Definition av musikfraser för barn. Vad är en musikalisk fras och hur man konstruerar den? Frasering i musik

Frasering i musik

Musik är inte förgäves jämfört med den mänskliga rösten, mänskligt tal. Precis som tal består musik av noter (bokstäver), motiv (ord), fraser (satser) och punkter (fullständig text). Om vi uttalar enskilda bokstäver eller ord, kommer ingen att förstå innebörden av det som sades och dessutom kommer inte att känna karaktären och känslomässig färgning av den överförda informationen.

Även i musikaliskt tal - det är nödvändigt att gruppera individuella toner i fraser och perioder, använda metoderna för dynamik (ökning eller minskning av ljudvolym) och ljudextraktion (legato, staccato) för att skapa integritet, förmedla karaktären och bilden av ett musikaliskt verk.

Frasering är ett medel för musikalisk uttrycksförmåga, semantisk och konstnärlig uppdelning av ett musikaliskt verk i fraser och meningar.

Du har säkert märkt att samma musikstycke av en artist kan låta tråkigt och monotont, medan det av en annan kan få ljusstyrka av färger, känslor och bilder.

För att lära dig konsten att frasera, försök att lyssna på mer musik, och inte bara pianomusik, och var uppmärksam på hur artisten kombinerar ljud till musikaliska förslag.

Du kan särskilt tydligt känna särdragen med frasering i vokalverk: sånger och romanser. Sångaren tar ett andetag, som regel, mellan semantiska fraser. Därför, när du lär dig ett nytt stycke, försök att sjunga en melodi och du kommer att rada upp logiska fraser.

Och låt oss nu öva konsten att frasera med exemplet på en romans. Sjung först den här låten och spela den sedan på piano tillsammans med din röst. Försök att kombinera fraser, logiskt koppla dem till romanens text.

I L. van Beethovens välkända pianoverk "För Elise" är uppdelningen i motiv och fraser mycket tydligt uttryckt. I det här exemplet är motiv markerade med ligor. Spela upp varje motiv först och kombinera dem sedan till fraser. I detta musikstycke är fraserna ordnade i 4 takter (öppningstakten från vilken verket börjar och alla efterföljande fraser räknas inte).

Kom ihåg att inte 7 banala toner förmedlar ljudet av bränningen eller klockornas ringande, en trevlig semester eller djup sorg, hjärtligt samtal eller en militär strid. Ljusstyrkan på bilder uppnås med hjälp av frasering, och förmågan att använda den skiljer en professionell begåvad musiker, återspeglar hans konstnärliga smak och kreativa fantasi.

Personligen är det så jag förstår det. Musik är ett extra sätt att kommunicera, ett annat språk. Men med en viktig utmärkande egenskap. Kommunikation genom ord är alltid knuten till sinnet. Ord styrs alltid av sinnet, så de svårt sjuka, galna och kraftigt berusade får delirium istället för tal. Det musikaliska språket styrs av viljan. Här menar jag med testamente inte det fantastiska som hjälper människor att sluta röka. Vilja - känslor. Många av dem. Varm, smärtsam, ledsen, glad.... Det här är en sådan introduktion för mig. Så frasering är, i analogi med vanligt språk, lärdom, ordförråd ... Till exempel: vi träffade alla unga människor på gatan som bedriver ganska primitiv kommunikation och sätter in "kortare" genom ordet. Detta är deras fras. Mer exakt, dess frånvaro. Och det är mycket trevligare att lyssna på någon vars tal är rikt i olika svängar:
"Högsta aktade herre, skulle du vara så snäll, så snart du har ledig tid, värda dig att gå av mig. Jag ville verkligen inte besvära dig över sådana bagateller, men verkligen, herre! Det gör mycket ont och dessutom, den här bussen anländer med all sannolikhet vid min destination.
Detta är ett exempel på vad som kan sägas istället för 10 "kortare" i rad. Kära mästare! Säger jag rätt?

Nu kommer smaken, men...
För mig personligen är exempel på coola fraser följande.

Gary Moore - Jag älskar dig mer än du någonsin kommer att veta.
En fantastisk historia, särskilt med tanke på det faktum att det i harmoni med solot inte finns någon viktigaste funktion - den dominerande. Det dominerande som kontrast underlättar i hög grad konstruktionen av fraser.

Led Zeppelin - Since I've Been Loving You.
Med tanke på att för mig personligen är Page långt ifrån perfekt med frasering (detta gäller liveinspelningar) är solot i den här låten ett mästerverk. Verklig händelse.

AC/DC - The Jack.
Läcker blues från Maestro Young. Det finns inget att tillägga, den måste lyssnas på och filmas som ett utmärkt exempel på att bygga ”ord” och ”fraser” från dur och moll blueslick.

Krokus - Streamer. Måste ha, definitivt! Även om Tommy Kefir var en drogmissbrukare, kom ett geni ner på honom där! Speciellt det andra solot är en pannkaka War and peace in the blues! Ett utmärkt exempel på ljudet av tillagda toner i den pentatoniska skalan.

Del 2.
Nu om tonen i 4:e graden av D-moll - tonen G. Som regel tas den sällan på en moll tonic, och den löses alltid, oftare - i 3:e graden F, mer sällan - i 5:e grad A. Samtidigt, upplösning i F, ger det en lyrisk bild Kommer du ihåg Blackmores Maybe Next Time som fördröjde D - C på Am-ackordet alldeles i början av kompositionen? En upplösning på 5 steg ger ett kallt, lugnt ljud som inte har tecken på sorg, sorg, som i det här fallet bara kan bäras av det molltoniska ackordet. När vi spelar en G-ton på ett Dm-ackord har vi alltså ett val - ett val av stämning. Spelad utan ytterligare tillåtelse utökar den här tonen ljudet av ackordet, men det är bättre, IMHO, att inte spela den på Dm, utan på Dm sus4, eller Dm add4.
När den spelas på ett 4:a ackord (här Gm), låter tonen liknande en 1:a ton som spelas på ett 1:a ackord. Så här måste du tänka på hur du ska närma dig den här noten, om du ska spela den ensam eller lösa in angränsande toner i den. En smaksak för alla.
När det gäller det dominanta septimackordet, eller A7-ackordet i det här fallet, är noten G den septim till det och skärper ljudet av ett redan spänt ackord, "sträcker lyssnarens nerver" och fångar uppmärksamheten till melodin. Detta uttalande är vettigt om du inte tar tonen F före tonen G, vilket inte alls låter särskilt bekvämt på A7, i det här fallet blir stämningen i melodin mer "dramatisk", "heroisk", eftersom melodin går upp. Det är återigen en smaksak för alla.
Notering av 5:e graden av d-moll - A (la). Den "höjer" melodin, låter som oenighet med något, på ett sätt "upprorisk" och originell, speciellt om du kombinerar den med inte alltför förväntade motiv efter den, eftersom det i sig låter ganska tråkigt. Fast det pryder verkligen melodin. Förresten, en ton av bandets 1:a grad, tagen på ett ackord av 4:e graden, skapar en liknande stämning, här - D på Gm.
Taget på A7, eller 5:e ackordet, är A-tonen den bästa klimaxen, det naturliga och, tyvärr, det mest förväntade resultatet av solot, även om dess skönhet inte lider av det. Om vilken oktav att ta anteckningar, förresten, vi pratar lite senare, stämningen beror också på detta.
På ett 4:e ackord (Gm) låter 5:e tonen sorgligt, som ett E på ett Dm-ackord. Och det kanske inte ens löser sig någonstans, på grund av detta ändras dess humör något, ljudet av ackordet visar sig vara förlängt, men inte lika "känsligt", som i fallet med E-noten till Gm-ackordet som beskrivits tidigare.
Genom att skriva in en 5:e ton i ett 6:e ackord får vi en stämning av hopp, glad eller ledsen, beroende på var tonen löser sig. Men det låter bättre inte på ett Bb-ackord, utan på Bbmaj7. Ljudet av ackordet expanderar.
Bb anmärkning. 6:e steget fret i d-moll. Det spelas praktiskt taget inte självständigt på ett molltoniskt ackord, det är tillämpligt, kanske, bara med en oumbärlig upplösning av det 5:e steget eller som en mycket kortvarig färgning av melodin i spansk smak. Det är väldigt dissonant med ackordet av 1:a graden.
Med ett ackord är 4 steg redan lättare. Där är tonen av 6:e graden den not som ger mollljudet till ackordet (jag påminner om - mollläget, Dm). Ger en stämning som liknar den som erhålls när man tar en ton av 3:e graden till ett ackord av första graden, med skillnaden att stämningen blir ännu mer akut, mer desperat, som om någon form av sorg eller smärtsam känsla ber om utgång , dock är det mycket förväntat i en melodi när det är en tur 1 - 4, eller Dm - Gm. Jag försöker att inte använda det i onödan, men det beror helt på humöret.
På 5:e ackordet låter tonen ungefär likadant som på 1:a ackordet, det vill säga ovanligt, men inte särskilt bekvämt. Men förresten, om du gillar melodiska experiment i stil med Robert Fripp - vad tycker du då J. Återigen, ljudet blir inte alls blues, snarare i stil med latin. Ett sådant jävla gäng - Bb-not och A7-ackord...

Låt oss nu prata om inte helt vanliga toner, som ofta inte hör till tonaliteten, men som ändå ger en speciell färgning och stämning till melodin.
Den allra första tonen som kom att tänka på var steg #6 i mollskalan, det vill säga steg 6 höjt med en halv ton. I a-moll är det F#, i d-moll är det B, och så vidare. Ta bara 6:e graden av mollskalan och höj den med en halvton. Ljudet som skapas av denna ton på ackordet av 1:a graden kan beskrivas som mycket ovanligt, kallt, "fristående" från lyssnaren. I bluessammanhang kommer det att låta väldigt vackert, speciellt om du tar en tonböj till det, så "kvävning", extrem känslomässig spänning och förtvivlan uttrycks ... Not # 6 i steget är inte taget på ett molackord av 4:e fretgraden, eftersom. motsäger hans mollskala. För ett ackord med 6 steg - likadant. Men den här tonen låter också bra på dominant, prova själv, jag har svårt att beskriva dess humör, jag kan bara säga att det är ovanligt.
Nu är naturligtvis scenen mest älskad av folket b5 J Ja, vad skulle vi göra utan den...
Även om allt är klart här, kommer vi ändå att analysera några fler nyanser. B5-noten tas sällan av sig själv och löser sig nästan omedelbart. Men om du tar det utan att lösa det till angränsande toner, kan du få ett mycket originellt ljud. Så, på ett ackord med 6 steg. I tonarten d-moll är det Bb7, i a-moll är det F7. Jag skrev septimackord av en anledning, de låter väldigt uttrycksfulla, även om de inte kan appliceras överallt. Noten b5 för lägesnivån är den sjunde i dem, det vill säga den ingår i deras sammansättning. Det låter väldigt karaktäristiskt på dem, bluesigt, på ett så gammalt bluesmanér. Här måste du prova själv.
Stegets b5-ton faller också framgångsrikt på molakkordet på det 7:e steget, i a-moll är det till exempel Gm (och den karakteristiska svängen Gm - A7 - Dm7). Det tar fram den "förväntade" tonen i ackordet till fullo, och låter väldigt originellt när man träffar rätt. Men där kommer det troligtvis inte att vara möjligt att låta noten ljuda utan omedelbart tillstånd. Det låter väldigt konstigt i örat.

Jag kommer inte att tala för alla. Men för mig personligen, snabba låtar (låt oss begränsa oss till lite bluessolo för nu, okej?) - det är som en slags fraseologisk enhet - "Du förstår...", "...kort sagt, titta..." "Hör du, gubbe...", och mellan dem finns själva berättelsen, vad den i själva verket handlar om - vad musikern ville förmedla när det gäller humör, mening ...

Och när en person snabbt börjar prata med alla dessa "..., kort sagt ..." "..., som, ..." "..., det vill säga ...", då vill verkligen fråga, så att han redan har stannat upp och försökt fundera lite och formulera innebörden av budskapet.

Men här, ja.. En smaksak såklart.
Här, vem tände på vad. Och hur mycket hans inversioner kan vara av intresse för andra.
Det är bara det att även i båda dina fraser lät "teknik", men inte "musik". Och "teknik" är ett väldigt individuellt koncept, i extrema fall, för en mycket snäv krets av amatörer. "Musik", "melodi", "energi", "själ" - definitivt bredare - vilken "teknik" som helst bör leda till dem om den används i fredliga syften.

Jag kommer att komplettera med en liten synopsis från L. Mazels bok "Om melodi".
Egenskaper för bandets steg (med förbehåll för att förlita sig på dem):
1 - ihållande avgörande
2 - uppmuntrande, full av hopp
3 - till och med lugnt
4 - tråkig, skrämmande
5 - majestätisk ljus
6 - ledsen, klagande
7 - piercing, känslig
b3 - sorg, svårighetsgrad, tragedi
b6 - akut missnöje, smärta
b7 - tyst sorglig känsla

Lydian major - boost 4 ger mer skärpa, intensifiering av dur
Mixolydisk dur - uppmjukad dur, med en hård underton
Dorisk moll - upplyst, uv.6 - utstrålning i mörkret av naturlig moll
Frygisk - svår
Locrian - begränsad, instabil, fantastisk

Kännetecken för nycklar (Francois Gevaart):
Stor liten
c - hårt / patetiskt
f - modig pastoral / ledsen, religiös passion
bb-stolt/dyster
eb - majestätisk/svår, djup sorg
ab-ädel
db-viktigt
gb-dyster
g - glad / poetisk
d - lysande triumf / modig
a - glad / ljus
e - lysande / ljus
b - mäktig / sorglig, dyster patos
f# - hårt/upphetsad

I klubben! Ett bra ämne, speciellt för den som gillar att fastna i den pentatoniska skalan i en låda

Citat från: Mishok den 3 april 2012 10:09:17

Det finns en tanke om detta, så att det finns en presentation och känslor, i varje lapp som extraheras måste du vara 146 100 procent säker. Om det under spelet finns vissa tvivel, osäkerheter, så försvinner alla känslor.

I bluessolon, IMHO, är tonval sekundärt. De där. du klarar dig med en ruta, 3-4 lappar. Viktigare är den rytmiska och artikulatoriska delen. Eller så här: du målar en bild, duken är ett ackompanjemang, dina ramar är en blå fyrkant. Du kan spara ett collage, du kan fylla allt med färg, du kan försiktigt placera en vinjett i hörnet, eller så finns det en knepig diagonal prydnad. Ju mer komplext arrangemanget är, desto mer skicklighet krävs av solisten för att väva in sitt mönster i det redan vävande. Å andra sidan uppmuntrar ett enkelt arrangemang till komplikationen och utsmyckningen av sololinjen.
IMHO, huvudkriteriet för ett bluessolo är dess livskraft och oåterkallelighet. Det ska vara en integrerad del av låten, som om det inte finns något solo, det är bara att låten är
I allmänhet anser jag att det är nödvändigt att påminna om att lyssnaren inte bryr sig om vilka band-pentatoniska skalor du spelar där, de behöver det för att "ta det till själen" - det är här fraseringen, frågesvaret bara är intressant - något som inte går att reducera till toner och ackord, något i stil med det som kan visas på nivån med ansiktsuttryck och gester
(plötsligt kom en underbar kreativ idé upp, jag ska skriva ner den för att inte glömma)

Jag kommer att fortsätta skriva mina tankar om "matematiseringen" av bluessolot.

Nu om rytmen. Från en lärobok om den klassiska formen av Sposobin lärde jag mig att motiv (som kallades ansikten ovan) kan klassificeras efter rytmiska accenter. Namnen på alla iamber, trokéer, etc. Jag kommer inte skriva här för tillfället. Huvudsaken är att motivet kan börja på ett starkt eller svagt slag och sluta på ett starkt eller svagt slag.
När det gäller blues (och från den till rock och vidare) drog jag följande slutsatser om rytmer:
1. Ett motiv som börjar med ett off beat låter mer självsäkert, bättre, kraftfullare än ett som börjar med ett svagt beat.
2. med slutet av en liknande historia. Att sluta på ett nedslag följt av ett smuts på ett starkt slag, speciellt för en shuffle-rytm, är svårare för mina öron än att avsluta på ett starkt slag. Detta beror troligen på att tyngdpunktsförskjutningen i amerikansk blues-jazzmusik har gjorts. De där. referensljudet låter starkt på jämna åttondelar och sträcker sig naturligtvis längre.

Det föregående betyder inte att du behöver börja på det svaga och avsluta med det. Men dessa aspekter av rytm, IMHO, är också viktiga i frasering.

Så, för frasering, IMHO, är det också viktigt att räkna ut den rytmiska komponenten i motivet genom att försöka växla det till olika beats.

IMHO, någon gång är det värt att ge upp algoritmisering och "bryta ner musik som ett lik och kontrollera harmoni med algebra" och lita mer på din hörsel och intuition.

Konst, enligt min uppfattning, i motsats till hantverk, betyder bara övergången av absolut vilken färdighet som helst till en viss intuitiv, undermedveten nivå, där vi bara kan påverka resultatet indirekt, ofta inte ens kunna förklara exakt hur det erhålls. Dessutom, oavsett vilken färdighet, vare sig det är att kasta knivar, hugga i sten, spela gitarr eller få en flicka till orgasm.

Teori är bra, men det ska inte missbrukas – det stör känslan.

IMHO, du behöver lyssna och improvisera, experimentera med accenter, varaktighet, olika tekniker, marker och ansikten. Den nämnda skiftningen av accenter till jämna beats (alias synkopering) låter dig skapa med allt detta absolut vad ditt hjärta önskar. Sedlarnas storlek och varaktighet får endast ett visst ungefärligt indikativt värde.
Gränser - bara en känsla av proportioner, harmoni och musiksmak hos gitarristen.

Enligt bluesfrasering, jag säger dig, behöver du följande:
0. vi känner till harmoni och pentatonisk skala + blues pentatonisk skala
1. Ställ in hur varje uthållen ton i ett ackord låter till ett av de tre harmoniackorden.
2. för att förstå vad som går vart (böjer), går de vanligtvis till stabila, så en delhänvisning till paragraf 1
3. titta på fraseringsstrukturen i meningen, karakteristiska fraseringsstämplar, till exempel på takt 1-4
ansiktsfråga - ansiktssvar - face makeweight (jogga på pentatonisk skala)
slicka pinwheel - slicka fråga - slicka svar

När vi sjunger en sång från början till slut, känner vi vanligtvis i slutet av sången fullständigheten, fullständigheten i melodin. Varje låt är en integrerad, komplett konstruktion. Samtidigt är varje låt uppdelad i små delar - musikaliska fraser. En musikalisk fras slutar vanligtvis med en viss del av texten: en mening, en strof av en dikt, etc.

Hur är Bashkir-låten "On the Boat" indelad i fraser?

Den här låten är tydligt uppdelad i 4 musikaliska fraser. Varje fras motsvarar en strof i dikten.

Och låten "Oh, and where has it been seen" är uppdelad i 2 fraser:

A. Lepins "Winter Song" är också uppdelad i 2 fraser, även om den är större i storlek än föregående låt:

I dessa låtar avslutas varje fras med ett kort stopp. Detta stopp i slutet av frasen kanske inte är det. Det här är de andra och tredje fraserna i låten "Birdsong":

Momentet för separation av musikaliska fraser kallas caesura. När det gäller sin innebörd ligger caesuror i musik nära skiljetecken i verbalt tal. De skiljer musikaliska konstruktioner från varandra och hjälper till att uppfatta musik tydligare.

Caesura betecknas med tecknet V och indikerar att på denna plats måste du ta ett andetag. Varje fras ska sjungas i ett andetag. Du kan inte ta ett andetag mitt i en fras. Om du tar ett andetag innan en fras börjar, måste du använda den sparsamt så att det finns tillräckligt med luft för hela frasen.
I varje musikalisk fras finns en så kallad topp. Toppen av frasen sammanfaller vanligtvis med den betonade stavelsen i det semantiska huvudordet i denna fras. Det är mycket viktigt för sångaren att hitta toppen i varje musikalisk fras och framföra frasen med strävan mot toppen, med viss förstärkning av klangen mot toppen och sedan försvaga klangen på obetonade stavelser. Detta är en av de viktigaste förutsättningarna för uttrycksfulla, konstnärliga prestationer. Det kan inte bli någon uttrycksfull sång om sångaren är ouppmärksam på ordet, om han likgiltigt framför betonade stavelser och samtidigt obetonade stavelser "hoppar ut" från honom.
Låt oss analysera två låtar från sidan av frasering och stress.

1. N. Levy. "Sång om Masha".

Låten är tydligt uppdelad i 2 fraser. Toppen av varje fras faller på första slaget i tredje
takt. Därför måste låten framföras med följande nyanser:

2. P. Stupel. "Kolla på".

Den här låten består också av två fraser. Toppen av den första frasen faller på det första slaget i den 4:e takten, och toppen av den andra frasen faller på det första slaget i den 3:e takten. Följaktligen bör låten framföras enligt följande:

Sålunda är framförandet av en musikalisk fras med en strävan till toppen, i ett andetag, korrekt framförande av betonade och obetonade stavelser de viktigaste förutsättningarna för uttrycksfull sång. Dessutom bör du, som nämnt ovan, alltid sjunga rent, rytmiskt och med ett vackert ljud. Om åtminstone ett av dessa villkor överträds kan sång inte vara uttrycksfullt.

Fras (i musik) Fras i musik, 1) en relativt komplett del av en melodi, tema. 2) I läran om musikalisk form - konstruktion, genomsnittet mellan motiv och erbjudande . Består vanligtvis av 2 motiv och utgör halva meningen. Kanske en integrerad struktur, inte indelad i motiv.

Stora sovjetiska encyklopedien. - M.: Sovjetiskt uppslagsverk. 1969-1978 .

Se vad "Frase (i musik)" är i andra ordböcker:

fras- öh. fras f. lat. frasuttryck, talvändning. 1. föråldrad. En mening, en fras i skrift. Avsluta din fras när du behöver doppa pennan i bläckhuset; period då. när det behöver göras om. 1793. Krylov lovtal ... Historisk ordbok över gallicismer i det ryska språket

- (Fr., från grekisk fras). 1) tal; också tomma ord, utan övertygelse. 2) en mening, en kombination av ord som uttrycker en tanke. 3) i musik: avdelningen för ett tema eller annan musikalisk tanke. 4) i sång: en melodisk figur som kan sjungas utan att översätta ... ... Ordbok med främmande ord i ryska språket

Ordet "fras" har andra betydelser: se fras (betydelser). Denna artikel eller avsnitt behöver revideras. Vänligen förbättra artikeln enligt reglerna ... Wikipedia

exist., f., bruk. ofta Morfologi: (nej) vad? fraser för vad? fras, (se) vad? fras vad? fras om vad? om frasen pl. Vad? fraser, (nej) vad? fraser för vad? fraser, (se) vad? fraser vad? fraser om vad? om fraser 1. En fras kallas semantisk ... ... Dmitrievs ordbok

- (av grekiska prasis uttryck, uttryckssätt). 1) Vilken liten relativt komplett musik som helst. omsättning. 2) I musikläran. konstruktionsform, som intar en mellanposition mellan ett motiv och en mening. ... ... Musikuppslagsverk

I Fras (från grekiskans phrásis - uttryck) är den grundläggande enheten för tal. Motsvarar meningen (Se Mening) som en enhet av Språket; syntaktisk fonetisk helhet, med en syntaktisk struktur, semantisk fullständighet och intonation ... ... Stora sovjetiska encyklopedien

jag 1. Ett talsegment som uttrycker en fullständig tanke och är ganska oberoende vad gäller intonation; verbalt uttryck för tanke. 2. trans. veckla ut Vackra och pompösa ord som döljer påståendets falskhet eller oskälighet ... ... Modern förklarande ordbok för det ryska språket Efremova

- (grekiska choros) ett samlingsord som uttrycker en välkänd ljudgrupp i till exempel musik. tre strängar i ett piano, stämda unisont, som slås av en hammare fäst vid en tangent, kombinationen av flera register i en orgel till en röst med ... ...

Den musikaliska tanken, frasen, melodin som ligger bakom kompositionen. Beroende på hela verkets form har T. formen av en mening, en punkt samt ett två- eller tregenerationslager. T. ska inte förväxlas med motivet (se): det senare är bara en teckning, ... ... Encyclopedic Dictionary F.A. Brockhaus och I.A. Efron

- (av grekiskan polus many och ponn sound, voice; lit. polyfoni) en typ av polyfoni baserad på samma tid. ljudet av två eller flera melodier. linjer eller melodiska. röster. Polyfoni, i dess högsta bemärkelse, påpekad av A. N. Serov, måste förstås ... ... Musikuppslagsverk

Frasering är ett medel för musikalisk uttrycksförmåga, semantisk och konstnärlig uppdelning av ett musikaliskt verk i fraser och meningar.

Du har säkert märkt att samma musikstycke av en artist kan låta tråkigt och monotont, medan det av en annan kan få ljusstyrka av färger, känslor och bilder.

För att lära dig konsten att frasera, försök att lyssna på mer musik, och inte bara pianomusik, och var uppmärksam på hur artisten kombinerar ljud till musikaliska förslag.

Den musikaliska frasen hänvisar till strukturen på den musikaliska duken. Alla vet inte vad det är, så vi ska försöka reda ut det.

Alla vet att mänskligt tal är uppdelat i fraser som består av ett par ord, och i musik - en musikalisk fras består av två motiv. Ett motiv är den enklaste konstruktionen av flera ljud, där ett av dem är det huvudsakliga. En fras med vanligt tal har inte två lika signifikanta stavelser, och en musikalisk fras innehåller inte heller två referensljud. En av dem kommer ändå att vara viktigare.

logisk stress

Säg till exempel frasen (litterär fras) "rolig historia". Vilken stavelse skulle du vilja lyfta fram? "Ba" i det första ordet eller "det" i det andra? Detta kommer att betyda att detta ord var viktigt och huvudsakligt för dig. Om den logiska tonvikten föll på ordet "rolig", så vill du förmedla till lyssnaren det sammanhang som specifikt förknippas med honom. I det här fallet kommer "historia" att vara av underordnad betydelse.

Hur tolkar man en musikalisk fras i musik om den inte har några ord? Anteckningar kan ju inte beteckna vare sig objekt eller handlingar, och så vidare? Är inte en musikalisk fras en tom form utan innehåll?

Vad handlar musiken om?

Musik kan förmedla känslor och känslomässiga tillstånd hos en person och berätta om något. Hur går det till? Måttenheten är intervallet (två ljud), som förmedlar intonation. En musikalisk fras består som sagt av motiv. De senare är i sin tur uppdelade i intonationer, som är olika i musik, som i tal. Intonation, eller intervall, bär på en känsla eller tanke.

Till exempel har ordet "gå" eller "stig upp" två stavelser, i musik uttrycks det med intervallet "fjärde" och indikerar en uppmaning till handling. Därför, även utan ord, kommer det att vara tydligt att om du tar buglen och spelar detta intervall, så lät en uppmaning till handling. Och en musikalisk fras kan redan förmedla en liten utveckling av en persons inre känslomässiga tillstånd. Jämfört med hela musikstycket kan detta jämföras med en droppe i havet.

Egenskaper för musikfraser:

Hon börjar både på den svaga delen av måttet, och på den starka. Det kan sluta på samma sätt.
Inkluderar starka, relativt starka och svaga metriska beats. Vanligtvis är det tvåtakt.

Hur bygger man en musikalisk fras?

Musik jämförs med tal av en anledning. För om du bara uttalar en uppsättning enskilda bokstäver eller ord, kommer ingen att förstå innebörden av det som sades. Desto svårare blir det att fånga den känslomässiga färgen. Det är samma sak med musik - det är nödvändigt att kombinera enskilda toner till en helhet. Först fraser och meningar, sedan punkter (som regel finns det två fraser i en mening och två meningar med åtta takter i en punkt).

För att skapa en specifik bild är det nödvändigt att lägga till toucher och dynamiska nyanser till konstruktionen av musikaliska fraser. Strokes är ett sätt att extrahera ljud. Till exempel kan en kompositör tänka sig en ryckig föreställning eller en sammanhållen sådan. Dynamics står för volymen.

musikalisk frasering

Musikalisk uttrycksfullhet formas genom frasering. Den delar upp verkets semantiska belastning och konstnärliga avsikt i fraser och meningar. Det är ett sätt att uttrycka musiken. Ett verk av olika artister kan uttrycka olika känslor hos publiken. En begåvad musiker kommer att ge ljusa känslor, skapa uttrycksfulla bilder, och spelandet av en annan kommer inte att orsaka positiva känslor och kommer att inspirera till tristess.

Konsten att frasera kan läras. Du kan utveckla din musiksmak genom att lyssna på klassisk musik, och inte bara piano. Var samtidigt uppmärksam på artistens skicklighet, på hur han kombinerar meningar.

Dragen av ljudvetenskap kan kännas väl i vokala verk, som sånger, romanser, arior. Sångaren leder den musikaliska tanken och gör pauser för att andas precis mellan fraserna. Därför rekommenderas det att börja lära sig ett nytt verk genom att sjunga en melodi som hjälper till att bygga logiska fraser.

Att lära sig romantik

Det är dags för övning. Låt oss försöka utföra fraseringen av romantiken "Jag minns ett underbart ögonblick" av kompositören M. I. Glinka till verserna av A. S. Pushkin. Först uppmärksammar vi det allmänna tempot i verket - det är måttligt snabbt, där melodin börjar, ber författaren att få sjunga försiktigt och enkelt. Observera att frasen börjar på grund av takten, så vi uttalar stavelsen "jag" tyst och lägger en semantisk betoning på stavelsen "av", särskilt eftersom dess vokal varar ganska länge. Samtidigt glömmer vi inte att det måste sjungas försiktigt och enkelt, med önskan om stavelsen "ve". Det här är början på takten, så vi sjunger den mer levande än alla andra metriska taktslag. På stavelsen "nye" bör rösten "ta bort" lite, eftersom detta är slutet på den första frasen och samtidigt ett svagt taktslag. Grattis! Vi gjorde fraseringen av den första musikaliska frasen.