd olika material i kontrasterande färger. En annan uppsättning för inomhus- och utomhusbruk bestod av en skjortklippt topp- och bottenklänning med sidoslitsar, trimmade med applikation. Omslaget till tidningen Atelier pryddes av en skiss skapad av Alexandra Exter, en långsträckt silhuett av en modell i en gatukåpa av ljusblå siden-taft, utan sömmar, med en förstorad krage. En liten åtsittande hatt med pompon bärs på huvudet.

Det första numret av "Atelier" innehöll också den berömda skissen av en blomknoppsklänning av Vera Mukhina. Den berömda skulptören presenterades här som modedesigner. Klänningen hon föreslog klassificerades som "pop". De frodiga draperierna på den vita tygkjolen liknade blomblad. En graciös kvinnlig silhuett i en röd hatt med breda kanter, med en käpp i handen, var ett minne från Rokoko, kombinerat med suprematistiska motiv.

Sidorna i det första numret av "Atelier" innehöll ett stort antal fotografier av skådespelerskor och modeller i Moskva på lyxiga toaletter, inte sämre än franska kläder. Fotografierna i tidningen visar att samlingen 1922-1923, trots den ekonomiska ordningens svårigheter, var gjord av dyra tyger. Litterära och journalistiska reflektioner över det moderna mode Regissören och dramatikern Nikolai Evreinov ("The Look of a Parisienne 1923"), rysk filantrop, Vladimir von Meck, som efter revolutionen arbetade med att skapa skisser av landskap och kostymer i Maly Theatre, ("Costume and Revolution") , M. Yurievskaya ("Om dansens inflytande på mode").

Som ett tillägg till artikeln av Yuryevskaya föreslog konstnärerna i Ateljén en modell av en "popklänning för excentriska danser" gjord av svart sammet och taft med en lång dike ("svans"). Midjan fångas upp med ett brett bälte av orange päls, på axeln finns ett orange avlyssningsband i pälstonen, en huvudbonad av svart siden med stående påfågelfjädrar.

Atelier -tidningen kom ut med en upplaga på 2 000 och blev en stor framgång. Som chefredaktören Olga Senicheva skrev: ”Läsarna har saknat de konstnärliga, vackert designade publikationerna. Bestruket papper, bra tryck, färgillustrationer och kanske det viktigaste: ett ovanligt ämne för den tiden - mode"Lockade många och sålde snabbt ut." Stort intresse väcktes av det faktum att i slutet av numret fick "Översyn av modetrender från utländska tidskrifter". Dock den första siffran modemagasin visade sig vara den sista. I tidningen "Shveinik" fanns en artikel "Hur man inte målar", där alla aktiviteter i "Atelier" utsattes för den hårdaste kritiken. År 1925 tillkom de ideologiska anklagelserna ekonomiska svårigheter och det första sovjetiska modehuset genomgick drastiska förändringar. En ny direktör tillsattes, personalen minskades och den berömda "Fashion Atelier" i Moskva förvandlades till en vanlig nomenklatura -modeverkstad som sys till festhustrur och kändisar.

Idén om en modemagasin med deltagande av konstnärer och författare och medverkan av målare och grafiker i utvecklingen av klädmodeller väcktes under en tid. Modepublikationer som dök upp under NEP -tiden uppmanade mästarna i penseln och pennan att tala om bildandet av moderna mode.

År 1928 började dyka upp modemagasin "Konsten att klä sig" , den nya upplagan var inte bara på modet, utan också "kulturell och pedagogisk" med ett antal intressanta rubriker: "Paris Letters" - (meddelanden från en korrespondent från Paris om modetrender), "Curiosities of fashion", "The past of Kostymen". Det fanns ett avsnitt "Användbara tips" i tidningen, där man kunde ta reda på: "Hur man rengör barnhandskar", "Hur man tvättar tunna snören", "Hur man uppdaterar svarta snören och slöjor", etc., dessutom, det publicerade artiklar av ledande modedesigners, hygienister, reklam för varor. I tidningen kunde man se nya utvecklingar av kläddesigners M. Orlova, N. Orshanskaya, O. Anisimova, E. Yakunina. Det första numret av modemagasinet öppnades av Lunacharskijs artikel "Är det dags för en arbetare att tänka på klädkonsten?" Vanliga medborgare var också involverade i diskussionen och kunde uttrycka sina åsikter. ”Våra proletära konstnärer måste med hjälp av massorna börja skapa nya mode,” sina egna ”, inte” parisiska ”. Fest- och Komsomol -möten kommer att hjälpa dem i detta ”, - sa den muscovitiska kamraten. Jukhanov i sitt brev till Komsomolskaya Pravda. Samma år 1928 dyker "Home Dressmaker" upp - en traditionell modemagasin med ritningar av modeller av kläder och förklaringar till dem, mönster och råd för klädmakare. Båda tidningarna publicerades på bra papper i stort format, med färgtryck och med bifogade mönster.

• År 1929 publicerades en ny tidning "Garment Industry", som skrev om problemen med massindustriell produktion av kläder. Etappen av landets industrialisering började. Samma år öppnades sytekniska skolor, FZU -skolor, syavdelningar vid textilföretag som utbildar specialister för lättindustrin.

• Dessutom dök det upp på 20 -talet - "Modemagasin", "Modesäsong", "Modevärld", "Mode", "Säsongens modeller", "Fyra säsonger", "Modebulletin", "Damtidning" och så på. några modetidningar var kort, och de stängdes för "brist på ideologi", och vissa fanns i många år.

År 1932 öppnades det sovjetiska förlaget "Gizlegprom" under Sovjetunionens folkkommissariat för lättindustri och publicerade litteratur om ämnet ljus, textil och lokala industrier och konsumenttjänster, publicering av tidskrifter med modeller av fashionabla kläder. Många syfabriker på 30 -talet började ge ut sina egna modetidningar... Klädmodeller publicerades i damtidningar som "Rabotnitsa", "Krestyanka" och andra.

Ett av huvudtemanen för sovjetisk design på 1920- och 1930 -talen var temat "industridräkt". Det var vid denna tid som ett sådant koncept som overall (industrikläder) dök upp. 1920 -talets artister erbjöd olika alternativ för produktionsdräkter för kirurger, piloter, brandmän, byggare och säljare. Grundaren av den sovjetiska affischen, den lettiska konstnären Gustav Klutsis, designade en gruvsdräkt med en lampa på hjälmen och ett signalbälte, där det fanns ett komplext tangentbord med knappar. Kläder blev liksom en mänsklig mikromiljö. Råvarorna för de första modellerna av sovjetdräkten var alla desamma - duk, linne, calico, chintz, tyg, cykel, bumazeye, grov ull.
Egen dräktteori, exklusive ev mode, försökte utveckla mästarna och ideologerna i Moskva INHUK: Varvara Stepanova, Boris Arvatov, Alexander Rodchenko, Alexey Gan, etc. INHUK - Institute of Artistic Culture (existerade från 1920 till 1924) - en forskningsorganisation inom konst och en kreativ sammanslutning av målare, grafiker, skulptörer, arkitekter, konstkritiker, organiserad i Moskva i mars 1920 vid avdelningen för Folkets kommissariat för utbildning, var en slags diskussionsklubb och teoretiskt centrum.
De första sovjetiska modedesignerna, inklusive Nadezhda Lamanova, och avantgardistiska konstnärer som arbetar inom områden som konstruktivism och suprematism - Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, Alexandra Exter, Viktor Tatlin, Kazemir Malevich var engagerade i utvecklingen av overall för olika typer av industrier . De såg huvuduppgiften i att ”skapa klädformar som inte byggdes på modets traditioner”. Mode skulle ersättas av enkelhet, bekvämlighet, hygien och "socio-teknisk ändamålsenlighet".
Nya konstnärliga idéer vid denna tid började lätt och organiskt tränga in i modevärlden. En ljus och märklig futuristisk dräkt fann sina fans bland unga människor; "Suprematist" -prydnader på tröjor och halsdukar stickade av konstnären Kazemir Malevichs mamma var efterfrågade, liksom Lamanovas skisser för fashionabla sidentoaletter i stil med kubism eller suprematism. Den huvudsakliga metoden för att designa funktionella kläder var identifiering av strukturen: exponering av snittstrukturen, konstruktion av fästelement, fickor. Dräktens professionella identitet avslöjades genom dess design och specifika tekniska enheter. Dräkten blev ett professionellt verktyg för arbete. Innovativa konstnärer övergav medvetet användningen av dekorativa prydnader och trodde att själva tekniken för massproduktion av kläder har oupptäckt konstnärlig potential.
Textilkonstnärer skapar nya mönster tillsammans med bevarandet av traditionella blommönster. Den anmärkningsvärda konstruktivistiska designern Varvara Stepanova var aktivt involverad i utvecklingen av mönster för tyger och modellering av en ny typ av kläder för medborgare i en socialistisk stat. 1923-1924 arbetade hon tillsammans med en annan ljus och begåvad avantgardistartist Lyubov Popova vid First Moscow Calico Factory, där hennes tygmodeller upprepade gånger producerades. Stepanova drömde om att skapa tyger med nya fysiska egenskaper baserat på mönstren i vävtrådar, organiskt kombinerat med grafiska mönster. Hon studerade frågorna om konsumenternas efterfrågan på tyger och kläder och betonade att i Sovjetunionen, för första gången i världshistorien, eliminerades sociala skillnader i kostym och trodde att modernitet snarast kräver ett nytt klädkoncept för arbetare - massiv, men samtidigt mångfaldigt.

På 1920 -talet var det många diskussioner om omorganisationen av en sovjetisk persons liv. År 1928 dök polemiska artiklar om detta ämne regelbundet upp på tidningens sidor. Det diskuterades vilka hus och lägenheter arbetarna behöver, vilka möbler som ska vara, vad inredningen i en sovjetisk person ska dekoreras med, om det finns ett alternativ till spetsservetter, porslinsfigurer, elefanter och andra egenskaper hos det borgerliga livet. En viktig plats i denna diskussion upptogs av frågan, vad ska kostymen vara för en Komsomol -medlem och en kommunist? Problemet med bildandet av den sovjetiska stilen mode var en av de centrala. Till exempel i "Komsomolskaya Pravda" kunde man läsa följande resonemang om ämnet: "det finns ett uttalat behov av att motsätta sig proverna av de" bästa kläderna "från butikerna på Petrovka och Kuznetsky Most med några egna, sovjetiska, "Komsomol" -mode. " Teatervärlden var också inblandad i kontroverser, på scenerna på teatrar kunde man se experimentella projekt av vardags- och arbetskläder, möbler, rationellt utrustad bostad för en sovjetisk person.

Snart, på grund av ständig kritik av konstnärer som inte gjorde sina egna saker, började deras gradvisa avlägsnande från kostymkonsten. Moskvahuset för modeller, som öppnade 1934, gjorde äntligen konstnärlig kostymdesign till en helt oberoende aktivitet. En ny generation konstnärer har dykt upp, för vilka skapandet av fashionabla kläder har blivit ett yrke. Perioden för den vackra utopin om bildandet av ett nytt livsstil är över, kostymkonsten har gått från idylliska konstnärer till modedesigners praktiska händer.

I krigskommunismens tid, när det bokstavligen var brist på bokstavligen innebar hela ordet "overaller" inte bara bekväma kläder för professionella behov. Under "kläder" förstås också en del av den så kallade in natura, varav hälften gavs ut i mat och hälften i saker. Det var omöjligt att tillgodose behovet av skor och kläder från alla som kom, vilket orsakade allvarliga konflikter i samhället. Till exempel, i Petrograd i slutet av vintern 1921, på många fabriker och anläggningar, uteslöts inte bara anställda, utan även personer under 18 år från listorna över sökande till övergripande kläder. På grund av detta började "säckpipor" dyka upp - speciella former av strejker. För att lösa konflikten fick de behövande ett lakan, en handduk och ett par stövlar för tre. Overaller distribuerades enligt principen "klass ranson". Arbetarna och partiet och den sovjetiska nomenklaturen ansågs vara den privilegierade klassen. I samtidens dagböcker kunde man läsa följande poster: ”Vår bror kan inte ens tänka på ett nytt par. Skor distribueras endast till kommunister och sjömän. "
Vid en av gruvorna i Chelyabinsk 1922 bytte administrationen stövlar mot gruvarbetarna mot bastskor. Administratörens anställda klädde sig själva i kängor. Olga Senicheva mindes i vilka kläder hon kom för att arbeta på Fashion Atelier, hon bar tygskor med repsulor och en tunn kappa gjord av hemspunnen duk, som hon fick i present som deltagare i III -kongressen i Komintern, där hon organiserade en utställning om allmänheten och hantverksindustrin för delegater. Författaren Vera Ketlinskaya erinrade sig: "I vardagen hade jag en kjol och två flanellblusar - du tvättar, stryker och tar på dig i tur och ordning, både på institutet och på en fest, hemma och på teatern." Nadezhda Mandelstam, en författare, fru till poeten Osip Mandelstam, skrev: "Kvinnor, gifta och sekreterare, vi gillade alla av strumpor." Ransoneringen av kläder fortsatte till hösten 1922, så att ordet "kläder" fick sin sanna betydelse först 1923.
Införandet av den nya ekonomiska politiken gav invånarna i sovjetstäder en unik möjlighet att lagligt köpa kläder för första gången sedan 1917. NEP - en ny ekonomisk politik som fanns i det sovjetiska landet från 1922 till 1929, syftade till att återställa den nationella ekonomin och den efterföljande övergången till socialism. Ett tag kom privat egendom till sin rätt. Det är sant att ekonomin och köpkraften hos befolkningen växte mycket långsamt, och många arbetare bar slitna uniformer från inbördeskriget.
Med antagandet av NEP -programmet förändrades livet i Sovjet -Ryssland. I ett land som förstördes av revolution och krig, efter omfattande hungersnöd, förödelse och brist på allt, rådde plötsligt överflöd. Butikernas räknare, vars hyllor var tomma tills nyligen, började spricka. Varje invånare i en huvudstad eller en stor stad kunde titta på den plötsligt tillkännagivna sorten av varor, men få kunde köpa dem. Så utsikterna för NEP var inte särskilt ljusa. Landet var fortfarande i ruin, arbetslöshet, fattigdom, försummelse.
I NEP Ryssland dök det upp tidskrifter som annonserade vackert liv och fashionabla kläder, butiker med vackra saker. Allt kunde bokstavligen köpas i Moskva. Många varor hamnade på disken från pantbanken, där människor bar sina varor, ofta rester av arv. Folket ville verkligen köpa inte bara mat, utan också nya fashionabla kläder. Sovjetmedborgare är trötta på "krigskommunism". I NEP Ryssland har trendiga fetischer från mitten av 20 -talet blivit attribut för ett vackert liv - en Marengo -kostym, en Boston -kostym, filtstövlar, mattor och cheviotrockar, pälssälar, astrakhan sake, ekorrrockar, strumpor med pil, Ubigan och Lerigan perfumes de coty "och annan lyx.
Privata företagare - Nepmen började importera kläder till Ryssland från Europa. Nepmen själva och familjerna till mellan- och högt uppsatta funktionärer, liksom kända personer som behandlades vänligt av den sovjetiska regeringen, klädda i dyra fashionabla importerade saker. De som inte hade råd med den nya ekonomiska politikens välsignelser försåg sig med moderna kläder med handarbete, byte av gamla klänningar, omformning av inköpta billiga saker, konstruering av modemodeller av tyger som de lyckades "få" genom att hänvisa till mönster i modetidningar.

• Ett stort antal skräddarsysverkstäder dök upp i NEP Moskva. De mest kända var "Maison de luxe" på Petrovka, "San Rival" på Pokrovka, huset för verkstaden för systrarna EV och GV Kolmogorov, verkstaden "Plisse" av A. Tushnov, studion av Grishchenko, Coppar, Nefedova , Dellos.

• På 1920 -talet började ARS -skolan för konstnärligt broderi verka i Moskva, som drivs av Varvara Karinskaya. Snart öppnade Karinskaya den första Houte Couture -salongen för eliten i Moskva, där de beställde toaletterna till fruen till den kommunistiska "eliten" och Nepmen. Dessutom gick rika modekvinnor till den antika salongen för smycken, som drevs av styvdottern till Varvara Karinskaya, Tatiana. År 1928 emigrerade Karinskaya till Tyskland.

Klädtillverkare, skräddare, skomakare, hattar blev den informella eliten i det sovjetiska samhället under NEP -eran. I Sovjet-Ryssland började ateljéer dyka upp, där högklassiga hantverkare arbetade, endast tillgängliga för regeringsmedlemmar och partiledare. Kreml -damerna började använda skräddarsydda och modedesigners tjänster på det mest aktiva sättet. Särskilt bland dem i mitten av 20-talet ansågs toaletter "från Lamanova" vara den högsta chicen.

Tjugoårsåldern i det nya sovjetiska landet, en fantastisk tid, som kombinerar konstruktivismens avantgardistiska idéer, vanliga arbetares kläder - röda halsdukar, långa formlösa kjolar, tygskor med band och kläder för damer som använder fördelarna med NEP med makt och huvud och klä dig som europeiska klaffar. De första femårsplanerna för chock började redan, och andan i Charleston var fortfarande i luften.

Naturligtvis fanns det alltid en territoriell ojämn fördelning i sovjetlandet mode... Koncentrationen av den sovjetiska modeindustrin var koncentrerad till huvudstaden. Klyftan mellan huvudstaden och provinsen var enorm. På modeområdet var Moskva och provinserna relaterade till "referens" och "imitativa" kulturer. Och om det i stora städer fortfarande var möjligt att köpa, eller, som folket sa, "få" bra saker eller använda tjänster från en ateljé, så för byns invånare konceptet " mode"Det fanns helt enkelt inte. Därför, när man talar om mode för ett ungt sovjetland, måste man beskriva de kläder som invånarna, först och främst Moskva och stora städer, bar.

Under NEP -eran imiterade sovjetiska kvinnor av mode tysta filmstjärnor och ansåg dem vara standarder för skönhet och smak. Bland dem finns Olga Zhizneva, Veronika Buzhinskaya, Vera Malinovskaya, Anel Sudakevich, Anna Sten, Alexandra Khokhlova, Julia Solntseva, Nina Shaternikova, Sofya Magarill, Sofya Yakovleva, Galina Kravchenko, etc. Dessa skådespelers framgångar gick inte utöver gränserna för skådespelerskorna Sovjetryssland, men ofta i sin bild och smink, kopierade de västerländska filmstjärnor.

Fashionistas på 20 -talet hade samma ideal som emanciperade kvinnor över hela världen - en tunn figur som låter dem bära klänningar med låg midja, knälängd, men för sovjetiska damer blev denna dröm inte alltid förverkligad och på modet sätt klänningar måste vara klädda i ganska välmatade former. Konstgjorda blommor, pärlsträngar - äkta eller falska, lindade runt halsen, höga snörskor, räv- eller arktiska rävpälsboas, astrakhanjackor är på modet. Ett viktigt tillbehör för den tidens fashionistas var hattar, som under de första postrevolutionära åren kritiserades som ett tydligt tecken på borgerligheten och aktivt avsattes av röda halsdukar.

I herrklädseln var shimmy eller jimmy stövlar och oxford byxor fashionabla chica - korta, fotlånga och tighta. I mitten av 20-talet är dessa saker relativt prisvärda. Så poeten Daniil Kharms skrev i sin dagbok i september 1926: ”Jag köpte Jims stövlar i Gostiny Dvor, Nevskaya Storona, butik 28”. Leggings (mocka eller linneöverdrag av vitt, som bärs på herrstövlar), servicejackor, byxor, leggings (en speciell sorts mjuka herrstövlar) är populära.

Om det i början av 20 -talet var nödvändigt att observera tecknen på bolsjevismen och bära en blus eller tröja samt en keps, keps och stövlar, så började det i slutet av 20 -talet, tack vare NEP, återuppliva mode för kläder i europeisk stil. Bäverjackor, ytterkläder av tunga och täta tyger - gabardin, kam, matta, cheviot, etc. dök upp i herrgarderoben.Mäns läderskor med trubbiga strumpor - "bulldogs" - betraktades som lyx. Den mycket vanliga kläderna på 20-talet och början av 30-talet var herrlinnebyxor och vita canvasskor som var borstade med tandpulver och randiga T-shirts, som bärs av både män och kvinnor. Stickat användes också i stor utsträckning i herrgarderoben - tröjor, västar, halsdukar etc.

Eftersom inte alla hade tillgång till tjänster som symästare, tyger av hög kvalitet eller bra färdiga produkter, var de tvungna att hitta moderiktiga toaletter från improviserade medel. I memoarerna om författaren Nadezhda Teffi kan man läsa om kvinnors företagande - gardiner och gardiner, lakan och andra säng- och bordsdukar, dukar och överkast användes. Randig madrass teak var mycket populär, liksom alla andra tyger som används i hushållsbruk. Billiga pälsar var mycket populära - kanin, tsigayka. Den färgade kaninen var tidens vanligaste päls.

Det var sant att päls snabbt förklarades som ett tecken på borgarklassen. En enkel toiler var inte tänkt att jaga knappa pälsar, utan att gå på vintern i en quiltad rock med bomullsull. Det var stora problem med skor, eftersom det var omöjligt att sy dem hemma som en klänning eller en blus, och de som inte hade råd med privata butiker bytte skor på klädmarknader eller slitna gamla tills de var helt sönderfallna; på vintern kände de stövlar räddade många.
Under inbördeskriget och NEP var landets främsta "loppisar" marknaderna Tishinsky och Sukharevsky, där man kunde ta på sig skor och klä ut sig för relativt lite pengar eller byta varor mot varor. Tishinsky -marknaden var en favorit shoppingplats för muscoviterna fram till 1990 -talet, men Sukharevsky stängdes tillbaka i slutet av 1920 -talet.
Det viktigaste för en vanlig sovjetarbetare i slutet av 20 -talet - början av 30 -talet var en viss genomsnittlig standard, det var nödvändigt att se ut som alla andra, vara som alla andra, inte sticka ut i någonting. I ett land där ordet kollektivt lät överallt var individualitet inte välkommet. Publiken såg ganska monoton ut.

Fortsättning följer ( Sovjetiskt modehistoria - del två 30 -talet )

Reproduktion av detta material är förbjudet -

Historien om herrmode. 1900 -talets herrmode

1900 -tal på herrmode

Den senaste perioden med förfinad maskulin elegans. Petersburg under silverålderns era var känd för sina dandies. Ryska fashionistas styrdes av engelskt mode. Prinsen av Wales, drottning Victorias äldsta son, senare kung Edward 7, var en stilikon. Det var han som först knäppte upp knappen på västen när han åt tätt. Han introducerade också pilarna på byxorna och de ihoprullade byxorna till mode.
Lång kappa, kappa och bowlerhatt är på modet.

1910 -talet på herrmode

Frackrockarna ersattes av beskurna kavajer utan vadderade axlar med hög midja och långsträckta revers. Herrdräkten har fått en mer långsträckt silhuett. Jazz är på modet och med det en jazzdräkt med pipbyxor och en tätt knäppt jacka. Första världskriget populariserade militäruniformen. Militärmodellen - en trenchcoat (från det engelska ordet trench, "trench") för soldater från den brittiska armén, levererad av Burberry - blir så populär att den fortsätter att bäras i det civila livet.

I S: t Petersburg är den främsta raffinerade dandyn prins Felix Yusupov.

1920 -talet på herrmode

Prinsen av Wales var fortfarande en förebild för mode. Han presenterade de skurna plus fours golfbyxorna, som bärs med långa ullknästrumpor. Under denna period bärs skotska "Fair Isle" -tröjor, Panama-hattar, täta slipsar knutna med en Windsor-knut, jackor med två knappar, fickor, bruna mockaskor och små rutiga engelska kepsar. Förresten, mönstret på herrkostymtyger "Prince of Wales" är uppkallat efter Edward 7, som älskade informella pläddräkter.

I Ryssland är det här tiden för krigskommunism och inbördeskrig. Efter revolutionen 1917 försvann silveråldersdandierna. De ersätts av avantgardisterna i en ny formation.

Moden för den tiden var Vladimir Mayakovsky.

Verkliga killar dök upp i NEP: s era. De bar randiga byxor, fluga, mjuka hattar och båtfolk, och försökte vara som amerikanerna i jazztiden.

1930 -tal på herrmode

Fashionistas imiterar glamorösa Hollywoodstjärnor. Fritidsintressen inom flyg, bilar och sport är populära. En passformig atletisk fysik är på modet.
Dräkterna har fått ett mer maskulint utseende, axellinjen har ökat och bröstet har expanderat, jackan har blivit nära höfterna. Sportkläder, jeans och stickade kläder visas i herrgarderoben. Kepsar och läderhjälmar bar på huvudet. På 30-talet var de så kallade "kaptenens" hattar med lackade visir populära. Klädernas färger domineras av brunt och khaki.

Under krigsåren blev ryska dandies och dudes förälskade i trofémode. Saker som kom från Tyskland och andra länder blev fashionabla varor för dem som senare skulle kallas dandies.

1940 -talet på herrmode

Nyckelbilden av en man under andra världskriget är modig och i militäruniform. Korta rockar och korta jackor med lappfickor var vanliga saker.
Under den första perioden av efterkrigstiden dök ovanliga kostymer upp som kallas zoot (zoot suit) i Amerika, som bestod av en lång dubbelknäppt knälång jacka med breda revers och baggy byxor, avsmalnande längst ner, en bred- kantad hatt bars med kostymen.

På efterkrigstidens sovjetiska sätt, i jämförelse med 1930-talet, blev den faktiska silhuetten bredare, saker verkade vara lite stora. Filthatten var ett viktigt manligt tillbehör för män. De bär dubbelknäppta jackor, vida byxor och långa rockar. Mörka toner rådde. Ljusa och randiga kostymer ansågs vara speciella chica. Även efter kriget förblev militäruniformen vanlig klädsel i det civila livet, bilden av en man i uniform var otroligt populär. Bland annat kom läderrockar på mode.

Sedan 1947 började styling fånga stora kretsar av sovjetisk ungdom.

1950 -tal på herrmode

Efterkrigstidens värld förändrades snabbt, och mode förändrades tillsammans med den. I England, i början av 1950 -talet, dök en stil upp som kallades "Teddy Boys". Denna stil är en slags variation av stilen i Edward 7 (Edwardian era), därav namnet (på engelska är Teddy en förkortning för det fullständiga namnet Edward). De bar avsmalnande rörbyxor med muddar, en rak snittjacka med sammet- eller molskinnsmuddar, smala band och plattformskängor (creepers). Smällarna passar in i spinnaren.
1955 kom rock and roll in i brittisk ungdoms liv, vilket återspeglades i kläder i form av sidendräkter, byxor med klockbotten, öppna krage och medaljonger.
1958 kom Italiens inflytande på engelska sätt. Korta fyrkantiga jackor, avsmalnande byxor, vita skjortor med tunn slips och västar är på modet, en halsduk kikade ur bröstfickan på västen. Stövlarna har fått en vass form (Winkle-picker).

1960 -tal på herrmode

Världen för herrmode genomgår betydande förändringar: industrin för massproduktion av färdiga kostymer lanseras. Den grå kostymen blir kontorsarbetarnas uniform. En lös lång jacka, knappade skjortor, en smal slips, Oxfordskor, en svart ullrock och en filthatt är på modet.

År 1967, bland ungdomar, förnyades teddy-boy-stilen, som fick det nya namnet rockabilly, av trenden med glamrock. Dräkterna har fått prickiga färger.

1970 -talet på herrmode

Till skillnad från 1960 -talet, på 70 -talet fanns det ingen enda trend inom mode, det fanns olika trender. Mode som ett sätt att uttrycka sig själv. Trenderna formades av gatumode. I ungdomsmiljön, hippierörelsen: långt hår, jeans med klockbotten, flerfärgade skjortor, kulor som tillbehör, halshängen och pärlor.

Kläderna blir mer mångsidiga och praktiska. En mängd olika stilar och blandningar används. Turtlenecks blev ett ikoniskt plagg på 1970 -talet. I Sovjetunionen är nudelurturtlenecks populära.

1980 -talet på herrmode

En ny generation lyxiga affärsmän som heter yuppies har uppstått.
Italienskt mode har blivit aktuellt, vilket har gjort populär garvning, svarta glasögon och bruna skor. Herrgarderoben upphörde att vara universell och delades strikt in i affärer, kvällar och vardagar. På företag är klädkoden "arbetar fredag".

I Sovjetunionen, på toppen av populariteten, jeans "bananer" och "kokt". Smeder blomstrade, märkeskläder från utlandet ansågs vara ett tecken på rikedom och stil.

1990 -talet på herrmode

I väst har minimalism, enkelhet och praktik blivit de viktigaste modetrenderna i motsats till den skenande konsumtionen på 80 -talet. Herrkläder har blivit lösare och enklare. Sport är populärt och sportkläder med logotyper av kända märken börjar bli vardag.
Bland ungdomarna är grungestilen utbredd: påsiga kläder i stora storlekar, dystra toner. Mångfalden av subkulturer: rap, hip-hop, rock avgör tonåringarnas utseende.
Unisexstil är populärt. Fritidskläder blir grunden för herrgarderoben.
I Ryssland domineras affärsmode för män av den ökända crimson jackan - personifieringen av framgång och välstånd.
I slutet av 90 -talet leder den utbredda spridningen av informationsteknologi till en snabb spridning av modetrender i världen.

2000 -talet på herrmode

Detta är metroseksualernas era. Kulten av en vacker kropp börjar bli modeidén. Elegant utseende och ett betonat intresse för modetrender är inom mode.

Baserat på källor:
Stilens bibel: en framgångsrik mans garderob / N. Naydenskaya, I. Trubetskov.
D / f Ӂrhundradets andetag. Dandys liv

Kom till vår grupp

Bloggaren Donna Julietta skriver: ”Idag tittade jag igenom olika retrofotografier som fångar människors livshistoria och tyckte sedan att det skulle vara trevligt att se fotografier som relaterade till mode, för att se hur det förändrades, hur intressant fashionistas var klädda då. Och jag bestämde mig, varför inte göra en recension relaterad till mode efter årtionden. Omedelbart kommer jag att göra en reservation som jag inte kommer att ta som exempel kvinnor som var populära vid en viss tid, det är bättre att ägna särskild uppmärksamhet åt dem. Låt oss bara diskutera mode. "

(Totalt 43 bilder)

Post sponsor :: För varje smak. Enorm samling.
Källa: Journal / gör-din-stil

Låt oss börja med 10 -talet på XX -talet.

1. Korsetter höll tillbaka kvinnor i åratal, gjorde deras figurer mycket vackrare och graciösare och livet var svårare. Oförmågan att andas in och ut igen, ständiga sjukdomar på grund av för hårt åtdragna "skal" - allt detta gjorde korsetten, även om den var en betydande del av eran, men mycket obehaglig.
Därför, 1906, andades kvinnor över hela världen bokstavligen ut - en couturier vid namn Paul Poiret föreslog först att bära klänningar med enkelt snitt, utan korsetter. Mycket snart blev sådana klänningar på modet - det var därför de tionde åren kom ihåg som åren av "frigörelse" av kvinnor från förtrycket av en av de mest obekväma klädseln, och Paul Poiret blev en verklig leverantör för kvinnor i det höga samhället .

2. På tiondelarna var rysk chic på modet - "Russian Seasons", som fördes till Paris av den berömda Sergei Diaghilev, var på modet. Balett, opera, konst, utställningar - allt detta åtföljdes av ett stort antal mottagningar där våra damer kunde anta high fashion -konsten bland parisarna.

3. Det var då som alla de kända för oss nuförtiden attribut för "chic life" i garderoben började komma på mode - kvinnor blottade axlarna, började bära mycket boudoir -utseende toaletter, dekorera dem med ett stort antal fjäderfläktar , dyrbara smycken och glänsande tillbehör.

Går smidigt till 20 -talets mode

4. Under denna period gick sport, manliga sportfigurer in i mode med självsäkra steg, och kvinnliga former började gradvis förlora sin relevans och popularitet. Idealet är en smal dam med smala höfter, utan minsta antydan till byst eller annan rundhet. Den berömda Gabrielle Chanel kan kallas reformator och revolutionär för mode under denna period. Tillsammans med henne i dessa tider skapades fashionabla kläder i modehus som Nina Ricci, Chanel, Madame Paquin, Jean Patou, Madeleine Vionne, Jacques Doucet, Jacques Heim, Lucille ", huset för pälsmode" Jacques Heim "och andra .

5. Egyptiska motiv började komma på mode på 1920 -talet. Designernas modeller var dekorativa, med ett överflöd av smycken, broderi i zig-zag-stil. Denna stil kallades "Art Deco" och härstammar från namnet på utställningen av samtida dekorativ och industriell konst i Paris 1925.

6. Det var stilen med utsmyckning och utsmyckning. Dekorelement fanns på möbler, köksredskap och damklänningar.

7. Skor, dekorerade med broderi eller applikationer, dekorerade efter den tidens populära couturiers smak, kom på mode. Art Deco är en eklektisk stil där afrikansk abstrakt exotism blandas med geometriska former av kubism; okonventionella billiga och enkla material blandas med dyra traditionella material av god kvalitet.

8. En sådan kombination av inkompatibel, blandad i en stil.

9. Som ett resultat av 20 -talets modefunktioner:

- huvudelementen i kläder är naturligtvis klänningar, raka snittdräkter;
- veckning är på mode;
- fashionabel kappa med en rak snitt nedtill och med en pälskrage;
- Pyjamasbyxor och pyjamas, där de gick till stranden vid den tiden, är på mode;
- de första badkläderna för kvinnor dök upp - en revolution inom strandmode;
- kläderna sys av billigare tyger och stickade kläder blev en upptäckt;
- sportstil är på modet, inte bara byxor dyker upp, utan också shorts;
- utseendet på den klassiska lilla svarta Chanel -klänningen;

30 -talets mode

10. Under dessa tider blev klädsnitten mer komplex. Kvaliteten på färdig att bära, massproducerad, har förbättrats markant. Hollywood är trendsättare i USA. Men även här började det dyka upp företag som handlades med kataloger som skickades via post. Dessa företag distribuerade nya fashionabla modeller i miljontals exemplar.

11. Långa kjolar blev modestandard under trettiotalets kris. År 1929 var Jean Patou den första att erbjuda långa klänningar och kjolar, vars midja var på plats. Efter denna innovation utökade alla modehus sina modeller i två steg. Först nådde längden på klänningar och kjolar mitten av vaden, och lite senare sjönk nästan till fotleden. Damer som följer modetrender har förlängt sina kläder på egen hand. De sydde på kilar och olika krusiduller.

12. Ett mycket populärt plagg på 30 -talet var streetwear för kvinnor, som fanns i en mängd olika versioner. Ytterkläder - kappor och jackor utmärktes av sin extraordinära elegans och olika stilar.

13. Varje typ av kläder, inklusive en kostym, kännetecknades av en mängd olika former och finish. Snittet på dräkterna blev mer komplicerat, började förlita sig på geometri, vilket ger silhuetten klarhet.

14. Dekorativa detaljer och prydnader användes flitigt i dräkten. Hatt, handväska, handskar och skor - det är vad som borde ha varit i samma färgschema. Tillbehör valdes mycket strikt. Som regel var de svarta eller bruna, och på sommaren var de vita.

15. De tillbehör som valts ut på detta sätt passar enkelt alla klänningar eller kostymer, vilket var relevant under krisen. På 30 -talets sätt spelade tillbehör en stor roll. De flesta kvinnorna under dessa år, förutom en hatt eller en handväska, hade inte råd med något annat.

40 -talets mode

16. Den dominerande modetrenden i början av 40-talet var långa kjolar med flera lager, stora rosetter på kläder, ibland med tillägg av vertikala ränder, lyktärmar. Det är värt att notera att randiga kläder på den tiden var de mest populära. Kriget bröt ut och världen gick in i ett militariserat tillstånd, så 40 -talets mode genomgick betydande förändringar. Kvinnor har ingen tid att tänka på smink och påfyllning av sin garderob.

17. Under denna period förenklades utseendet på outfits kraftigt till minimalism i allt. Naturliga tyger används inte längre för civila ändamål. Kläder för kvinnor började tillverkas och sys av acetatsilke och viskos.

18. Blommönster återvänder till mode: prydnader, små blommor har blivit huvuddekorationen av tyg och klänningar gjorda av detta material. Det blev omöjligt att sy blusar och skjortor av vitt tyg, så manschetter och krage började slå rot på mode. Upptäckten av krigstiden var den populära och numera stilen "militär"

19. Samtidigt släpptes en ny modell av skor: skor med stilettklackar.

20. En annan innovation var produktionen av tröja med turtleneck, dessa modeller med hög krage under halsen fick förtjänat erkännande av fashionistas från den tiden.

50 -talets mode

22. Under efterkrigstiden har sociala skillnader blivit märkbart förvärrade. Hustrur har återigen blivit en symbol för deras makas välbefinnande, som ett slags utställningsplats för omgivningen. Att besöka en frisörsalong och sminka har blivit en obligatorisk ritual för varje kvinna. En idealisk kvinna, även om hon inte arbetade någonstans och var hemmafru, måste vara fullt utrustad tidigt på morgonen: med den perfekta frisyren, klackarna och sminket, stå vid spisen eller dammsuga mattan.

23. Även i Sovjetunionen, där livsstilen skilde sig väsentligt från västvärlden, var det vanligt att göra frisyr i frisör eller perm minst en gång i veckan, vilket också började komma på mode med särskilt snabbhet.

24. 50-talets stil stod i kontrast till timglasets silhuett med den skarpa, bredaxlade silhuetten som var populär under krigsåren. Sålunda infördes särskilda krav på figuren: sluttande axlar, tunn midja, rundade feminina höfter och frodiga bröst.

25. För att uppfylla dessa normer hade kvinnor tajta korsetter, stoppad trasa eller bomull i bh: n och spände magen. Bilderna av den tidens skönhet var: Elizabeth Taylor, Lyubov Orlova, Sophia Loren, Clara Luchko, Marilyn Monroe.

26. Bland den unga befolkningen var standarderna Lyudmila Gurchenko m.fl. En fashionabel och snygg kvinna i 1950-talets stil liknade en blomma i siluett: en fluffig golvlång kjol, under vilken en flerskiktsunderkläder, höga klackar med stiletter, nylonstrumpor med en söm bärs. Strumpor är ett måste-tillbehör för att slutföra utseendet och är extremt dyra. Men vad kvinnor inte gick till för att se attraktiva ut och känna sig som skönheter efter modetrender. Det var problematiskt att köpa tyger vid den tiden, de släpptes i ena handen inte mer än en viss mängd godkänd av den tidens normer. För att sy en kjol till den "nya silhuetten" tog det från nio till fyrtio meter material!

60 -talets mode

Det legendariska 60-talet var det ljusaste årtiondet i världsmodehistorien, gratis och uttrycksfullt, en period av högtidlig procession av det så kallade ungdomsmodet. En ny stil behövde nya frisyrer. Och återigen var London före Paris när det gäller innovativa idéer. 1959 släpptes den franska filmen Babette Goes to War med Brigitte Bardot i titelrollen. En avslappnad fluffad frisyr med en hög, trots att det tar mycket tid för fashionistas att skapa den, blir superpopulär.

27. Tillbehör blev mycket populära: pärlor av stora pärlor, omfattande smycken, makroglasögon som täckte halva ansiktet.

28. I London föddes den mest skandalösa klädseln på sextiotalet - en minikjol, en symbol för frigörelse och den sexuella revolutionen. 1962 visade legendariska Mary Quant den första samlingen av minilånga bitar. Den nya stilen, kallad "London -stil", erövrade mycket snabbt ungdomar i hela världen.

29. 60 -talet - epoken med syntet och allt konstgjort. Syntetiska tyger är utbredda på massmode - de anses vara de mest bekväma och praktiska, eftersom de inte skrynklas och är lätta att tvätta, dessutom är de billiga.

30. Den tidens mode gynnade onaturlighet - falska ögonfransar, peruker, hårstycken, smycken. Höga damstövlar med låga klackar, med en smal eller bred rundad tå av läder eller syntetmaterial, kallad go go, blir superpopulära. Stövlar blev utbredda med framväxten av mini -längdens mode och dansstilen med samma namn.

Mode från slutet av 1960 -talet påverkades av hippierörelsen. Unga människor motsatte sig sociala och klasskillnader, rasdiskriminering och krig. Med sitt utseende betonade hippierna förnekandet av normerna för officiell kultur. Deras kläder är medvetet slarviga och till och med slarviga - slitna jeans, pärlarmband, tygpåsar över axlarna. Utseendets könlöshet betonas, långt hår symboliserar frihet.

70 -talets mode

31. På 1970 -talet blev mode ännu mer demokratiskt. Och trots det som många kallar 70 -talets era med dålig smak kan vi säga att det var under de åren som människor hade fler möjligheter att uttrycka sig genom mode. Det fanns ingen enkel stilriktning, allt var på modet: etnisk, disco, hippie, minimalism, retro, sportstil.

32. 70 -talets motto var uttrycket ”Allt är möjligt!”. För valet av progressiva och aktiva unga presenterade couturiers flera stilar, varav ingen kan kallas dominerande. Det mest fashionabla elementet i garderoben var jeans, som ursprungligen endast användes av cowboys och sedan av hippier och studenter.

33. I garderoben för den tidens modekvinnor fanns även trapezkjolar, utsvängda byxor, tunikor, overaller, blusar med stora ljusa tryck, turtleneck-tröjor, klänningar i A-formad siluett, klänningströjor.

34. Dessutom bör det noteras att kläder har blivit mer bekväma och praktiska. Konceptet med en grundgarderob, bestående av det erforderliga antalet saker som kombineras med varandra, dök upp. När det gäller skor har plattformsskor vunnit popularitet.

35. Av designers på 70 -talet pekades Sonya Rykiel ut, som kallades nya Chanel. Sonya Rykiel skapade bekväma, bekväma kläder: tröjor, koftor, klänningar från ulltrikå och mohair.

80 -talets mode

36. På 80 -talets sätt sammanflätade retrobilder, omtolkade av formgivare, liksom de som föddes av ungdomars subkulturer, musik och danstrender, den fortsatta högkonjunkturen i sport.

37. Hip-hop, gotik, post-punk, rave, house, techno, breakdans, snowboard, skateboard, rullskridskor, stegaerobics-alla dessa fenomen återspeglades i decenniets stil.

38. Listan över ikoniska föremål från ett decennium av stilistiskt frossande är imponerande - vadderade axlar, bananbyxor, militär- och safarikläder, kimono-, fladdermus- och raglanärmar, leggings med ljusa mönster, svarta nätstrumpbyxor, slitna jeans, så kallade dumplings , svarta läderjackor, lurex, massiva smycken, smyckesknappar på jackor, omfattande frisyrer eller styling med effekten av "vått hår", kaskadfrisyrer, spiralperm, hår av dekorativa blommor, till exempel "aubergine", markera "fjädrar". Mycket kosmetika användes i avsiktliga nyanser med gnistrar och pärlemor.

Det massiva 1980 -talet kan beskrivas som överdrivet. Allt är liksom "för" - för smalt, för omfattande, för iögonfallande, för ljust. På 80-talet fick designers som tänkte utanför boxen och skapade ovanliga kläder med ursprungliga inredningselement framgång: Vivienne Westwood, John Galliano, Jean-Paul Gaultier.

90 -talets mode

39. 90 -talets stil i kläder, som har blivit universell, kallas bättre inte en stil, utan en ny inställning till val av kläder. För på 90 -talet förändras själva principen för att skapa din bild, liksom principen som används för att skapa en dräkt. Nittiotalets främsta dragningskraft är "att vara vad du är!" På den tiden ägnades särskild uppmärksamhet åt denimkläder - bara lata gick inte i den. Avid fashionistas lyckades bära jeans med jeansskjortor, väskor och stövlar. Så stilen på 90 -talet kan säkert kallas "denim", eftersom varje person hade en sådan i mer än ett exemplar.

40. På nittiotalet spred sig unisexmode över hela världen: jeans med T-shirt eller löst sittande byxor med tröja, kompletterade med bekväma skor.

41. Nittiotal - tiden för sneakers och platta skor. Denna unisexstil är mycket förtjust i stora italienska och amerikanska företag som Banana Republic, Benetton, Marko Polo. Dräkterna strävar efter enkelhet och funktionalitet, som dock återupplivar traditionerna inom partnerkonst, när det tillsammans med strikt asketism i dräkten finns en avsiktlig teatralitet med en ljus färgskala. Mode förändras beroende på social orientering och territorialitet, som i Europa, föredrar Böhmen konceptuella designkläder.

42. Nittiotalets främsta fashionabla fokus ligger inte på kläder, utan på dess ägare. Ett fashionabelt utseende skapas av en smal figur med solbränd eller mjölkig hy. Kroppskulturen blomstrar som i antikens Greklands dagar. Fashionistas och modekvinnor besöker inte bara idrottsklubbar, utan också skönhetssalonger och använder till och med plastikkirurgiska tjänster. Banor supermodeller blir förebilder, med tv- och modetidningar som gör ett betydande bidrag till detta.

43. Jo då. Detta avslutar min recension. Jag skulle vilja säga att 30-, 50- och 70 -talen alltid är närmare mina preferenser. I allmänhet är allt nytt en länge glömd gammal.

Den första modeskaparen som inte bara var en klädare var (Charles Frederick Worth) (1826-1895). Innan den forne Draper skapade sitt "Maison of Fashion" modehus i Paris hanterades skapandet av mode och inspiration av i stort sett okända människor, och haute couture utvecklades från stilen som bärs vid de kungliga domstolarna. Prisets framgång var sådan att han kunde diktera sina kunder vad de skulle ha på sig, istället för att följa deras exempel, som skräddarna tidigare hade gjort.

Det var under denna period som många designhus började anställa konstnärer för att måla eller skriva mönster för kläder. Endast bilder kan presenteras för kunderna för mycket mindre kostnad än att producera ett verkligt plaggprov i en verkstad. Om kunden gillade designen, beställde de den och som ett resultat tjänade kläderna på huset. Således började traditionen med kläddesigners att skissa ut mönster istället för att presentera färdiga plagg på kundmodeller ekonomin.

I början av 1900 -talet

Under början av 1900 -talet har nästan alla haute couture sitt ursprung i Paris, och i mindre utsträckning London. Modtidningar från andra länder skickas till redaktörerna för parisiska modevisningar. Varuhus skickades till köpare på mässan i Paris, där de köpte copyclothes (och öppet stal stilen på andras linjer och tillbehör). Både skräddarsydda salonger och klädselavdelningar innehöll de senaste trenderna i Paris, anpassade efter butikernas antaganden om deras målkunders liv och fickböcker.

wawaOm tidigt 1900 -talets modetidningar började stilen inkludera fotografi och blev ännu mer inflytelserik än tidigare. I städer runt om i världen var dessa tidningar mycket eftertraktade och hade stor inverkan på allmänhetens smak. Talangfulla illustratörer - bland dem Paul Iribe, Georges Lepape, Erte och George Barbier - ritade utsökta modeplattor för dessa publikationer, som täcker den senaste utvecklingen inom mode- och skönhetsvärlden. Den kanske mest kända av dessa tidskrifter var La Gazette du Bon Ton som grundades 1912 av Lucien Vogel och publicerades regelbundet fram till 1925 (exklusive krigsåren).

1900

Outfitsna som bärs av fashionistas från Belle Epoque (i denna era kallades franska) var påfallande lika dem som pionjären Charles Worth bar under modeens storhetstid. Mot slutet av artonhundratalet utvidgades horisonterna inom modeindustrin i stort, delvis på grund av de mer rörliga och oberoende livsstilen hos många rika kvinnor, som började anta de praktiska kläder som de krävde. Men La Belle Epoque-mode behåller fortfarande 1800-talets sofistikerade, mjuka timglasformade stil. En dam som ännu inte är på modet kommer att (eller kanske) klä eller klä av sig, utan hjälp från tredje part. Det ständiga behovet av radikal förändring, som nu är nödvändigt för att mode ska överleva inom det befintliga systemet, var fortfarande bokstavligen otänkbart.

Anmärkningsvärt slöseri och prålig konsumtion definierade årtiondets sätt och couturierns outfits på den tiden var otroligt extravaganta, sofistikerade, utsmyckade och flitigt gjorda. Den kurviga S-Bend-silhuetten dominerade mode fram till omkring 1908. S-Bend-korsetten var mycket tätt spänd i midjan och tvingades därför av höfterna bakåt och tappade monobrysten framåt i handlingen hos den missnöjda duvmannen som skapade S-formen. Mot slutet av decenniet steg den fashionabla silhuetten gradvis blev något rakare och tunnare, vilket delvis beror på Pauls hög midja Poiret, i en kort kjol Directory klädserie.

Maison Redfern var det första modehuset som erbjöd kvinnor en kostym baserad direkt på sin maskulina motsvarighet, och extremt praktiska och nykter eleganta kläder blev snart en väsentlig del av alla välklädda kvinnors garderob. En annan integrerad del av en välklädd kvinnas outfit var designerhatten. De trendiga hattarna på den tiden var antingen små bakverk som satt på toppen av huvudet, eller stora och breda kantar, trimmade med band, blommor och till och med fjädrar. Paraplyer används fortfarande som dekorativa tillbehör och på sommaren droppas de med spetsar och läggs till den övergripande sofistikerade snyggheten.

1910 år

Under de första åren av 1910 -talet blev den fashionabla silhuetten mycket mer flexibel, flytande och mjukare än på 1900 -talet. När Ballets Russes utförde Scheherazade i Paris 1910 följde orientalismens vurm. Couturier Paul Poiret var en av de första formgivarna som översatte detta mode till modevärlden. Poirets klienter omvandlades omedelbart i flickans harem till fladdrande byxor, turbaner och ljusa färger och geisha till exotiska kimonon. Paul Poiret designade också den första klädsel som kvinnor kunde bära utan hjälp av en hembiträde. Art Deco -rörelsen började dyka upp under denna tid och dess inflytande var också tydligt i många tiders couturiers design. Enkla filtmössor, turbaner och tyllmoln ersatte de huvudbonader som var populära på 1900 -talet. Det bör också noteras att de första riktiga showerna organiserades under denna tidsperiod av den första kvinnliga couturiern, Jeanne Paquin, som också var den första parisiska couturiern som öppnade utomeuropeiska filialer i London, Buenos Aires och Madrid.

Två av de mest inflytelserika sätten för reflekterat ljus. Hans uppskattade kunder har aldrig tappat sin smak för hans flytande linjer och tunna, transparenta material. Samtidigt som Doucet lydde de krav som lämnade lite fantasi hos couturiern, är han ändå en designer med stor smak och diskriminering, men den roll som många har försökt så, men sällan med Doucets framgångsnivå.

Venedigdesignern Mariano Fortuny Madrazo hade en nyfiken figur med väldigt få paralleller i alla åldrar. För sina kläddesigner tänkte han ut en speciell veckningsprocess och nya färgtekniker. Han gav namnet Delphos för sina långa klänningar som är vågiga med färg. Varje plagg var gjord av en enda bit av det finaste siden, sin egen unika färg, förvärvad genom upprepad nedsänkning i färgämnen vars nyanser var ett tecken på månsken eller vattniga reflektioner av den venetianska lagunen. Bretonhalm, mexikansk cochineal och indigo från Fjärran Östern var några av ingredienserna som Fortune använde. Bland hans många hängivna fanns Eleanor Duse, Isadora Duncan, Cleo de Merode, Marquis of Casati, Emilienne d "Alencon och Liane de Pougy.