1700 -luvun venäläisen taiteen teoksia. Venäläisen maalauksen eurooppalaiset suuntaukset

1700 -luku on ajanjakso, jolloin valtavia muutoksia tapahtui kaikilla aloilla: poliittisella, sosiaalisella ja julkisella. Eurooppa tuo uusia maalauksia venäläiseen maalaukseen: maisema, historiallinen, arki. Maalauksen realistinen suunta tulee hallitsevaksi. Elävä ihminen on sankari ja tuon ajan esteettisten ihanteiden kantaja.

1700 -luku tuli taidehistoriaan kuvamuotojen aikana. Jokainen halusi saada oman muotokuvansa: kuningattaresta tavalliseen virkamieheen maakunnista.

Venäläisen maalauksen eurooppalaiset suuntaukset

Kuuluisat 1700 -luvun venäläiset taiteilijat pakotettiin seuraamaan länsimaista muotia Pietari I: n käskystä, joka halusi eurooppalaistaa Venäjän. Hän piti erittäin tärkeänä kuvataiteen kehittämistä ja suunnitteli jopa erikoistuneen oppilaitoksen rakentamista.

1700 -luvun venäläiset taiteilijat hallitsivat uusia eurooppalaisen maalauksen tekniikoita ja esittivät kankailleen paitsi tsaareja myös erilaisia ​​bojaareja, kauppiaita, patriarkkaita, jotka yrittivät pysyä muodissa ja usein kehottivat paikallisia taiteilijoita maalaamaan muotokuvan. Samaan aikaan tuon ajan taiteilijat yrittivät rikastuttaa muotokuvia taloustavaroilla, kansallispuvun elementeillä, luonnolla ja niin edelleen. Huomio keskittyi kalliisiin huonekaluihin, suuriin maljakoihin, ylellisiin vaatteisiin, mielenkiintoisiin asentoihin. Taiteilijoiden mielikuva tuon ajan ihmisistä on nykyään runollinen tarina aikansa taiteilijoista.

Silti 1700 -luvun venäläisten taiteilijoiden muotokuvat eroavat kirkkaassa kontrastissa kutsutun ulkomaalaisen maalarin muotokuvista. On syytä mainita, että muiden maiden taiteilijoita kutsuttiin kouluttamaan venäläisiä taiteilijoita.

Muotokuvatyypit

1700-luvun alkua leimasi muotokuvamaalareiden vetovoima puoliparaatteihin ja kamarinäkymiin. 1700-luvun jälkipuoliskon maalareiden muotokuvat antavat aihetta seremoniallisiin, puoliparaatteisiin, kammioihin ja intiimeihin.

Seremoniallinen eroaa muista kuvaamalla henkilöä täydessä kasvussa. Ylellisyyttä - sekä vaatteissa että taloustavarassa.

Osittain paraati-näkymä on kuva mallista polven tai vyötärön korkeudelle.

Jos henkilö on kuvattu neutraalilla taustalla rintaansa tai vyötäröönsä asti, tällaista muotokuvaa kutsutaan intiimiksi.

Muotokuvan intiimi ilme edellyttää vetoomusta kuvan sankarin sisämaailmaan, kun taas tausta jätetään huomiotta.

Muotokuvia

Usein 1700 -luvun venäläiset taiteilijat joutuivat sisällyttämään muotokuvaan asiakkaan käsityksen itsestään, mutta eivät todellista kuvaa. Oli tärkeää ottaa huomioon julkinen mielipide kyseisestä henkilöstä. Monet taidehistorioitsijat ovat jo pitkään tulleet siihen johtopäätökseen, että tuon ajan tärkein sääntö oli kuvata henkilöä niin paljon kuin hän todellisuudessa oli tai sellaisena kuin hän haluaisi olla, vaan sellaisena kuin hän voisi olla parhaimmillaan. Eli minkä tahansa henkilön muotokuvissa, joita he yrittivät kuvata ihanteena.

Ensimmäiset taiteilijat

Venäläisiä 1700 -luvun taiteilijoita, joiden luettelo on yleensä pieni, ovat erityisesti I.N. Nikitin, A.P. Antropov, F.S.Rokotov, I.P. Argunov, V.L. Borovikovsky, D. G. Levitsky.

1700 -luvun ensimmäisten maalareiden joukossa ovat Nikitin, Antropov, Argunov. Näiden 1700 -luvun ensimmäisten venäläisten taiteilijoiden rooli oli merkityksetön. Se keksi vain kirjoittaa valtavan määrän kuninkaallisia kuvia, venäläisten aatelisten muotokuvia. Venäläiset 1700 -luvun taiteilijat ovat muotokuvien mestareita. Vaikka he usein vain auttoivat ulkomaisia ​​mestareita maalaamaan monien palatsien seinät, tekemään teatterimaisemia.

Taidemaalari Ivan Nikitich Nikitinin nimi löytyy Pietari I: n kirjeenvaihdosta vaimonsa kanssa. Hänen siveltimensä kuuluu tsaarin itsensä, liittokansleri GI Golovinin muotokuvaan. Hänen lattiahetmanin muotokuvassaan ei ole mitään keinotekoista. Ulkonäkö ei muutu peruukilla tai hovipuvulla. Taiteilija näytti hetmanin sellaisena kuin hän oli elämässä. Nikitinin muotokuvien tärkein etu on elämän totuudessa.

Antropovin työ on säilynyt Kiovan Pyhän Andreaksen katedraalin kuvissa ja synodin muotokuvissa. Nämä teokset erottuvat taiteilijan taipumuksesta keltaisiin, oliiviväreihin, koska hän on taidemaalari, joka opiskeli ikonin maalauksen mestarin luona. Hänen kuuluisia teoksiaan ovat muotokuvat Elizabeth Petrovnasta, Pietarista I, prinsessa Trubetskoista, päällikkö F.Krasnoshchekovista. Antropovin työssä yhdistettiin 1600 -luvun venäläisen maalauksen perinteet ja Pietari Suuren aikakauden kuvataiteen kaanonit.

Ivan Petrovitš Argunov on kreivi Šeremetjevin kuuluisa maaorjien muotokuvamaalari. Hänen muotokuvansa ovat siro, hänen kuvaamiensa ihmisten aseet ovat vapaita ja liikkuvia, kaikki hänen teoksissaan ovat tarkkoja ja yksinkertaisia. Hän on kamarimuotin luoja, joka muuttuisi myöhemmin intiimiksi. Taiteilijan merkittävät teokset: Sheremetyev -pari, P. B. Sheremetyev lapsuudessa.

Älä ajattele, että tuolloin Venäjällä ei ollut enää genrejä, mutta 1700 -luvun suuret venäläiset taiteilijat loivat merkittävimmät teoksensa muotokuva -lajissa.

1700 -luvun huippu oli Rokotovin, Levitskin ja Borovikovskin työ. Taiteilijoiden muotokuvissa oleva henkilö ansaitsee ihailua, huomiota ja kunnioitusta. Tunteiden ihmisyys on heidän muotokuviensa tunnusmerkki.

Fedor Stepanovich Rokotov (1735-1808)

Fjodor Stepanovitš Rokotovista, joka on 1700 -luvun venäläinen taiteilija prinssi I.Repninin orjista, ei tiedetä melkein mitään. Tämä taiteilija maalaa muotokuvia naisista pehmeästi ja ilmavasti. Rokotov tunsi sisäisen kauneuden, ja hän löytää keinot ilmentää sitä kankaalle. Jopa muotokuvien soikea muoto korostaa vain naisten hauraaa ja tyylikästä ulkonäköä.

Hänen työnsä päälaji on puolipukeutunut muotokuva. Hänen teoksiaan ovat Grigory Orlovin ja Pietari III: n, prinsessa Jusupovan ja prinssi Pavel Petrovichin muotokuvat.

Dmitri Grigorjevitš Levitski (1735-1822)

Kuuluisa venäläinen taiteilija 1700 -luvulla, Dmitry Grigorievich Levitsky, A. Antropovin oppilas, pystyi vangitsemaan ja luomaan maalauksissaan herkästi ihmisten mielentilat ja ominaisuudet. Rikkaita kuvatessaan hän pysyy totuudenmukaisena ja puolueettomana, hänen muotokuvissaan ei ole obsequiousnessia ja valheita. Hänen siveltimensä kuuluu koko galleria 1800 -luvun suurten ihmisten muotokuvista. Juhlallisessa muotokuvassa Levitsky paljastuu mestariksi. Hän löytää ilmeikkäitä asentoja, eleitä ja osoittaa jaloja aatelisia. Venäjän historia henkilöissä - näin Levitskin työtä kutsutaan usein.
Taiteilijalle kuuluvia maalauksia: muotokuvia M. A. Lvova, E. I. Nelidova, N. I. Novikov, Mitrofanov -pari.

Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825)

18-19-luvun venäläiset taiteilijat erottuvat toisistaan ​​vetoamalla niin sanottuun sentimentaaliseen muotokuvaan. Taiteilija Vladimir Lukich Borovikovsky kirjoittaa harkittuja tyttöjä, jotka on kuvattu vaaleissa väreissä hänen muotokuvissaan, he ovat ilmavia ja viattomia. Hänen sankaritarinsa eivät ole vain venäläiset talonpoikaistyyliset naiset perinteisissä puvuissa, vaan myös korkean yhteiskunnan arvostetut naiset. Nämä ovat muotokuvia Naryshkina, Lopukhina, prinsessa Suvorova, Arsenyeva. Kuvat ovat hieman samanlaisia, mutta niitä on mahdotonta unohtaa. se erottuu lähetettyjen hahmojen hämmästyttävästä hienovaraisuudesta, emotionaalisten kokemusten lähes vaikeasti havaittavista piirteistä ja hellyyden tunteesta, joka yhdistää kaikki kuvat. Borovikovsky paljastaa teoksissaan tuon ajan naisen kaiken kauneuden.

Borovikovskin perintö on hyvin monipuolinen ja laaja. Hänen teoksissaan on sekä seremoniallisia muotokuvia että miniatyyrejä ja intiimejä kankaita. Borovikovskin teoksista tunnetuimpia ovat V. A. Žukovskin, G. R. Derzhavinin, A. B. Kurakinin ja Pavel I: n muotokuvat.

Venäläisten taiteilijoiden maalauksia

Venäläisten taiteilijoiden 1700 -luvun maalaukset maalattiin rakkaudella ihmistä, hänen sisäistä maailmaansa ja moraalista ihmisarvoa kunnioittaen. Kunkin taiteilijan tyyli on toisaalta hyvin yksilöllinen, toisaalta sillä on useita yhteisiä piirteitä muiden kanssa. Tämä hetki määritteli juuri tyylin, joka korostaa venäläisen taiteen luonnetta 1700 -luvulla.

Useimmat 1700 -luvun venäläiset taiteilijat:

1. "Nuori maalari". 1760 -luvun toinen puoli Kirjailija Ivan Firsov on 1700 -luvun salaperäisin taidemaalari. Maalaus esittää univormussa olevaa poikaa, joka maalaa muotokuvaa kauniista pienestä tytöstä.
2. "Hectorin jäähyväiset Andromachelle", Anton Pavlovich Losenko, 1773. Taiteilijan viimeinen kuva. Se kuvaa juonen Homeroksen Iliadan kuudennesta laulusta.
3. "Kivisilta Gatchinassa lähellä Connetable-aukiota", 1799-1801 Kirjailija Semyon Fedorovich Shchedrin. Maalaus näyttää maiseman.

Ja silti

1700 -luvun venäläiset taiteilijat yrittivät edelleen paljastaa totuuden ja ihmisten todelliset hahmot orjuuden olosuhteista ja varakkaiden asiakkaiden toiveista huolimatta. 1700 -luvun muotokuvalaji ilmentää venäläisten erityispiirteitä.

Epäilemättä voimme sanoa, että riippumatta siitä, miten eurooppalainen kulttuuri vaikutti 1700 -luvun taiteeseen, se johti kuitenkin kansallisten venäläisten perinteiden kehittymiseen.

Vaikka on myös tunnustettava tosiasia uusien muutosten ilmestymisestä 1600 -luvulle, 1700 -luvun alussa uusi taide kehittyy nopeasti ja voittaa ratkaisevan voiton. Näin ollen 1700 -luvun venäläinen taide eroaa monessa suhteessa jyrkästi keskiaikaisesta muinaisesta venäläisestä taiteesta, vaikka sillä on sisäisiä siteitä siihen. 1700 -luvun taiteen tunnusomaisia ​​piirteitä ovat taiteen sekularisaatio, ts.

Jaa työsi sosiaalisessa mediassa

Jos tämä työ ei sopinut sinulle sivun alareunassa, on luettelo vastaavista teoksista. Voit käyttää myös hakupainiketta

VENÄJÄN TAIDE XVIII vuosisata

1700 -luku on merkittävä ajanjakso Venäjän historiassa.Tämä on käännekohta, rakenneuudistustaloudellinen, poliittinen, sotilaallinen, sosiaalinenVenäjän laitteita sekä muutoksia v koulutus, tiede ja taidetta. Pietarin uudistukset aloittivat uudet muutokset I.

Pietari I käänsi maan eurooppalaisen sivilisaation tielle.Tämä on Venäjän elämän aktiivisen eurooppalaistumisprosessin aikaa.... Siirtyminen antiikin Venäjältä uuteen Venäjään keskiajalta nykyaikaan viipyi Venäjällä lähes kolmesataa vuotta ja tapahtui jo muodostuneilla uusilla elämänmuodoilla lännessä. Vain 50 vuoden aikana Venäjä joutui kaikilla aloilla kulkemaan samaa kehityspolkua, joka kesti 2-3 vuosisataa lännessä.Kehitys saa dynaamisen, intensiivisen ja aktiivisen luonteen. Siksi ja Venäläisen taiteen ominaispiirre on kehityksen "pakkaus".Tämä tiivistäminen sai aikaan useiden tyylien samanaikaisen olemassaolon venäläisessä taiteessa samanaikaisesti, joidenkin kulttuurillisten ilmiöiden epäjohdonmukaisuuden objektiivisten olosuhteiden kanssa, muutosten epäjohdonmukaisuuden puutteen ja niiden synkronisuuden eri taiteen aloilla.Tasaista virtausta lavalta toiselle ei ole, mutta puhumme murtumasta ja terävistä käännöksistä.Vaikka on myös myönnettävätosiasia uusien muutosten ilmestymisestä takaisin XVII vuosisadalla, mutta alussa Xviii vuosisadalla uusi taide on kehittynyt nopeasti ja voittaa ratkaisevan voiton. Pietari I oli veturi, joka ajoi uuden aikakauden muodostumista.Ensimmäisen Venäjän keisariksi joutuneen valtaistuimelle nouseminen merkitsi keskiajan loppua "uskonnollisen hurskauden" vallan, valtion ja kultin kultin sekä maallisen taiteen muodostumisen kautta.

Venäläinen maallinen taide syntyi Pietarin terveisten mölyyn.Pietarilla oli persoonana selvä vaikutus uuden taiteen muodostumiseen. Pietari Suuren aikakauden innovaatiot heijastuivat monin tavoin väkivaltaiseen elämänmuutokseen, uuden muodin hyökkäykseen. Peter lähettää ihmisiä opiskelemaan ulkomaille. Pietari itse on kiinnostunut monista asioista, osoittaa ammattitaitoaan monissa asioissa.

Pyrkimys maailman tuntemukseen, tieteiden kehitys, kirjapainon laajentaminen, tiedeakatemian perustaminen Pietarin vallan lopussa - kaikki tämä vaikutti uuden, maallisen kulttuurin vahvistumiseen. Tietämyksen ja valtion tason paatos tunkeutuu taiteeseen.

Venäläinen taide on astumassa Euroopan yhteisiin kehityspolkuihin luopumalla keskiaikaisesta eristäytymisestä, mutta ei missään tapauksessa rikkomalla vuosisatoja vanhoja kansallisia perinteitä.

Venäläisten tutustuminen eurooppalaiseen taiteeseen tapahtui useilla tavoilla: länsimaiset taiteilijat kutsuttiin työskentelemään Venäjälle, eurooppalaisia ​​taideteoksia ostettiin ulkomailta ja lahjakkaimmat mestarit menivät opiskelemaan merentakaisiin maihin eläkeläisinä, toisin sanoen valtiolle. luotto. Ensimmäiset sanansaattajat - taiteilijat veljet Nikitin, M.Zakharov ja F.Cherkasov - menivät Italiaan vuonna 1716, Andrei Matveev Hollantiin.

Loput, ja he olivat enemmistö, jäivät kotiin ja opiskelivat asehuoneen perinteitä, Pietarin kirjapainoa, Kunstkameraa tai muita ministeriöitä.

Vuodesta 1706 lähtien on järjestetty kaupunginasioiden kanslia, joka nimettiin vuonna 1723 rakennuskansleriksi, joka vastasi kaikista Pietarin rakennustöistä ja yhdisti kaikki niin sanotut valtion arkkitehdit ja maalarit julkisessa palvelussa. Peter kuoriutui suunnitelma Venäjän taideakatemian perustamiseksi, analysoi hänelle ehdotettuja hankkeita. Mutta itsenäistä taideakatemiaa ei järjestetty Pietarin alaisuudessa. Vuonna 1724 keisari antoi asetuksen "Taide- ja tiedeakatemian" perustamisesta, ja vuodesta 1726 lähtien tiedeakatemiassa oli siten taideosasto, jossa päähuomio kiinnitettiin piirtämiseen ja kaiverrus, puhtaasti käytännölliset kiireellisimmät tehtävät ... Vasta vuonna 1748 taideosastoa laajennettiin sisällyttämään arkkitehtuuri-, veistos-, maalaus- ja perspektiiviluokat.

Täten, Venäläinen taide Xviii vuosisata eroaa jyrkästi monilta osin keskiaikaisesta muinaisesta venäläisestä taiteesta, vaikka sillä on sisäisiä siteitä siihen. Taiteen ominaispiirteet XVIII vuosisata ovat taiteen sekularisaatio, ts.taiteen maallinen luonne;valtio, julkinen luonne; Eurooppalaistuminen lainata eurooppalaisen taiteen muotoja; kasvava roolijärkevä ajattelu ja kognitio; realististen suuntausten aktiivinen kehittäminen.

Arvio venäläisestä taiteesta Xviii vuosisata Venäjän ja Neuvostoliiton taidehistoriassa ei ollut sama. Jo 40 -luvulla XIX vuosisata N. Kukolnik valitti meilleovat lähteneet unohtamaan menneisyytensä ja pitämään nykytaidetta "vieraana"... Slavofiilit keskellä ja toisella puoliskolla XIX v. nuhteli edellisen vuosisadan taidettaerottaminen muinaisista venäläisistä juurista... V.V. Stasov, joka ilmaisi demokraattisen kritiikin yleisen kannan, näki hänessävain jalo kulttuurin ilmentymä,aateliston ihanteita, syytti häntäkopiointi ja jäljitelmä, per "Ranskan muodin maakunnallinen toisto"... Viollet le Duc kirjoitti yleensä sen ennen XVIII vuosisadan venäläinen taide oli jousi itään, ja siitä lähtien XVIII vuosisata - länteen ... Ja vasta viimeisellä kolmanneksella XIX vuosisadalla, kiinnittäen yhä enemmän huomiota tämän kauden taiteeseen, olemme erityisen velkaa "taiteen maailmalle". Tämä tutkimus alkoi "Historiallinen näyttely kuuluisien henkilöiden muotokuvista XVI - XVIII vuosisadat. " ja sen luettelon kääntäjän P.N. Petrov, "Taidemaailman" vuonna 1902 järjestämistä näyttelyistä (venäläisen muotokuvamaalauksen näyttely 150 vuotta, 1700-1850) ja 1905. (ns. Tauride, koska se tapahtui Tauriden palatsissa), venäläisen muotokuvamaalauksen näyttelyistä Pariisissa ja Berliinissä vuonna 1906, näyttelystä "Lomonosov ja Elizabethan aika" vuonna 1912, lehden julkaisusta "Vanhat vuodet", suurelta osin omistettu taiteelle Xviii vuosisadalla (1907-1916). Kuitenkin ystäville Xviii vuosisadalla "taiteen maailma" näki myös tuon ajan taiteilijoissa vain taitavia Länsi -Euroopan taiteen jäljittelijöitä.

Tutkimus XVIII vuosisata kesti Xx vuosisadalla. Neuvostoliiton taidehistoria ongelmien ymmärtämisessä ja arvioinnissa Xviii vuosisatoja kului eri aikoja, ja tutkimus on luonteeltaan erilaista - museoiden tekijöistä yleistettyihin teoreettisiin.

”Pietari historiallisena valtiomiehenä”, kirjoitti N. Kostomarov, ”on säilyttänyt meille persoonallisuudessaan sellaisen erittäin moraalisen piirteen, joka tahattomasti vetää sydämemme häneen; tämä ominaisuus on omistautumista ajatukselle, jolle hän omisti sielunsa koko elämänsä ajan. Hän rakasti Venäjää, rakasti venäläisiä, ei rakastanut häntä nykyaikaisen ja alamaisen venäläisen joukon mielessä, vaan siinä ihanteessa, johon hän halusi viedä tämän kansan; ja tämä rakkaus merkitsee hänessä sitä korkeaa laatua, joka saa meidät oman tahtomme ulkopuolella rakastamaan hänen persoonallisuuttaan, jättäen syrjään sekä hänen veriset kostotoimensa että kaiken hänen ahdistavan epätoivonsa, mikä heijastui haitalliseen vaikutukseen jälkeläisiin. Pietarin rakkaudesta Venäjän kansan ihanteeseen venäläinen ihminen rakastaa Pietaria, kunnes hän menettää itselleen kansallisen ihanteen, ja tämän rakkauden vuoksi hän antaa hänelle anteeksi kaiken, mikä on raskas taakka hänen muistolleen. "(N. Kostomarov. Venäjän historia hänen elämäkerransa tärkeimmät hahmot. Vuosikerta 3. s. 243).

Seuraava venäläisen taiteen periodisointi hyväksyttiin XVIII vuosisata:

• 1700 -luvun ensimmäinen puoli:

1700-1725 (ensimmäinen neljännes Xviii vuosisata) - Pietarin aikakausi;

1730-1740 - Anna Iannovnan aika;

• XVIII puoliväli vuosisata (1740-1760) - Elizabeth Petrovnan aika.
• XVIII toinen puoli vuosisata - Katariinan aika II.

VENÄJÄN TAIDE ENSIMMÄISELÄ PUOLESTA XVIII vuosisata.

Ensimmäisellä neljänneksellä XVIII vuosisata , nsPietarin aika, kaikki uuden aikakauden ristiriidat ja konfliktit näkyvät erityisen alasti ja pahentuneessa muodossa. Tällä hetkellä se on läsnä ja "Puhdasta" uutta taidetta ja vanha uuden elementin kanssaja lopulta vainkehitys vanhaan tapaan... Erittäin uusia tyylivälineitä oli myös erilaisia: erikoinen sekoitus barokin, rokokon ja klassismin elementtejä... Keskimmäinen (yhdistävä) linkki alun tyylijärjestelmässä Xviii vuosisata on varhainen barokki, joka sai nimen - "Pietarin barokki".

Petrovskoe barokki- arkkitehtoninen tyyli, jossa italialaisen barokin, varhaisen ranskalaisen klassismin ja rokokon vaikutteet, hollantilainen siviili -arkkitehtuuri ja monet muut tyylit ja suuntaukset sulautuivat yhteen. Jokainen Pietarissa työskennellyt arkkitehti toi rakennettavien rakennusten ilmeeseen oman maansa, hänen edustamansa arkkitehtikoulun, perinteet. Petrine -barokki ei siis ole barokki puhtaimmassa muodossaan, ja tämä termi on melko mielivaltainen. Samalla se varmasti heijastaa Pietarin Suuren aikakauden piilevää, edelleen epäsuoraa suuntausta ja auttaa selittämään venäläisen arkkitehtuurin kehityksen edelleen kypsälle barokille 1700 -luvun puolivälissä.

Venäjän arkkitehtuuri alkoi Xviii vuosisadalle ("Pietarin barokki") on ominaista volumetristen rakenteiden yksinkertaisuus, nivelten selkeys ja koristeellisen ja veistoksellisen sisustuksen hillintä, julkisivujen tasainen tulkinta(julkisivut on jaettu pilasterilla tai terillä, jotka eivät anna teräviä kontrastivarjoja). Tämä on erityisen havaittavissa pään arkkitehtuuriin verrattuna. 1700-luku ja 1700-luvun puoliväli. Toisin kuin tuolloin Moskovassa suosittu Naryshkin -barokki, Petrine -barokki edusti ratkaisevaa taukoa Bysantin perinteistä.

Kaikki arkkitehtoniset mahdollisuudet keskittyivät Pietarin rakentamiseen, joka perustettiin satamaksi ja linnoitukseksi vuonna 1703 ja josta tuli valtion pääkaupunki vuonna 1712.

Oli rohkea, melkein epärealistinen idea rakentaa kaupunki soille vaikean pohjoissodan olosuhteissa. ("Maailman tarkoituksellisin kaupunki", FM Dostojevski sanoi siitä myöhemmin.) Kaikki valtion voimat, ilman liioittelua, heitettiin uuden kaupungin rakentamiseen (Pietari I kielsi tällä hetkellä pystyttämästä kivirakennuksia minne tahansa paitsi Pietari) ... Tämä ei tarkoita, etteikö Moskovassa olisi tehty lainkaan rakennustöitä. Mutta Pietarista on tulossa todellinen keskus, jonka kautta Venäjä elää lännen kanssa. Moskovan ja Venäjän maakuntien arkkitehtuurissa vanhat perinteet elävät puhtaassa muodossaan pitkään.

Voittaja Pietari ei halunnut olla huonompi kuin Euroopan hallitsijat, olla heistä huonompi loistossaan, joten kaikki kotimaiset arkkitehdit ja monet ulkomaalaiset kutsuttiin rakentamaan Pietari ja sen lähiöt: italialaiset, ranskalaiset, saksalaiset ja hollantilaiset.

Vetoomus eurooppalaiseen arkkitehtuuriin tuo Venäjän maaperään toisenlaisen kaupungin ihanteen - säännöllisesti ja järkevästi suunnitellun yhtenäisen arkkitehtonisen kokonaisuuden.Toisin kuin keskiajalla, tämä ei ole enää historiallisen, monessa suhteessa spontaanin kehityksen lopputulos, vaan eräänlainenjättimäinen projektipohjainen työ.

Ranskan kuninkaallinen arkkitehti kutsui PietarinJEAN-BATIST LEBLOND(1679–1719), joka kehittyyPietarin suunnitteluhanke(1716). Tietty abstrakti käsite ja paikallisen helpotuksen monimutkaisuus eivät kuitenkaan mahdollistaneet tämän hankkeen toteutumista, vaikka Leblondin projektin säännöllisyyden yleinen henki säilyi Pietarin arkkitehtuurissa.

Itse kaupungin suunnitelma sen säännöllisyydellä ja symmetrialla sekä sen yhdensuuntaisesti kohtisuoralla katujärjestelyllä, punaisen viivan varrella olevat rakennukset olivat uusia verrattuna muinaisiin Venäjän kaupunkeihin.

Kaupunkisuunnittelu hylkää keskiaikaisen säteittäisen rengasrakenteen ja suosii suorakaiteen muotoista katuverkostoa, pääväyliä, jotka yhdistävät yhden kohdan ja muodostavat "kolmikanavan", ja muita vastaavia asetteluja

Kaupunki nousi ensin linnoitukseksi ja satamaksi, joten yksi ensimmäisistä rakennuksista oliPETER-PAVELIN LINJA(säädetty 16. toukokuuta (27), 1703 Jänissaarella) jaADMIRALTY(telakka) linnoitusten ympäröimänä.

Kaupungin keskusta syntyi ensin Pietarin (Petrogradskin saari) puolella, suoraan linnoituksen suojuksen alla, mutta siirrettiin pian Vasilievskyn saarelle. Kaupungin keskusta oli Admiraliteetin puoli, jossa Nevski- ja Voznesensky -kadut ja Gorokhovaya -katu, jotka nousivat hieman myöhemmin, lähtivät Admirality -tornista kolmipalkkaisella tornilla.

Ulkomaalaisten arkkitehtien keskuudessa suurin rooli arkkitehtuurin kehittämisessä alkoi Xviii vuosisata kuuluiDOMENICO TREZINI(n. 1670-1734), josta tuli tuolloin itse asiassa Pietarin pääarkkitehti.

PETROPAVLOVSKY PETROPAVLOVSKY FORTRESSIN KATEDRAALI(1712-1733, vuoden 1756 tulipalon jälkeen palautettu alkuperäiseen muotoonsa) - uuden pääkaupungin hallitseva piirre,yksi Domenico Trezinin kuuluisimmista rakennuksista... Tämä on kolmilaivainen basilikakirkko, jonka länsiosassa täydentää korkea kellotorni, jossa on torni ja tuuliviiri lentävän enkelin muodossa. Pietarin ja Paavalin katedraali - Pietarin korkein rakennus(televisiokeskuksen tornia lukuun ottamatta)... Sen korkeus on 122,5 metriä, tornin korkeus on 40 metriä, enkelin hahmon korkeus on 3,2 metriä, siipien kärkiväli on 3,8 metriä.

Kellotorni ei ole enää kahdeksankulmainen venäläiselle silmälle tutulle nelikulmalle, vaan yksi useiden tasojen kerros, joka muistuttaa eurooppalaisia ​​kellotorneja tai kaupungintalon torneja. Katedraali oli Venäjän keisarien hautausholvi Pietarista alkaen I.

Maallinen luonnePietarin ja Paavalin katedraalin yleinen ulkonäkö,kuviollisen ratkaisun yksinkertaisuus, paikka rakenteita kaupunkiyhtymän "kontekstissa"- kaikki tämä määritteli Trezzinin työn keskeisen roolin monissa muissa Pietarin ajan muistomerkeissä.

Domenico Trezzini suoritettu myös Pietarin ja Paavalin linnoituksen PETROVSKIE GATES(1707-1708-ensin puussa ja 1717-1718 siirretty kiveen) Venäjän pohjoissodan voiton kunniaksi. Tämä on linnoituksen pääportti, sen itäosasta alkaa ainoa säilynyt esimerkki voittorakenteista Xviii vuosisadalla. Ne ovat yhden kaaren muotoisia, ja niitä kruunaa massiivinen ullakko, jossa on puoliympyrän muotoinen keulapeite, koristeltu valuutoilla ja reliefeillä. Portin koristeluun kutsuttiin kuvanveistäjä Konrad Osner, vanhempi, joka teki puisen reliefiä "Simonin maagin kukistaminen apostoli Pietarin toimesta", vertauskuvallisessa muodossa, joka kunnioittaa Venäjän voittoa Ruotsista (myöhemmin siirretty kiviportille) . Portin kapeita koristivat sodan jumalattareiden Bellonan ja Minervan viisauden patsaat, joiden tekijä on N. Pino.

Suuri rakennus D. Trezini oli KAKSINKymmenentoista oppilaitoksen rakentaminen(ministeriöt) (1722, valmistunut vuoteen 1742, johon osallistui Mihail Zemtsov) korkeammille valtion laitoksille. Kolmikerroksinen pitkä yksittäinen rakennus on jaettu 12 yhtä suureen osaan (soluun) - "korkeakouluun" (jokaisella on itsenäinen katto), jotka on yhdistetty yhdellä käytävällä ja gallerioilla ensimmäisessä kerroksessa (vain yksi on säilynyt tähän päivään). Kaksi ylempää kerrosta yhdistävät pilasterit antavat yhtenäisen luonteen koko rakennukselle.

Pietarin aikana se aloitettiin ja täysinensimmäisen venäläisen museon rakennus, uusi tarkoitukseltaan ja arkkitehtuuriltaan- KUNSTKAMERA , joka rakennettiin peräkkäin toistensa tilalleGeorg Johann Mattarnovi, Nikolai Fedorovich Gerbel, Gaetano Chiaveri ja Mihail Grigorievich Zemtsov(1718-1734). Rakennuksen täydentävä torni oli tarkoitettu tähtitieteellisiin havaintoihin, suuret kaksikorkeat salit kuorojen kanssa toisessa ja kolmannessa kerroksessa - luonnonhistoriallisille kokoelmille ja kirjasto.

Pietarin varhaisista rakennuksista säilyiPETERIN KESÄPAALSI I KESÄPUUTARHASSA (1710-1714, Domenico Trezini, Andreas Schlüterja muut), yksinkertainen suorakulmainen kaksikerroksinen rakennus, jossa on korkea katto. Talossa, joka sijaitsee rannalla, Nevan ja Fontankan yhtymäkohdassa, oli pieni "gavanets" - uima -allas, joka oli yhteydessä Fontankaan ja mahdollisti pääsyn asuntoon suoraan vedestä. Julkisivua pitkin Kesäpalatsi on koristeltu A. Schlüterin ja hänen tiiminsä tekemillä reliefeillä, jotka sijaitsevat ensimmäisen ja toisen kerroksen ikkunoiden välissä Ovidiusin muodonmuutosten teemalla. Kesäpuutarha ("kasvipuutarha", kuten sitä kutsuttiin Pietarin aikana) veistoksineen, suihkulähteineen ja luolaineen on esimerkki yhdestä ensimmäisistä säännöllisistä puistoista Venäjällä. Vuonna 1725 M. Zemtsov rakensi puutarhaan suuren hallin juhlasalin (se ei ole säilynyt).

PALACE A.D. MENSHIKOVA Vasiljevskin saarella Nevan rannalla (1710-1720-luku, arkkitehti).Giovanni Maria Fontana ja Gottfried Schedel , kunnostettu 60-80-luvulla XX vuosisata), edustaa uudentyyppistä kartanoa... Palatsikompleksi koostui uudesta kivipalatsista, vanhasta puupalatsista, kirkosta ja laajasta säännöllisestä puutarhasta uuden rakennuksen takana. Koko kompleksista vain kivipalatsin rakennus on tullut meille, vaikkakin muokatussa muodossa.

Kaupunkikuntien ohella maa -asuntojen rakentaminen alkoi tänä aikana., pääasiassa Suomenlahden varrella: Yekateringof, Strelna, Oranienbaum. Tämän jakson aikana, Peterhof - kuninkaan esikaupunkialue. Peterhofin muodostuminen Versailles'n malliksi jatkui seuraavien suvereenien aikana.

Palatsi- ja puistokokonaisuuden Oranienbaumissa on suuri Menshikovin palatsi, joka on rakennettu arkkitehtien D.M. Fontana ja I. G. Schedel vuosina 1710 - 1727. Suuren Menšikovin palatsin pääjulkisivun pituus on 210 metriä. Palatsin keskiosa on kaksikerroksinen, ja sen vieressä on yksi kerroksinen galleria. Japanin ja kirkon paviljongiin on kiinnitetty kaksi siipeä kohtisuoraan gallerioihin nähden, joten asettelussa palatsi näyttää kirjaimelta "P". Siivet ovat Suuren palatsin sisäpihan raja. Palatsi jakaa Oranienbaumin puiston kahteen eriarvoiseen osaan - alapuutarhaan, jolla on säännöllinen ulkoasu, ja maisemalle Upper Park. Nykyaikaiset panivat merkille kaikkein rauhallisimman prinssin maa -asunnon ennennäkemättömän ylellisyyden, joka tuolloin ylitti Peterhofin laajuudessaan.

Paljon huomiota kiinnitetään jayksityisten asuinrakennusten rakentaminen... Trezzinin johtama rakennusten toimisto on hänen ja Leblonin hankkeiden mukaan suunniteltu pystyttämään ns. Mökkirakennuksia puurunkojen avulla, joissa on savi ja kivimurska: kaksikerroksiset rakennukset olivat pääsääntöisesti jo kivestä rakennettu. Talot erotettiin (pääasiassa kiinteistön pätevyyden mukaan), mutta tässä yhteydessä ne olivat pakollisia rakennustyyppejä, minkä vuoksi niiden tavanomainen nimi on "esimerkillinen" (esim. tyypillinen). Kaupungin rakentaminen yksityistaloineen toteutettiin Länsi -Euroopan mallin mukaisesti: rakennukset sijoitettiin jalkakäytävillepääjulkisivu ei ole sisäpihalle, vaan kadulleja yhdessä aitojen ja porttien kanssaloi yhden rivin katuja ja penkereitä.

Tiilitehtaiden tullessa noin 1710 alkaen alkoi rakentaa tiilirakennuksia, jotka rapattiin, täydennettiin kipsimuoviosilla ja maalattiin. Toinen ja kolmas kerros yhdistettiin tilauselementteihin, katot tehtiin korkeiksi.

Niinpä Pietari muotoutui vähitellen: suoilla ja lukuisilla saarilla, jotka kärsivät Itämeren tuulista ja tulvista, kaukana vanhoista venäläisistä keskuksista, mutta tasaisesti kasvavat, näennäisesti kaiken logiikan vastaiset.

Ensimmäisen puoliskon Moskovan arkkitehtuurin merkittävimmät rakenteet Xviii vuosisata, joka heijastaa uusia suuntauksia, ovat Arsenalin rakentaminen Moskovan Kremlissä, arkkienkeli Gabrielin kirkko (Menshikovin torni) Moskovassa, M.P. Gagarin Tverskaja -kadulla Moskovassa(1707-1708, ei säilytetty).

Arsenal -rakennus Moskovan Kremlissärakennettiin vuosina 1702-36 (arkkitehdit Christopher Konrad, D. Ivanov, Mihail Choglokov) Troitskajan ja Nikolskajan tornien välille ja oli tarkoitettu aseiden ja erilaisten sotilastarvikkeiden säilyttämiseen. Rakennus paloi useita kertoja ja sai lopullisen ilmeensä vuonna 1737, kun arkkitehti D. V. Ukhtomsky lisäsi toisen kerroksen.

Arkkienkeli Gabrielin kirkkotai ns Menshikovin torni Moskovassa (1701-1707, arkkitehti)Ivan Petrovich Zarudny) - yksi parhaista arkkitehtonisista rakenteista Xviii luvulla, jossa perinteinen porrastettu kokoonpano XVII luvulla on yhdistetty barokin arkkitehtonisiin elementteihin ("Moskovan barokki").

Menshikov -torni - arkkienkeli Gabrielin kirkko, Moskovan ainoa kirkon torni. Se rakennettiin Aleksanteri Danilovitš Menšikovin tilauksesta vuosina 1705-1707. Kirkon pääarkkitehdin nimestä on useita versioita. Kuuluisa Moskovan arkkitehti I. Zarudny, jonka johdolla italialaiset työskentelivät: Trezzini, F. Fontana, G. Pando, B. Skala, tunnustettiin virallisesti häneksi. Mutta joskus Trezzini itse, joka rakensi Pietarin ja Paavalin linnoituksen katedraalin Pietariin, kutsutaan myös kirjailijaksi.

Arkkienkeli Gabrielin puukirkko Myasnikissa on merkitty muistiin jo vuonna 1551. Menshikov Polotskin kaupungissa hankki evankelista Lukan maalaaman kuvan Polotskin Jumalan äidistä ja palasi Moskovaan ja määräsi rakentamaan uuden kirkon puukirkon paikalle.

Kerran olemassa olevan tornin neljän kivilattian yläpuolella oli puinen viidesosa, koristeltu kellolla ja kruunattu korkealla tornilla arkkienkelin patsaalla. Kaikkiaan torni oli lähes metrin korkeampi kuin Ivan Suuren kellotorni. Menshikin tornin ylimmässä kerroksessa oli hämmästyttävä kello, joka toimitettiin Lontoosta.

On kuitenkin huomattava, että kirkkoa koskevat työt eivät koskaan olleet täysin valmiita - ikonostaasi oli kesken, sisäinen työ ei ollut valmis eikä kirkkoa itse pyhitetty. Tämä johtuu Menšikovin nimittämisestä uuden pääkaupungin Pietarin kuvernööriksi ja hänen kiinnostuksensa menettämisestä Myasnitskajan Moskovan kartanosta.

13. kesäkuuta 1723 salama iski tornin torniin ja sytytti kupolin. Ihmisten keskuudessa tämä tosiasia selitettiin välittömästi rangaistuksena kaikkein rauhallisimman prinssin ylpeydestä, joka asetti itsensä kuninkaallisen kansan yläpuolelle. Kauhea tulipalo kesti kaksi tuntia, eikä sitä pystytty sammuttamaan tornin erittäin korkean korkeuden vuoksi. Tornin yläosa paloi kokonaan, ja 50 kelloa putosi maahan ja murskasi monet ihmiset, jotka pelastivat kirkon välineitä tulesta.

Tulipalon jälkeen arkkienkeli Gabrielin kirkko hylättiin pitkään ja jäi kesken. Vasta vuonna 1787 se palautettiin tulipalon jälkeen kuuluisan Moskovan vapaamuurari Gabriel Zakharievich Izmailovin, joka asui lähellä Myasnitskajaa. Sitten ilmestyi outo kierteinen kupoli. Temppeli oli mukautettu vapaamuurarien kokouksia varten ja koristeltu vapaamuurarien symboleilla.

1860 -luvulla metropoliitti Filaret (Drozdov) määräsi tuhoamaan kaikki symboliset vapaamuurarien kuvat ja kirjoitukset temppelin sisällä. Ylempiä tasoja ei ole koskaan palautettu. Kirkko pysyi historiallisen korkeutensa alapuolella.

Koska kirkko oli kesä ja jätettiin ilman kelloja, Fyodor Stratilatin temppeli rakennettiin lähelle, joka oli lämmin ja jossa oli kellotapuli. Kuvitettu kupoli ristillä tornissa ilmestyi vuonna 1838 kunnostuksen jälkeen.

Vuonna 1923 kirkko suljettiin Neuvostoliiton vallan alla. 1900 -luvun 40 -luvulla se kunnostettiin vakavasti, jotkut 1700 -luvun elementit luotiin uudelleen, ja temppeli siirrettiin Antiokian patriarkaatille, ja kirkko aloitti toimintansa. Ikonostaasi siirrettiin tänne Pietarin ja Paavalin kirkosta, joka tuhoutui vuonna 1960 Preobrazhenskaya Slobodassa.

Pietarin kuoleman jälkeen Venäjän valtaistuimen ympärillä alkaa todellinen sekaannus niin sanotusta "palatsivallankaappausten aikakaudesta"."Kaikkea maailman pysyvyyttä ei voi verrata Venäjän tuomioistuimen pysyvyyteen", kirjoitti yksi lähettiläistä vuonna 1730.

1730 -luku - Anna Ioannovnan pimeä aika, despoottinen valtiovalta ja ulkomaalaisten valta.

Pietarin I kuoleman jälkeen maku muuttuu, ja nyt Venäjällä parasarkkitehdit rakentavat palatseja keisarinnaille ja arvohenkilöille.1720- ja 1730 -luvuilla. lahjakkaat arkkitehdit M.G. Zemtsov, I.K. Korobov ja merkittävä kaupunkisuunnittelija P.M. Eropkin.

Mihail G.Zemtsov(1688-1743), venäläinen arkkitehti. Varhaisen barokin edustaja. Osallistui kesäpuutarhan luomiseen Pietarissa, palatsikomplekseihin Petrodvoretsissa ja Ekaterinentalissa (Kadriorg, nykyinen Tallinna).

Zemtsovin uskonnollisista rakennuksista suurin oliSimeonin ja Annan kirkko Mokhovaya -kadulla(1731-1734).

Ivan Kuzmich Korobov(1700 (01) -1747) - venäläinen arkkitehti ja insinööri, varhaisen barokin edustaja. Vuosina 1727-38 hän rakensi uudelleen Pietarin amiraalirakennuksen. Korobov suunnitteli tornin, jossa oli korkea kullattu torni, jossa oli tuuliviiri kolmimastoisen laivan muodossa (1732). Admiraliteettirakennuksen uudelleenrakentamisessa alussa XIX Zakharov säilytti Korobovin tornin ja sisällytti sen uuteen kokoonpanoon.

Petr Mihhailovitš Eropkin(noin 1698-1740) - venäläinen arkkitehti ja teoreetikko. Yeropkinin johdolla laadittiin Pietarin yleissuunnitelma (3-säteinen koostumus Admiralteyskaya-osasta, 1737), ensimmäinen venäläinen arkkitehti- ja rakennuskäsikirja "Arkkitehtonisen tutkimusmatkan asema" (1737-41) ) luotiin. Toteutettu osallistujana A.P. Volynskyn salaliittoon Bironia vastaan.

Ratkaiseva siirtyminen vanhasta uuteen, eurooppalaisen taiteellisen "kielen" omaksuminen ja johdatus maailman taiteen kokemukseen näkyvät erityisesti maalauksessa. Kuitenkin vanhan venäläisen maalauksen taiteellisen järjestelmän ravistelu tapahtui, kuten olemme nähneet, takaisin sisään XVII vuosisata.

XVIII luvun alussa v. öljymaalaus maallisesta aiheesta alkoi olla tärkein paikka maalauksessa.Länsi -Euroopan taiteen vaikutuksen alaisena ilmestyi uusia genrejä ja uusia aiheita..

Erityisen merkittävä ilmiö venäläisessä taiteessa alussa XVIII vuosisata siellä oli muotokuva.Hän ei vain saanut nopeaa kehitystä näinä vuosina, vaan saavutti myös merkittäviä menestyksiä, jotka perustuivat aikakauden ominaiseen lisääntynyttä kiinnostusta ihmisen persoonallisuutta kohtaan.

Muotokuvien kukinta Xviii vuosisadan valmisteli toisaalta melko korkea Parsunan kehitystaso lopussa XVII vuosisadalla, toisaalta - Länsi -Euroopan maalauksen vaikutus.Venäläisten taiteilijoiden omaksuttiin uusia maalaustekniikoita ja figuratiivisia ratkaisujaulkomaisten eläkeläismatkojen kautta sekä Peterin kutsumien ulkomaisten taiteilijoiden vaikutuksen alaisena.

Ulkomaalaisten maalareiden joukossa näkyvin paikka oli saksalainenJohann Gottfried Tannauer(1680-1737) ja ranskaksi Louis Caravac (1684-1754).

Johann Gottfried Tannauersaapui Venäjälle vuonna 1711 ja opetti mestareille Länsi -Euroopan myöhäisbarokin tekniikoita (Pietarin muotokuvia) Minä , Alexei Petrovichin muotokuva, A.D. Menšikov, 1727). Yksi hänen parhaista töistään -muotokuva kreivi P.A. Tolstoi (1719).

Ranskalainen Louis Caravac , "Ensimmäinen tuomioistuimen molaari", loi muotokuvia koko kuninkaallisesta perheestä ja esitteli venäläisille rokokootaiteen: muotokuvia Pietarista I, hänen tyttäristään - muotokuva Tsarevna Natalya Petrovna(1722), kaksinkertainen muotokuva prinsessa Annasta ja Elizabeth Petrovnasta(1717), muotokuva Pietari I: n lapsenlapsista Peter ja Natalia lapsena, Apollon ja Dianan kuva(1722), myöhemmin - keisarinna Anna Ioannovnan muotokuva(1730) ja keisarinna Elizabeth Petrovnan muotokuva (1750).

Omien jäljettömiensä kouluttamiseksi Peter Minä esittelee eläkkeelle siirtymisen, vuonna 1716 ensimmäiset venäläiset taiteilijat lähtivät ulkomaille opiskelemaan uutta, maallista taidetta.

Yksi venäläisen taiteen uuden maallisen maalauksen ensimmäisistä venäläisistä taiteilijoista XVIII vuosisataa pidetään IVAN NIKITICH NIKITIN(1680 -luvun puoliväli - aikaisintaan 1742). Hänen elämäkerransa on monella tapaa traaginen. Moskovan papin poika, tunnustajan Pietarin veljenpoika, hän muodostettiin varhain taiteilijaksi ja esitti kuninkaallisen perheen muotokuvia jo ennen ulkomaille lähtöä: MUOTOKUVA PROSKOVIA IOANNOVNA,PETERIN NEGENDANTIT I (1714, RM); MUOTO TSESAREVNA ANNA PETROVNA(viimeistään 1716, Tretjakovin galleria),Natalia Alekseevnan muotokuva, rakas Pietarin sisko I (1716, Tretjakovin galleria).

Praskovja Ioannovnan muotokuvassa on edelleen paljon vanhasta venäläisestä maalauksesta: ei ole anatomisesti oikeaa, lomakkeen mustavalkoinen mallinnus suoritetaan vaalentamalla pimeästä vaaleaan, asento on staattinen. Värirefleksejä ei ole. Valo on tasainen, hajautunut. Ja jopa hauras vaatteiden taitokset muistuttavat jonkin verran vanhoja venäläisiä aihioita. Mutta kaiken tämän kanssa Praskovya Ioannovnan persoonassa luetaan hänen sisäistä maailmaansa, tiettyä luonnetta, omaa ihmisarvoa. Tämä kasvot, joilla on suuret, ilmeikkäät silmät surullisesti katsojaa katsoen, ovat sävellyksen keskipiste. Näissä kasvoissa ei ole varjostusta, mitään ylimielistä, mutta on upotusta itseensä, joka ilmaistaan ​​rauhan, staattisuuden, hiljaisuuden tunteessa. Kuten runoilija sanoi, "kauneuden on oltava majesteettista".

Opiskelu Italiassa kesti 1716–1719. Ennen lähtöä Peter Minä tapasi henkilökohtaisesti Nikitinin, kirjoitti Catherine Minä niin että hän käski Nikitinin, joka ajaa Berliinin läpi, maalaamaan Preussin kuninkaan muotokuvan, "... jotta he tietäisivät, että myös meidän kansastamme on hyviä mestareita." Taiteilija opiskeli Venetsiassa ja Firenzessä.

Vuoden 1720 alussa Peter muistutti Nikitinistä, teki taiteilijasta hoffmanin, "henkilökohtaisen mestarin", esitteli hänelle talon Pietarin keskustassa. Viimeiset viisi vuotta ennen Pietarin kuolemaa ja siitä tuli Nikitinin luovuuden kukoistus.

Eläkeläiset auttavat taiteilijaa vapautumaan vanhan venäläisen maalauksen rajoituksista, joistakin piirteistä, mutta se ei muuta hänen yleistä taiteellista maailmankatsomustaan, käsitystään taiteen tehtävistä ja rikastuttaa häntä tietämyksellä kaikista eurooppalaisen tekniikan hienouksista.

Kirjoitettu ulkomailta palattuaan"SERGEY GRIGORIEVICH STROGANOVIN MUOTO"(1726, RM) kuvaa tyylikästä, energiaa täynnä olevaa hovimiestä, joka tuli teollisuusmiesten ympäristöstä. Muotokuva on lähellä "italialaisia" muotokuvia yleisellä sommitteluratkaisulla, kuvan asettamisella avaruuteen ja värikkäällä asteikolla. Taustalla on aina hieman tasainen, "ikoninen" luonne, josta kuvio "ulkonee". Lisävarusteilla ei ole merkittävää roolia, kaikki mestarin huomio keskittyy kasvoihin.

"CHANCELLOR GAVRIIL IVANOVICH GOLOVKININ MUOTO"(1720-luku, Tretjakovin galleria) kuvaa älykästä, voimakastahtoista diplomaattia, joka tuntee kaikki valtion politiikan hienovaraisuudet ja jolla on jännittynyt sisäinen elämä, henkinen vakavuus, keskittyminen, melkein melankolia.

"LATTIAHETMANIN MUOTO”(1720 -luvulla, RM) omaa vielä enemmän sisäistä psykologiaa ja kuvallista virtuoosisuutta.

Nikitin kirjoitti Pietarille monta kertaa Minä ... Hänelle myönnetään kuuluisa PETER I MUOTO (ympyrässä, 1620, Venäjän museo). Venäjän keisari on kuvattu ilman vallan ominaisuuksia, joita eurooppalaisten hallitsijoiden hovimuotokuvamaalarit käyttivät hyväkseen. Hän tekee vaikutuksen itsevaltion ulkonäön majesteettisuuteen, taipumattoman tahdon tunteeseen ja samalla yksinkertaisuuteen ja inhimillisyyteen.

Kammio-turkispäiväkirjan kirjoituksista tiedetään, että hän kirjoitti keisarille ”Kotlinin saarella” vuonna 1721. Firenzestä löydettiin kaksi parillista seremoniallista kuvaa Pietarista ja Katariinasta, jotka taiteilija oli maalannut Italiassa vuonna 1717. ritarikunnan kanssa Catherine. Ermiinillä vuoratut punaiset kylpytakit korostavat kuvan loistoa. Muotokuva todistaa Nikitinin erinomaisesta tutustumisesta yleiseurooppalaiseen edustusbarokkimuotoon.

Toinen muotokuva Nikitinistä on täynnä aitoja syviä tunteita ja vilpitöntä menetyksen surua."PETER I KUOLEMASVALHASSA "(1725, RM). Muotokuva on maalattu kuin yhdellä istunnolla, kuten luonnos, a la prima , punaisella pohjalla, paistaen nestemäisten valovirtuoosien läpi.

Keisarin kuolema merkitsi Nikitinin elämän viimeisen traagisen vaiheen alkua. Anna Ioanovnan hallituskaudella taiteilija muutti Moskovaan, liittyi oppositioon ja vuonna 1732 pidätettiin yhdessä veljiensä kanssa syytöksistä kirjeiden pitämisestä pyhän synodin varapresidenttiä Theophan Prokopovichia vastaan. Kidutuksen jälkeen Ivan Nikitinia pidettiin eristyssellissä Pietari -Paavalin linnoituksessa viisi vuotta, sitten häntä lyötiin ruoskalla ja vuonna 1737 "rauhasissa" hänet lähetettiin saattueessa iankaikkiseen työhön Tobolskiin, missä hän jäi vuoteen 1742 asti. Täällä hänelle annettiin armahdus, mutta hän ei päässyt Moskovaan, todennäköisesti hän kuoli tiellä.

Hänen veljensä Roman, joka opiskeli hänen kanssaan Italiassa ja sai saman traagisen kohtalon, jatkoi työskentelyä Moskovassa maanpaossa olon jälkeen. Muotokuvaajana Roman Nikitin oli mittaamattoman arkaainen taidemaalari. Voimme arvioida hänen työstään vain Maria Stroganovan muotokuvan (n. 1722, Venäjän valtion museo) sekä hänen miehensä Grigory Stroganovin aiemman muotokuvan perusteella (1715, Odessan kuvagalleria).

Toiseksi tunnetuin taiteilija, joka rikastutti venäläistä taidetta ensimmäisen puoliskon aikana Xviii vuosisadan saavutukset Euroopan maalauskoulussa, oli ANDREY MATVEEVICH MATVEEV(1701-1739).

”Elämänsä viidestoista vuotena”, kuten hän itse kertoi raportissaan, hän lähti tsaarin vaunuun Hollantiin, missä hän opiskeli muotokuvaaja A. Boosenin kanssa, ja vuonna 1724 hän muutti Flanderiin, Antwerpenin kuninkaallinen akatemia, jota edelleen vauhdittavat Rubensin kunnia ja flaamilainen kuvakoulu XVII vuosisatoja ymmärtämään historiallisten ja vertauskuvallisten maalausten luoneiden mestareiden salaisuudet. Vuonna 1727 hän palasi kotimaahansa.

Eläkekaudelta tiedetään yksi A. Matvejevin allekirjoittama ja päivätty 1725 -teos"ALEGORIA MAALAUKSESTA"... Tämä on ensimmäinen maalausteline maalaukselta, joka on peräisin vertauskuvallisesta juonesta ja joka on säilynyt meille Venäjällä. Pienikokoinen, maalattu parkettilaudalle, se kuvaa vertauskuvallista maalaushahmoa, joka istuu cupidien ympäröimällä telineellä. Hän poseeraa Pallas Athenalla, jonka hän antaa kankaalle Katariinan piirteistä Minä ... Tällaisen muodonmuutoksen ei pitäisi olla yllättävää, jos muistat, että Matvejev lähetti tämän työn keisarinnaan pyynnöllä jatkaa opintojaan, ja tätä varten hänen täytyi osoittaa taitonsa. Teos sisältää myöhäisbarokin flaamilaisen koulun piirteitä ja paljastaa taiteilijan rikkaat koloristiset lahjakkuudet.

Ehkä Matvejevin kirjoittama kuuluu opiskelijoiden eläkevuosiinPietarin muotokuva soikeassa(n. 1725, GE).

Palattuaan kotimaahansa Pietariin Matvejev osallistuu välittömästi kaupungin pääkatedraalin - Pietari ja Paavalin katedraalin - suunnitteluun. Vuodesta 1730 kuolemaansa Andrei Matveev, ensimmäinen venäläisistä mestareista, rakennuskanslerin "maalausryhmän" johtaja, valvoo kaikkia Pietarin ja sen ympäristön monumentteja ja koristeita. Yhdessä tiiminsä kanssa hän koristaa kahdentoista kollegian senaattisalin viehättävillä paneeleilla (nykyään Pietarin yliopiston Petrovski -sali), maalaa kuvakkeita monille Pietarin kirkoille, erityisesti Simeonin ja Annan kirkolle. MG Zemtsov tekee useita muita töitä. Mutta vain Matvejevin maalausteokset ovat tulleet meille, sillä melkein kaikki monumentaalimaalaukset katosivat yhdessä sisätilojen kanssa, joita varten ne esitettiin.

Vuonna 1728 Matveev sai tilauksenpuolisoiden muotokuvia I.A. ja A.P. Golitsyn(Moskova, I. V. Golitsynin yksityiskokoelma). Näistä mielenkiintoisin onMUOTO A.P. GOLITSYNOY, prinsessat, valtion naiset, ja samalla Pietarin "Kaikkien huokaavien katedraalin" "prinssi-apostoli" ja "ilotulitus" Catherine Minä , lyöty batogien kanssa Tsarevich Aleksein tapauksen yhteydessä.

Matveev luo epätavallisen ilmeikkään luonteen, joka kertoo mallin kasvoille pahimman sekoituksen röyhkeyttä, ylimielisyyttä ja samalla kaunaa ja hämmennystä, surua ja väsymystä. Ja tämä on vieläkin yllättävää, että taiteilija on säilyttänyt tavanomaisen tilausmuotokuvan: olkapään käännöksen, ylpeästi asetetun pään ja tarvittavat asusteet. Ei tuomitsemista, mutta sympatiaa mallille taiteilija ilmaisi tässä muotokuvassa.

"IHMISMUOTO VAIMENNEEN"(1729 (?), RM) - A. Matvejevin kuuluisin teos.Matveev oli ensimmäinen venäläinen taiteilija, joka loi runollisen kuvan avioliitosta. Vilpittömyys ja yksinkertaisuus, uskottavuus ja avoimuus, sanoitukset ja hengellinen puhtaus ovat sen pääpiirteitä.

Muotokuvan takana on ylpeä kirjoitus: ”Matveev Andrey, ensimmäinen venäläinen taidemaalari ja hänen vaimonsa. Taiteilija itse kirjoitti. "

Matvejevin maalaus tässä teoksessa saavuttaa täydellisyyden ja todistaa hänen luovien voimiensa täydellisestä kukoistuksesta.Matvejevin maalaus on läpinäkyvä, jossa on epäselviä mustavalkoisia sävyjä, liukenevat ääriviivat, runsaasti lasitteita, ja siinä on herkkä, siro väritys.

I. Nikitiniä ja A. Matvejevia pidetään oikeutetusti venäläisen maallisen maalauksen perustajina XVIII vuosisata. Heidän maalauksensa osoittaa huomattavan hallitsevansa Länsi -Euroopan käsityötekniikoita säilyttäen samalla kansallisen hengen ja luovan yksilöllisyyden, olipa kyse sitten Nikitinin kuvien vakavuudesta, jopa askeettisuudesta tai Matvejevin hienovaraisuudesta ja runoutta. Matveev oli sellaisten maalareiden opettaja kuin Vishnyakov ja Antropov, joiden perintö puolestaan ​​heitti eräänlaisen "sillan" vuosisadan jälkipuoliskon kuuluisien mestareiden työhön.

Alussa monipuolinen Xviii vuosisadalla oli muotokuva pienoiskoossa, josta löytyy muinaisen Venäjän käsikirjoitusten ja kirjojen miniatyyrien ja emalille maalaamisen perinne. Suurimmat mestarit olivat Andrei Grigorievich Ovsov (noin 1678-1740 / 50s) ja Grigory Semenovich Musikisky (1670 / 1- 1739 jälkeen). Suunnitelma aikakaudelle on "Pietarin muotokuva Minä "G.S. Musikiyisogo (1723, GE).

Grafiikka, joka oli tehokkain ja liikkuvin taidemuoto, joka reagoi nopeasti ajan tapahtumiin, nautti erityistä menestystä Pietari Suuren myrskyisillä aikoilla.Suurikokoiset kuvat painivat venäläisten aseiden voittoja merellä ja maalla, juhlalliset sisäänkäynnit kaupunkeihin, kaupunkinäkymät - kaupunkikokoukset, ilotulitus loistavien voittojen kunniaksi, kuuluisien ihmisten muotokuvia. Grafiikkaa käytettiin opetustarkoituksiin (kalenterit, atlasit). Kaivertaja Aleksei Rostovtsev osallistui ensimmäisen venäläisen maapallon luomiseen.

Myös Pietarin kutsumat ulkomaiset kaivertajat työskentelivät Venäjällä. Niinpä jo vuonna 1698 taitava kaiverrusmestari Shkhonebek (Schonebek, 1661-1705) saapui, ja hänen sukulaisensa Peter Picart (1668-1737) tuli hänen peräänsä.

Kuparikaiverruksen liikkuvalla massataiteella oli omat pitkät perinteet Venäjällä ja se kukoisti erityisesti lopussa XVII vuosisatoja asehuoneen työpajoissa. Sieltä ovat peräisin sellaisten Pietarin ajan merkittävien kaivertajien työ, kuten veljekset Aleksei ja Ivan Zubov (asehuoneen maalari Fjodor Zubovin pojat), Aleksei Rostovtsev. Opittuaan Schonebeckiltä useita uusia tekniikoita he säilyttivät venäläisen kaiverruksen kansallisen luonteen.

Suuri veistoksen ja etsauksen mestari alussa Xviii vuosisadalla oli ALEXEY FEDOROVICH ZUBOV(1682 / 3- 1749 jälkeen).

Dokumentoidut tarkat arkkitehtoniset maisemat - vyveda, joka perustuu lineaarisen perspektiivin tekniikoiden yhdistelmään, luo Pietarin kuvan, jättiläisen merivoiman nuori pääkaupunki("PANERAMA PETERSBURGISTA"(kahdeksalla arkilla yhdessä, 1716).

Arkkitehtuuristen motiivien lisäksi Zubov loi jataistelun graafiset laskentataulukot- kuvaavat sotilaskampanjoita ja Pietarin laivaston voittoja("Vangittujen ruotsalaisten fregaattien juhlallinen saapuminen Pietariin", 1720).

Veduteissaan ja taisteluissaanlakoninen viivataide vallitsee, valkoisen paperin värillä on tärkeä rooli, koostumus on yksinkertainen ja looginen, kaikki tila on useimmiten jaettu kolmeen suunnitelmaan... Veduteissa, etualalla, esitetään genre -kohtaus, toisessa on vesitila ja kolmannessa kuva arkkitehtuurista, joka antaa nimen koko kaiverrukselle. Nimi muuten säilyttää naiivisti arkaaiset perinteet XVII vuosisadalla, asetetaan ylhäällä olevaan nauhaan, joka on avattu kirjakäärön tavoin.

Lähes pakollinen hammaskaiverruksen aihe on laiva: savupilvien ympäröimä - taisteluissa("Taistelu Grainghamissa", 1721) tai purjehtii tyylikkäästi tuulessa - veduteissa("Vasilievsky Island", 1714).

Vedutien ja taistelujen ohella myös ilotulituskuva, "tulinen hauskuus" (tai "huvittavat tulipalot") merkittävän tapahtuman kunniaksi oli laajalle levinnyt tänä aikana. Vuosina 1720-1722 hän loi ilotulituspaketinAleksei Ivanovitš Rostovtsev, hän omistaa myös kaiverruksen"Viipurin piiritys" (1715).

A. Zubovin vanhempi veliIvan Fedorovich Zubovteki pääasiassa kaiverruksia, joista oli näkymät Moskovaan.

Suosittu suosittu painatus kehittyi edelleen Pietari Suuren aikana. Kirkasvärinen litteä, primitiivinen-alkuperäinen kansankuva puussa oli sisällöltään monipuolisin: satiirinen, upea-eeppinen, jokapäiväinen-säilyttäen aina yleisen ratkaisun silmiinpistävän koristeellisuuden ja puhtaasti kansanhuumorin.

Esimerkkinä ensimmäisen kolmanneksen taiteesta Xviii v. Käsipiirteet, tuon ajan ainutlaatuiset graafiset teokset, ovat myös säilyneet. Nämä ovat ilmeisesti arjen ja maiseman piirustuksia, ilmeisesti Pietarin kirjaston piirustuskoulun oppilaiden (kynä, sivellin, hiili, lyijykynä - Venäjän valtion museo, Argutinsky -Dolgorukovin kokoelma), Pietarin arkkitehtisuunnitelma F. Vasiliev vuosina 1718–1722. (Ajoitus). Petrine-graafikot työskentelivät myös muotokuva-lajissa, mutta se on vähemmän kiinnostava kuin kuvallinen, koska graafisessa muotokuvassa käytettiin pääsääntöisesti jotakin jo tunnettua kuvamallia.

Taiteelliset saavutukset ovat ominaisia ​​myös kuvanveiston kehitykselle ensimmäisellä puoliskolla. XVIII vuosisata.

"Maallistuminen" ja uusien menetelmien hallitseminen veistoksessa on hitaampaakuin muissa taiteen muodoissa. Tuijottanut liian kauanVenäläiset pyöreällä veistoksella, kuten pakanallisilla epäjumaloilla, "Tissit". Itse asiassa muinaisen Venäjän olemassaolon kahdeksan vuosisadan aikana se ei kehittynyt.

Totta, ensimmäisellä puoliajalla XVIII vuosisata ja aiemmin oli hyvin kehittynyt monumentaalinen ja koristeellinen muovi kultti- ja maallisten sisätilojen koristeluun. Barokki muovi Dubrovitsyn kyltin kirkosta ja Menšikovin tornista, kirkkojen ikonostaasien veistäminen (Pietarin ja Paavalin katedraalin ikonostaasi Ivan Zarudnyn teokset), helpotuksia Petrovskin porteiltaPietarin ja Paavalin linnoitus, esiintynytKonrad Osner, vanhempi, koristeelliset paneelit Pietarin tammikatsauksesta Pietarhovin palatsissa, kirjoittanut Nikolai Pino,Andreas Schlüterin reliefejä Kesäpalatsin julkisivuilla Kesäpuutarhassa olivat epäilemättä tietty vaihe Länsi -Euroopan muovitaiteen tekniikoiden tutkimuksessa.

Muinaisessa venäläisessä taiteessasiellä oli myös monivärinen puinen veistosPerm, Vologda, varsinainen Moskovan koulu. Mutta hän oli pääosinuskonnollista sisältöä, ja maallinen veistos tarvitsi muita kehittämistapoja. Siksi ulkomaalaisilla mestareilla, jotka oli kutsuttu opettamaan kuvanveistotaidetta, oli merkittävä rooli sen muodostumisessa taiteessa. Xviii vuosisadalla. Venäläiset kuvanveistomestarit opiskelivat myös ulkomailla, lähinnä Venetsian Barattilta.

Tutustuminen Länsi -Euroopan veistokseen tehtiin myös ulkomailta ostettujen myöhäisbarokkityön teosten, Berninin ympyrän mestareiden veistosten ja joskus jopa antiikkiesineiden ansiosta. Joten Roomasta ostettiin kuuluisa Venus, joka sai myöhemmin nimen Tauride.Viennin viivästymisistä Yuri Kologrivov, joka osti sen 196 eurolla, kirjoitti ilmeikkäästi Pietarille: "Ja mieluummin kuolen kuin omistan sen patsaan hänelle."

Maallisen pyöreän veistoksen ja muistomerkin synty venäläisen taiteen ensimmäisellä puoliskolla XVIII vuosisata liittyy barokin leviämiseen ja italialaisen kuvanveistäjän toimintaanBARTOLOMEO CARLO RASTRELLI(Isä Rastrelli tai vanhin Rastrelli, kuten taidehistorioitsijat kutsuvat häntä, 1675, Firenze –1744, Pietari).

Bartolomeo Carlo Rastrellisyntyperäinen firenzeläinen, joka työskenteli Roomassa ja Pariisissa, kasvatti Berninin barokkiperinteitä, tuli poikansa kanssa Venäjälle vuonna 1716 ja löysi täältä toisen kodin. Hänen kanssaan tehtyyn sopimukseen sisältyi monenlaisten tilausten toteuttaminen. Hän työskenteli sekä arkkitehtina että kuvanveistäjänä eri genreissä: pyöreästä veistoksesta suihkulähteiden rakentamiseen ja teatterimaisemien luomiseen.

BUST A.D. Menshikova(1716-1717, pronssi, GoE) - ensimmäinen työ B.-K. Rastrelli Venäjällä. On luotu hieman teatraalinen, ulkoisesti näyttävä, majesteettinen kuva "puolivaltaisesta hallitsijasta", josta Pietari itse sanoi melkein nokkelasti silloin tällöin: "Hän on syntynyt vääryydessä, syntynyt synneissä, ja petos kuolee vatsaansa" . "

Mutta tärkein asia, jonka vuoksi Rastrelli kutsuttiin Venäjälle, oli Pietarin muistomerkin luominen Minä ... Vuonna 1720 kuvanveistäjä esitteli luonnoksia ja malleja ratsastusmuistomerkistä, jossa oli monia vertauskuvallisia hahmoja, minkä hän myöhemmin hylkäsi.

Rintakuvan luomista edelsi paljon luonnon työtä. Vuonna 1919 kuvanveistäjä esitti naamion elävältä Pietarilta, sitten vahan mallin.

Monumenttia työstettäessäpronssinen Pietarin rintakuva Minä (1723-1729, ГЭ; toisto valuraudassa - 1810, RM). Keisarin rintakuva on tyypillinen barokkityö: se on dynaaminen sävellys, jossa on ylävartalon kierre, jossa on muovimassojen mustavalkoisia kontrasteja, niiden maalauksellisuutta ja korostettua monikuvioisuutta. Se on enemmän kuva kokonaisesta aikakaudesta kuin tietystä yksilöstä, ja tämä yleistys antaa rintakuvalle monumentaalisuuden piirteet säilyttäen samalla todellisen historiallisen totuuden.

Rastrelli luotiin myös merkittävällä yksilöllisten ominaisuuksien voimalla ja muovisella ilmeikkyydellä.Tuntemattoman rintakuva(1732, Tretjakovin galleria).

Venäläisen monumentaalisen veistoksen kukoistus alkaa ensimmäisellä venäläisellä muistomerkillä, jonka B.-K. Rastrelli, – ANNA IOANNOVNAN PATSU ARAPCHONKIN KANSSA(1732-1741, RM), yksi kirkkaimmista muistomerkeistä taiteellisen kuvan eheyden ja muovisen ilmeikkyyden suhteen.

Anna Ioanovnan patsas on upea barokkityyliin, mutta tyylikkään, usean kilon vanhan naisen kuva, jolla on vastenmieliset kasvot, aasialainen despotismi ja hienostunut länsieurooppalainen hovin ylellisyys sulautuivat yhteen.("Hän näytti kauhealta", N.B. Sheremeteva kirjoitti Anna Ioannovnasta, "hänellä oli inhottavat kasvot, hän oli niin loistava, että kun hän kävelee herrasmiesten välillä, kaikkien pää on korkeampi ja erittäin lihava"). Tämä on harvinainen esimerkki todella paljastavasta seremoniallisesta muotokuvasta. Täällä voit nähdä Rastrellin myötätunnon Pietaria kohtaan ja antipatiaa hänen seuraajiaan kohtaan.

Johdanto pienen arapcheonin hahmon kokoonpanoon, joka on tyypillinen tuomioistuimen elämä Xviii vuosisadalla, joka oli välttämätön kuvanveistäjälle massojen muovitasapainolle, yhdistettynä seremoniallisiin ja genre-motiiveihin, tehosti kontrastia keisarinna "kivimaisen" hahmon kanssa. Rastrelli osoitti tässä paitsi moraalittoman veistoksen kielen moitteettoman hallinnan, yleistyksen hallinnan säilyttäen yksilölliset ominaisuudet, mutta myös syvän tunkeutumisen venäläisen elämän maailmaan, Venäjän kontrasteihin Xviii vuosisadalla luoden aikakauden symbolin.

"Nero nousi" B.-K. Rastrelli - elämänsä viimeiset neljä vuotta. Vuosille 1741-1744 Pietarin tyttären Elizaveta Petrovnan uuden hallituskauden aikana, jota pidettiin toiveikkaana Pietarin asioiden seuraajana, hän luo keisarille ratsastusmuistomerkin, joka löytää 60 parittomana vuotenaan luovan voiman muuttaa täysin barokin 1720 -luvulla.

"Hevosen muistomerkki PETER Minä "B.-K. Rastrelli luo komentajan kuvan, joka voittaa perinteet, joiden alkuperä on Marcus Aureliuksen muistomerkit, Donatellon Gattamelate ja Verrocchion Condottieri Colleoni. Näemme kuvion vapaan muotoilun, siluetin selkeyden ja vakavuuden, massan ja siluetin orgaanisen sulautumisen avaruuteen, muistomerkin kaikkien muotojen täydellisyyden ja tarkkuuden liikkeen barokkisen monimutkaisuuden ja rehevien verhojen sijasta . Rohkea, yksinkertainen ja selkeä muovikieli, jolla Rastrelli ylistää Venäjän valtionvallan voimaa ja mahtavuutta, jatkaa epäilemättä antiikin renessanssin perinteitä. Niissä kuvanveistäjä onnistui luomaan jättimäisen kuvan, joka personoi voittoisaa ja voittoisaa Venäjää, sankarin kuvan, joka suoritti historiallisen ja kansallisen saavutuksen - Venäjän muutoksen.

Muistomerkin kohtalo oli enemmän kuin dramaattinen. Elinaikanaan Rastrelli teki vain elämänkokoisen mallin; hänen poikansa (1748) teki jo valu. Elizabethin kuoleman jälkeen muistomerkin raivaus pysähtyi, ja sitten he unohtivat sen kokonaan. Vain Paavalin aikana Minä muistomerkki pystytettiin Mihailovskin (tekniikan) linnaan, jossa se sijaitsee tähän päivään asti ja siitä tuli olennainen osa kokonaisuutta.

Rastrellin luonnehdinta olisi epätäydellinen mainitsematta, kuinka hedelmällisesti hän oli mukana koristustyössä Peterhofin Grand Cascaden suunnittelussa, sekä muita tyylilajeja, mukaan lukien luonnokset naamiaispuvuille. Hän ja A.K. Nartov oli pohjoisen sodan kunniaksi rakennetun riemuvoittopylvään arkkitehtisuunnittelun ja kohokuvioiden kirjoittaja. Valitettavasti työ jäi kesken. Tiedämme vain useita bareljefeja (GE ja RM).

Muita vastaavia teoksia, jotka saattavat kiinnostaa sinua. Wshm>
16206.		-HSE Moskovan utopiat ja Ranskan taloudellinen tieto 1800 -luvulla Tutkimalla tiedon kehitystä Ranskassa 1700 -luvulla.	22,23 kt
	Maisteriohjelma 1 vuosi SU-HSE Moskovan utopiat ja Ranskan taloudellinen tieto 1700-luvulla Tutkimalla tiedon kehitystä Ranskassa 1700-luvulla, ei voi keskittyä syviin monitieteisiin yhteyksiin, jotka määrittävät joidenkin ideoiden leviämisen erittäin heterogeenisille alueille tietämyksen nykytilassa. Vain ymmärtämällä, miltä tarkasteltavan ajanjakson tietämys näytti, on mahdollista arvioida tarkoituksemme oikein: osoittaa, että XVIII vuosisadan taloudellinen ajatus on verrattavissa muihin tieteenaloihin, mukaan lukien se voidaan katsoa ...
17376.		Liberaaliuudistukset 1700 -luvun Ranskassa	25,9 kt
	Tällaisella menettelyllä porvariston osavaltioiden työssä voitto varmistettaisiin, koska aateliston ja papiston edustajien joukossa oli ihmisiä, jotka olivat samaa mieltä kolmannen kartanon kanssa. Heti kun tietty puolue on edennyt vallankumoukseen niin pitkälle, että se ei enää kykene seuraamaan sitä tai vielä vähemmän johtamaan sitä, tämän puolueen takana oleva rohkeampi liittolainen poistaa tämän puolueen ja lähettää sen giljotiiniin. Vapaus määritellään julistuksessa kykyksi tehdä kaikki, mikä ei vahingoita toista. Laki määritellään "yleisen tahdon ilmaisuksi" Art.
3347.		Venäjän sosioekonominen kehitys 1700-luvulla	19,2 kt
	Toinen XVIII - corvée- ja quitrent -alueiden lopullinen määritelmä. 1700 -luvun jälkipuoliskolta. XVIII vuosisata Mustanmeren pohjoisosa, Azovin alue, Krim, Ukrainan oikeanpuoleinen ranta, Donin ja Bugin välissä, Valko-Venäjä, Kuryalndiya, Liettua.
5760.		Venäläisen oopperan muodostuminen 1700 -luvun jälkipuoliskolla	67,44 kt
	Venäjällä ei ollut pitkään aikaan (1800 -luvun jälkipuoliskoon asti) kansallisesti tärkeitä erityisiä musiikkioppilaitoksia. Muusikoita koulutettiin tuomioistuimissa, sotilas- ja maaorjestiorkestereissa, teattereissa, taideakatemiassa, Moskovan yliopistossa ja muissa oppilaitoksissa järjestetyissä musiikkiluokissa. Samaan aikaan hallitus osoitti yllättävää välinpitämättömyyttä venäläisen musiikin kohtaloa, venäläisten säveltäjien työtä kohtaan. Säveltäjien nimet vain satunnaisesti, 70 -luvulta lähtien, pääsevät aikakauslehtiin.
3132.		Vapaamuurariusuden ideologia Venäjällä 1700 -luvun jälkipuoliskolla	20,25 kt
	1750-luvulla Pietarissa työskenteli mökki kreivi R.Elaginin johdolla, hänen johtamassaan suurella maakuntamajalla Pietarissa oli sellaisia ​​tunnettuja vapaamuurareita kuin kreivi R.Melissino Minerva, paroni Gartenberg ja säädyllinen Pietari Clio Moscow Thalia Moskova Polotsk Equality Moscow and St. Petersburg Arkhangelsk Erato Petersburg ja lodge R.: n johdolla. Vuonna 1772 1776 Reichel perusti useita muita looseja: Apollo St. Petersburg Harpocrates ...
3190.		Venäjän ulkopolitiikka 1700 -luvun toisella neljänneksellä	29,53 kt
	Venäjän taloudellisen kehityksen tarpeet, jotka pyrkivät hankkimaan uusia maita etelässä ja mikä tärkeintä, varmistamaan Mustanmereen virtaavien jokien suistojen hallinnan, jotta saavutettaisiin oikeus laivaston vapaaseen kulkuun Bosporinsalmella ja Dardanellit kaupan kehittämiseksi. Englannin ja Ranskan välinen vastakkainasettelu, joka ei halunnut vahvistaa Venäjää, vastusti sen vaikutusvallan kasvua Euroopassa. vastasi Venäjän kansallisiin etuihin ja toisaalta vahvisti itsevaltiutta, joka vaati valtavia kuluja ja uhrauksia Venäjän kansoilta vahvisti laajaa ...
3108.		Ideoita venäläisistä valistajista 1700 -luvun jälkipuoliskolla	27,63 kt
	Valistajat eivät kuitenkaan tehneet vallankumouksellisia johtopäätöksiä näistä tosiasioista, sillä haaveillen Venäjän yhteiskunnallisista muutoksista he asettivat suurimmat toivonsa valaistumiseen aateliston ja valtaistuimen filosofin humanismista. Objektiivisesti valistajat olivat orjuudenvastaisten porvarillisten suuntausten, jotka alkoivat muotoutua orjuuden syvyyksissä, puhujia. Filosofisen tieteen kokoonpanoon valistajat sisälsivät metafysiikan, psykologian, etiikan, oikeudellisten ideoiden logiikan, lukuun ottamatta teologiaa, astrologiaa, kabalismia. Totta, heidän materialisminsa oli ...
1739.		Venäjän ulkopolitiikka 1700 -luvun toisella puoliskolla	413,41 kt
	Venäjän ulkopolitiikka 1700 -luvun toisella puoliskolla sisä- ja ulkopolitiikan, talouskehityksen ja Venäjän pääsyn kansainvälisten suhteiden laajalle areenalle on hyvin vaikea erottaa toisistaan. on tärkeä ajanjakso Venäjän ulkopolitiikan historiassa. Venäjän laaja alue oli käytännössä ilman käteviä merireittejä.
3139.		Venäjän yhteiskunnallinen ajattelu ja kulttuuri 1700 -luvun jälkipuoliskolla	20,16 kt
	Näin hän onnistui saamaan uskottavuutta Länsi -Euroopan edistyvän yleisön kanssa, vaikka orjuus ja byrokratia kukoistivat Venäjällä. perustettiin Free Economic Society, joka keskusteli maatalouden järkeistämisestä; 2, sosiaalipoliittisten aikakauslehtien julkaiseminen Venäjällä alkoi. Venäjällä Jemelyan Pugatšovin kansannousu vuosina 1773-1775 tukahdutettiin raa'asti.
21275.		Analyysi Ranskan poliittisesta tilanteesta 1700 -luvun lopulla ja 1800 -luvun alussa ja Napoleon Bonaparten poliittisten saavutusten tunnistaminen	33,05 kt
	Ranskan vastaisen liiton joukkojen saapuessa Pariisiin vuonna 1814 Napoleon I luopui luopumisestaan ​​ja karkotettiin Elban saarelle. Maaliskuussa 1815 hän otti jälleen Ranskan valtaistuimen, mutta Waterloon tappion jälkeen saman vuoden kesäkuussa hän luopui uudestaan. Elämänsä viimeiset vuodet hän vietti brittien vankina Pyhän Helenan saarella. Hänen terveytensä heikkeni tasaisesti, ja 5. toukokuuta 1821 Napoleon kuoli. On olemassa versio, että hänet myrkytettiin. Huolimatta siitä, että Napoleonin valtakunta osoittautui hauraaksi, keisarin traaginen kohtalo antoi runsaasti ruokaa romantiikalle

Vapaa pääsy museoon

Voit vierailla joka keskiviikko ilmaiseksi uuden Tretjakov -gallerian pysyvässä näyttelyssä "1900 -luvun taide" sekä väliaikaisissa näyttelyissä "Oleg Yakhontin lahja" ja "Konstantin Istomin". Väri ikkunassa ”, joka pidettiin Engineering Buildingissa.

Oikeus vierailla maksutta näyttelyissä Lavrushinsky Lanen päärakennuksessa, tekniikkarakennuksessa, Uudessa Tretjakov-galleriassa, V.M. Vasnetsov, A.M. Vasnetsov tarjotaan seuraavina päivinä tietyille kansalaisryhmille saapumisjärjestyksessä:

Joka kuukauden ensimmäinen ja toinen sunnuntai:

Venäjän federaation korkeakoulujen opiskelijoille, riippumatta opiskelumuodosta (mukaan lukien ulkomaalaiset-Venäjän yliopistojen opiskelijat, jatko-opiskelijat, liitännäishenkilöt, asukkaat, avustajat-harjoittelijat) opiskelijakortin esittämisen yhteydessä (ei koske henkilöitä) opiskelijakorttien esittäminen "opiskelija-harjoittelija");

keskiasteen ja keskiasteen oppilaitosten opiskelijoille (18 -vuotiailta) (Venäjän ja IVY -maiden kansalaiset). Opiskelijoilla, joilla on ISIC-kortti, on kunkin kuukauden ensimmäisenä ja toisena sunnuntaina oikeus tutustua uuden Tretjakov-gallerian näyttelyyn "XX-luvun taide".

joka lauantai - suurperheiden (Venäjän ja IVY -maiden kansalaiset) jäsenille.

Huomaa, että väliaikaisiin näyttelyihin pääsyn ehdot voivat vaihdella. Tarkista tiedot näyttelyiden sivuilta.

Huomio! Gallerian lipunmyynnissä sisäänpääsylippujen nimellisarvo on "ilmainen" (asianomaisten asiakirjojen esittämisen yhteydessä - edellä mainituille vierailijoille). Lisäksi kaikki gallerian palvelut, mukaan lukien retket, maksetaan vakiintuneen menettelyn mukaisesti.

Vierailu museossa lomapäivinä

Kansallisen yhtenäisyyden päivänä - 4. marraskuuta - Tretjakov -galleria on avoinna klo 10.00–18.00 (sisäänkäynti klo 17.00 asti). Maksullinen sisäänkäynti.

• Tretjakov -galleria Lavrushinsky Pereulokissa, tekniikkarakennus ja uusi Tretjakov -galleria - klo 10.00–18.00 (lipunmyynti ja sisäänkäynti klo 17.00 asti)
• Museo-asunto A.M. Vasnetsov ja V.M. Vasnetsov - suljettu

Maksullinen sisäänkäynti.

Odotan sinua!

Huomaa, että väliaikaisiin näyttelyihin pääsyn ehdot voivat vaihdella. Tarkista tiedot näyttelyiden sivuilta.

Oikeus etuuskohteluun Galleria, lukuun ottamatta Gallerian johdon erillisessä määräyksessä määrättyjä tapauksia, toimitetaan esittämällä asiakirjat, jotka vahvistavat oikeuden etuoikeusvierailuihin:

• eläkeläiset (Venäjän ja IVY -maiden kansalaiset),
• "kunnianjärjestyksen" täysi haltija,
• keskiasteen ja toisen asteen oppilaitosten opiskelijat (18 -vuotiaista alkaen),
• Venäjän korkeakoulujen opiskelijat sekä Venäjän yliopistoissa opiskelevat ulkomaiset opiskelijat (paitsi opiskelijaharjoittelijat),
• suurperheiden jäsenet (Venäjän ja IVY -maiden kansalaiset).

Edellä mainittujen kansalaisryhmien vierailijat ostavat alennetun lipun saapumisjärjestyksessä.

Vapaa pääsy Gallerian pää- ja väliaikaiset näyttelyt, lukuun ottamatta Gallerian johdon erillisessä määräyksessä määrättyjä tapauksia, on tarkoitettu seuraaville kansalaisryhmille, kun he esittävät asiakirjat, jotka vahvistavat oikeuden ilmaiseen sisäänpääsyyn:

• alle 18 -vuotiaat henkilöt;
• Venäjän toisen asteen erikoistuneiden ja korkeakoulujen kuvataiteen alaan erikoistuneiden tiedekuntien opiskelijat riippumatta opintomuodosta (samoin kuin Venäjän yliopistoissa opiskelevat ulkomaiset opiskelijat). Lauseke ei koske henkilöitä, jotka esittävät opiskelijakortteja "opiskelijaharjoittelijoille" (jos opiskelijakortissa ei ole tietoja tiedekunnasta, oppilaitoksen todistus esitetään tiedekunnan pakollisella merkinnällä);
• Suuren isänmaallisen sodan veteraanit ja vammaiset, taistelijat, entiset alaikäiset keskitysleirien, gettojen ja muiden vankien vangit, jotka natsit ja heidän liittolaisensa ovat luoneet toisen maailmansodan aikana, laittomasti sorretut ja kunnostetut kansalaiset (Venäjän ja IVY -maiden kansalaiset) );
• Venäjän federaation asevelvolliset;
• Neuvostoliiton sankareita, Venäjän federaation sankareita, kunniajärjestyksen täydellisiä kavalisteja (Venäjän ja IVY -maiden kansalaiset);
• ryhmien I ja II vammaiset, osallistujat Tšernobylin ydinvoimalaitoksen katastrofin seurausten selvittämiseen (Venäjän ja IVY -maiden kansalaiset);
• yksi mukana oleva henkilö, jolla on vammainen ryhmä I (Venäjän ja IVY -maiden kansalaiset);
• yksi mukana oleva vammainen lapsi (Venäjän ja IVY -maiden kansalaiset);
• taiteilijat, arkkitehdit, suunnittelijat - Venäjän ja sen aihepiirien luovien liittojen jäsenet, taidekriitikot - Venäjän taidekriitikkojen liiton ja sen aiheiden jäsenet, Venäjän taideakatemian jäsenet ja työntekijät;
• International Council of Museums (ICOM) -jäsenet;
• Venäjän federaation kulttuuriministeriön ja vastaavien kulttuuriosastojen museoiden työntekijät, Venäjän federaation kulttuuriministeriön ja Venäjän federaation muodostavien yksiköiden kulttuuriministeriöiden työntekijät;
• "Sputnik" -ohjelman vapaaehtoiset - sisäänpääsy näyttelyihin "XX vuosisadan taide" (Krymsky Val, 10) ja "Venäjän taiteen mestariteokset XI - XX vuosisadan alussa" (Lavrushinsky -kaista, 10) sekä VM: n talo-museo Vasnetsov ja A.M. Vasnetsov (Venäjän kansalaiset);
• oppaat-kääntäjät, joilla on Venäjän oppaiden-kääntäjien ja matkanjärjestäjien liiton akkreditointikortti, mukaan lukien ulkomaalaisten matkailijoiden ryhmän mukana olevat;
• yksi oppilaitoksen opettaja ja yksi erityisoppilaitosten oppilaitosten oppilasryhmä (retkikupongin, tilauksen läsnä ollessa); yksi oppilaitoksen opettaja, jolla on valtion akkreditointi opetustoimintaan sovitun koulutuksen aikana ja jolla on erityinen tunnus (Venäjän ja IVY -maiden kansalaiset);
• yksi mukana oleva opiskelijaryhmä tai varusmiesryhmä (jos sinulla on retkikuponki, tilaus ja harjoittelun aikana) (Venäjän kansalaiset).

Edellä mainittujen kansalaisryhmien vierailijat saavat ilmaisen pääsylipun.

Huomaa, että väliaikaisiin näyttelyihin pääsyn ehdot voivat vaihdella. Tarkista tiedot näyttelyiden sivuilta.

Upea 1700 -luku! Hänen kanssaan kiehtovassa ja dramaattisessa Venäjän historian kirjassa ei aloiteta vain uutta lukua, vaan ehkä kokonainen osa. Pikemminkin tämä volyymi olisi aloitettava edellisen vuosisadan viimeisiltä vuosikymmeniltä - 1600 -luvulta, jolloin maamme, tuskallisesti epäröidessään risteyksessä, alkoi tehdä voimakkaan, ennennäkemättömän käänteen - keskiajalta uuteen aikaan. Kohti Eurooppaa.

Tuolloin Venäjää verrataan usein laivaan. Tämä alus kulki hallitsemattomasti eteenpäin levittäen upeita purjeita, pelkäämättä myrskyjä eikä pysähtynyt huutoihin: "Mies yli laidan!" Häntä johti loistava, peloton ja häikäilemätön kapteeni - tsaari Pietari, joka teki Venäjältä valtakunnan, ja itse - sen ensimmäinen keisari. Hänen uudistuksensa olivat kovia, jopa julmia. Hän pakotti tahtonsa maahan rikkomalla perinteitä, epäröimättä, uhraamalla tuhansia ja tuhansia ihmishenkiä valtion etuihin.

Oliko se tarpeellista? Oliko muuta keinoa? Kysymys on erittäin vaikea, historioitsijat eivät ole vielä vastanneet siihen. Jotain muuta on kuitenkin meille tärkeää. Se, että Venäjästä, joka Länsi -Euroopan silmissä oli vieras, vaarallinen, eksoottinen maa, jossa asui arvaamattomia barbaareja, on vain muutaman vuosikymmenen aikana, Pietarin uudistusten alusta Katariina Suuren aikaan, tullut vain Eurooppalainen valta. Yksi ensimmäisistä Euroopan suurvalloista! Nopeat muutokset ovat tapahtuneet paitsi politiikassa - ne ovat vaikuttaneet ihmisten elämän perustoihin, heidän asenteeseensa maailmaan ja toisiinsa, jokapäiväiseen elämään, vaatteisiin, moniin arjen pieniin asioihin, jotka muodostavat elämän. Ja tietysti taidetta. Näiden vuosikymmenten aikana venäläinen taide on kulkenut sitä tietä, jota Länsi -Euroopan taide on kulkenut vuosisatojen ajan.

Tuntematon artisti. "Patriarkka" Milakin muotokuva - poikaar Matvey Filimonovich Naryshkin. 1690 -luku Öljy kankaalle. 86,5 x 75 cm Venäjän valtionmuseo

Aktiivisen tiedon paatos, joka vallitsi Venäjällä Petrine -aikakaudella, tekee osittain samankaltaiseksi Länsi -Euroopan kanssa renessanssin aikana. Sitten Italiassa (ja sitten muissa maissa) kulttuurin sekularisaatio, käytännön tieteiden kehittäminen keskiaikaisen spekulatiivisen filosofian sijasta ja innokas kiinnostus itsensä arvokkaaseen persoonallisuuteen (yrityskehyksen ulkopuolella, jälleen keskiajalle ominaista) maallisen taiteen nopea kehitys, joka nousi ennennäkemättömiin korkeuksiin.

Tälle taiteelle on ominaista tarkka luontotyyppi, joka perustuu näkökulman lakien ja ihmisen anatomian tutkimukseen; ja mikä tärkeintä, läheinen eikä välinpitämätön katse ihmiseen. Renessanssimestarit osoittavat meille ihmisen ennen kaikkea ihmeenä, luomakruununa, jota tulisi ihailla. 1600 -luvulle mennessä tämä innostus pääsi syvälle ja raittiille psykologismille, tietoisuudelle olemisen ja ihmisluonnon traagisista paradokseista (esimerkiksi Velazquezin ja Rembrandtin teoksissa).

Venäjän 1600 -luvun taide oli edelleen perinteiden ja kaanonin armoilla. Tuolloin maallinen maalaus on Parsun-muotokuvia (latinalaisesta sanasta "persona"), jotka muistuttavat hyvin kuvakemaalauksia. Ne ovat litteitä, staattisia, ilman chiaroscuroa, välittävät epätarkasti kuvatun ulkonäön (tekijät tuntevat pääsääntöisesti kuulopuheen). Kaikki tämä ei tietenkään johdu lahjakkuuden puutteesta. Edessämme on erilainen taiteellinen järjestelmä, joka on suunniteltu hengelliselle taiteelle. Kerran hän herätti henkiin kreikkalaisen Theophanesin ja Andrei Rublevin mestariteokset. Mutta ajat ovat muuttuneet, ja kuvalliset tekniikat, joilla ei ole historiallista maaperää, muuttuivat arkaismiksi.

Nopeat muutokset yhteiskunnassa - ja sen mukana taiteessa - alkoivat 1600 -luvun 90 -luvulla. Tyypillinen esimerkki on tsaarin huijari Yakov Turgenevin muotokuva, jonka tuntematon mestari on maalannut viimeistään vuonna 1695. Yleensä tämä on tyypillinen parsuna: jäädytetty kuva tasossa, vaikka valo ja varjot on jo piirretty. Mutta tärkeintä on mallin ulkoasun yksilöinti: kasvojen piirteet, silmien ilme; sisämaailma ei vielä näy muotokuvassa, ja silti edessämme on epäilemättä elävä henkilö.

Ivan Nikitin. Muotokuva Tsarevna Praskovya Ivanovnasta (?), Pietari I: n sisaruksesta 1714.
Kangas, öljy. 88 x 67,5 cm, Venäjän valtion museo

Ivan Nikitin. Paroni Sergei Grigorjevitš Stroganovin muotokuva. 1726
Kangas, öljy. 87 x 65 cm Venäjän valtionmuseo

Ivan Nikitin. Pietari I kuolinvuoteellaan. 1725
Kangas, öljy. 36,6 x 54,4 cm, Venäjän valtionmuseo

Se, että muotokuvalaji alkoi kehittyä hyvin nopeasti, ei ole yllättävää. Ensinnäkin se oli jo olemassa venäläisessä maalauksessa (toisin kuin useimmat muut genret, jotka olivat juuri ilmestymässä). Tärkein syy on se, että Pietari Suuren aikana persoonallisuuden merkitys kasvoi jyrkästi - aktiivinen, jano itsensä vahvistamiseen, perinteiden rikkominen ja luokkaesteet. Tällaisia ​​olivat "Petrovin pesän poikaset" - Menshikovista Abram Hannibaliin - huolimattomia ja lahjakkaita, eri alkuperää olevia ihmisiä, joiden ansiosta venäläinen alus pystyi voittamaan radikaalien uudistusten myrskyisen meren. Näiden ihmisten kohtalot olivat usein traagisia. Tällainen kohtalo odotti 1700 -luvun ensimmäistä kuuluisaa taiteilijaa, joka nousi esiin Peter - Ivan Nikitinin alla.

Hän syntyi 1680-luvun puolivälissä (tarkka päivämäärä ei ole tiedossa) Moskovan papin perheeseen. Hän osoitti erinomaisia ​​kykyjä jo varhain: hyvin nuorena miehenä hän opetti laskutoimitusta ja piirtämistä Moskovan "tykistökoulussa". Hän alkoi opiskella maalausta vakavasti Pietari I: n johdolla, joka oppi hänen lahjakkuudestaan.

Nikitinin varhaiset teokset (esimerkiksi muotokuva, joka oletettavasti kuvaa Pietarin veljentytär Praskovya Ioannovnaa (1714)) muistuttavat edelleen monella tapaa Parsunsia tasomaisuudellaan, tavanomaisuudellaan ja anatomian huomiotta jättämisellään. Mutta uusia ominaisuuksia on havaittavissa yhä enemmän: tarkka tarkkailu malliin, yritykset välittää sen luonne, sisäinen elämä. Vuonna 1716 Nikitin sisällytettiin Pietarin eläkeläisten joukkoon - nuoret, jotka lähtivät ulkomaille opiskelemaan valtion kustannuksella.

Ivan Nikitin. Lattian hetmanin muotokuva. 1720
Kangas, öljy. 76 x 60 cm Venäjän valtionmuseo

Ennen lähtöä tsaari tapasi taiteilijan henkilökohtaisesti ja kirjoitti sitten vaimolleen (joka oli silloin Berliinissä) ja kehotti häntä maalaamaan useita muotokuvia, myös Preussin kuninkaasta, "jotta he tietäisivät, että meillä on hyviä mestareita myös ihmisiä. " Palattuaan ulkomailta Pietari ei jättänyt Nikitinia huomionsa kanssa: hän esitteli hänelle talon Pietarin keskustassa ja kutsui häntä "henkilökohtaisten asioiden gofmaniksi".

Taiteilija ei tuntenut vain kiitollisuutta keisaria kohtaan - hän ihaili tätä voimakasta henkilöä, kunnioitti syvästi valtion nerouttaan. Tämä asenne on hyvin havaittavissa Nikitinin kuuluisassa Pietarin muotokuvassa. Mies muotokuvassa ei ole enää nuori; katkeruutta paistaa hänen katseensa ja itsepäisesti puristetut huulet. Ilmeisesti hän onnistui näkemään ja arvostamaan suurenmoisten saavutusten toista puolta. Mutta - luovuttaa? Ei missään tapauksessa! Hän on edelleen vahvuuden ja järkkymättömän energian ruumiillistuma. Ja vuonna 1725 taiteilijan täytyi täyttää surullinen velvollisuutensa: vangita keisari kuolinvuoteellaan. Tämä kangas tekee vahvan vaikutelman. Vainajan kasvot, jotka valaisevat hälyttävästi kynttilöiden liekit (jäävät "kulissien taakse"), on maalattu ehdottoman realistisiksi ja samalla täynnä aitoa loistoa.

Nämä ja muut Nikitinin teokset todistavat hänen taitonsa nopeasta kasvusta. Tässä on esimerkiksi muotokuva liittokansleri G.I. Golovkin. Kuinka älykäs, hienovarainen ja epäselvä henkilö hän kuvaa! Hänen tummien, tarkkaavaisten silmiensä ilme katsojaa kohden on yksinkertaisesti lumoava. Tai upea "Lattian hetmanin muotokuva". Nämä maalaukset ovat lakonisia, täynnä sisäistä dynaamisuutta ja epätavallisen ilmeikkäitä. Kaanon ei enää rajoita heidän kirjoittajaansa, vaan hän on monimutkaisimpien tekniikoiden alainen.

Tämä jäykkyys, jäykkyys näkyy jopa toisen Pietarin eläkeläisen - Andrei Matvejevin - teoksissa esimerkiksi "Omakuva vaimonsa kanssa" (1729?). Siinä kuvatun nuoren parin aseet ja ilmeet ovat staattisia ja tarkoituksellisia. Samaan aikaan muotokuva houkuttelee jonkinlaista syvää vilpittömyyttä ja puhtautta. Kun katsomme häntä, kaukainen aikakausi osoittautuu yhtäkkiä lähellä ja puhuu suoraan meille ...

Pietarin I kuoleman jälkeen Venäjällä alkoi vaikeita aikoja. Hänen seuraajansa, taistelussa vallasta, olivat vähän huolissaan valtion kohtalosta ja sen lahjakkaista alamaisista. Ivan Nikitinin luova elämä päättyi surullisesti. Anna Ioannovnan hallituskaudella hänet pidätettiin osallistumisesta Moskovan oppositiopiiriin, josta ilmestyi esite Feofan Prokopovichista. Hän vietti viisi vuotta linnoituksessa, sitten vuonna 1737 ruoskattiin ja karkotettiin Siperiaan. Anteeksianto saatiin vuoden 1742 jälkeen, jolloin absurdi keisarinna kuoli; valitettavasti liian myöhään.

Väsynyt ja sairas taiteilija ei päässyt kotiin - hän kuoli matkalla.

Palatsin vallankaappausten aikakausi, joka melkein puhalsi kaiken Pietarin aikana saavutetun, päättyi vuonna 1741 hänen tyttärensä Elisabetin liittymiseen. Saatuaan valtaistuimen anastamisen avulla (nuorten keisari John Antonovich poistettiin ja vangittiin linnoitukseen), hän sitoutui päättäväisesti palauttamaan valtion järjestyksen. Hänen isänsä tavoin hän pyrki varmistamaan, että Venäjä otti oikeutetun paikkansa Euroopan suurvaltojen joukossa. Hän tiesi, miten löytää ja tukea lahjakkaita ihmisiä - ihmisiä eri sosiaalisista kerroksista. Ja toisin kuin hänen isänsä, hän ei allekirjoittanut koko hallituskauden aikana yhtäkään kuolemantuomiota.

Ei ole yllättävää, että kansallisen kulttuurin korkea nousu alkaa tällä hetkellä. Vuonna 1755 perustettiin Moskovan yliopisto, vuonna 1756 perustettiin kansallinen teatteri, vuonna 1757 perustettiin Taideakatemia. Venäläisestä kuvataiteesta tuli todella ammattimainen.

Tämän ajan maalauksen johtava rooli kuului edelleen muotokuvalle. Neljän- ja kuusikymmentäluvulla I. Vishnyakov, A. Antropov, I. Argunov, M. Kolokolnikov, E. Vasilievsky, K. Golovachevsky työskentelivät tähän suuntaan. Muotokuvataidetta kehitettiin kahdessa lajissa: seremoniallinen ja kamarinen.

Seremoniallinen muotokuva on monella tapaa barokkityylinen tuote (tämä suuntaus, joka sai alkunsa 1500 -luvulla ja hallitsi silloin Venäjällä), jossa on hämmästyttävää loistoa ja synkkää loistoa. Hänen tehtävänsä on näyttää paitsi henkilö, myös tärkeä henkilö kaikessa hänen korkean sosiaalisen asemansa loistossa. Siksi runsaasti lisävarusteita, jotka on suunniteltu korostamaan tätä asemaa, poseerauksen teatterista loistoa. Malli on kuvattu maiseman tai sisustuksen taustalla, mutta varmasti etualalla, usein täydessä kasvussa, ikään kuin tukahduttaen ympäröivän tilan loistollaan.

Ivan Vishnyakov. M.S.Begichevin muotokuva. 1825 Öljy kankaalle. Koko 92 x 78,5 cm
V.A. -museo Tropinin ja hänen aikansa Moskovan taiteilijat, Moskova

Seremonialliset muotokuvat tekivät yhden tuon ajan johtavista muotokuvamaalareista I.Ya. Vishnyakov (1699-1761). Hänen teoksensa noudattavat genren perinteitä, mutta niissä on myös useita ominaisuuksia, jotka ovat ominaisia ​​vain tälle mestarille. Ensinnäkin värin hienostuneisuus, hienostunut armo, kevyt koristelu, eli rokokoo -tyyliin ominaiset piirteet. Tässä suhteessa erityisen suuntaa antava on nuoren Sarah Eleanor Fermorin muotokuva, joka on maalattu vuonna 1749 (muutamaa vuotta myöhemmin taiteilija loi myös veljensä muotokuvan).

Ohut, tummasilmäinen tyttö jauhemaisessa peruukissa ja pörröisessä jäykän satiinin mekossa jäätyi verhojen ja pylväiden taustaa vasten. Juuri tämä hauraan nuoruuden ja seremoniallisen koristeellisuuden kontrasti on vaikuttava, ja sitä korostaa koko kuvan vaaleanpunainen-hopea-asteikko, jäykkien taitosten helmiäisvärit, herkkä kuvio, joka näyttää olevan hieman sivussa. kangas - kuin huurre lasilla ja läpinäkyvä maisema taustalla. Tämä kangas muistuttaa hieman maljakkoa, joka on valmistettu hienosta posliinista, jota ihailet pelkäämättä koskea, jotta et vahingoita sitä huolimattomalla liikkeellä.

Vishnyakov on ensimmäinen venäläinen taidemaalari, joka on niin selvästi siirtynyt lyriikkaan kuvien tulkinnassa. Tätä linjaa jatketaan hänen nuorempien aikalaistensa ja vuosisadan jälkipuoliskon taiteilijoiden teoksissa.

Aleksei Antropov. Anna Vasilievna Buturlinan muotokuva. 1763
Kangas, öljy. 60,3 x 47 cm Valtion Tretjakovin galleria

Merkittävimmät 1700 -luvun muotokuvateokset luotiin ei -seremoniallisen, mutta kamarimuotokuvan tyyliin. Tämän tyylilajin kukoistus alkaa 40 -luvulla. Sille on ominaista tiiviys, muutama yksityiskohta (joista jokaisesta tulee erityisen merkittävä, mikä lisää jotain mallin ominaisuuksiin), pääsääntöisesti - tylsä ​​tumma tausta. Kamarimuotokuvien päälliköiden päähuomiot keskittyvät kasvoihin, lähikuvissa, huomioimalla huolellisesti ulkonäön piirteet, saavuttamalla mahdollisimman paljon samankaltaisuutta ja yrittämällä tunkeutua kuvatun henkilön sisäiseen maailmaan.

Tämän genren tärkeimmät saavutukset kuuluvat kahdelle taiteilijalle, joita taidekriitikot pitävät Vishnyakovin ohella 1700 -luvun puolivälin suurimpina taidemaalareina - Antropova ja Argunova.

A.P. Antropov (1716-1795) opiskeli maalausta sukulaisensa Andrei Matvejevin kanssa, joka oli yksi Pietarin eläkeläisistä. Jo nuoruudessaan hän alkoi työskennellä maalauksellisessa kansliaryhmässä rakennuksista ensimmäisen Matvejevin, sitten Vishnyakovin johdolla. Näillä mestareilla oli suuri vaikutus häneen, ja hän itse oli Levitskin opettaja, hänen teoksensa vaikuttivat Rokotovin ja myöhemmin Borovikovskin ja Shchukinin työhön. Näin venäläisten muotokuvien jatkuvuus toteutettiin läpi koko 1700 -luvun.

Antropovin kuuluisimmat kankaat luotiin 1950- ja 1960 -luvulla. Tällä hetkellä tutkijoiden mukaan häntä voidaan pitää venäläisen maalauksen keskeisenä hahmona. Muotokuvia puolisoista Buturlin, A.M. Izmailova, M.A. Rumjantseva, A.K. Vorontsova, Ataman Krasnoshchekov kuvataan hyvin erilaisiksi, mutta hieman samankaltaisiksi ihmisiksi - saman yhteiskunnan kerroksen edustajiksi, samaan aikaan. Joskus nämä kuvat tuovat mieleen parsunit: niistä (kuten Vishnyakovin teoksissa) puuttuu joskus ilmaa ja dynaamisuutta; mallien poikkeuksetta tarkkoihin ulkoisiin ominaisuuksiin ei aina liity sisäisiä.

Kuitenkin, jos tämä ominaisuus on läsnä, se saavuttaa vaikuttavan lujuuden. Kuten esimerkiksi valtion naisen muotokuvassa A.M. Izmailova. Tämän keski-ikäisen naisen kasvot on piilotettu sileän kalkitus- ja punastumismaskin taakse. Se on komea, täynnä valtavaa voimaa ja rauhallinen tietoisuus omasta ylivoimastaan. Ajatus tulee tahattomasti: kuinka vaikeaa sen on oltava heille alaisille. Mutta taiteilija osoittaa ihmisluonnon epäselvyyttä: tarkemmin katsomalla huomaamme, että ylpeän naisen silmät ovat viisaampia ja pehmeämpiä kuin miltä se näytti ensivaikutelmasta ...

Toinen esimerkki on keisari Pietari III: n seremoniallinen muotokuva. Lapseton Elizabeth valitsi tämän Holsteinin prinssin seuraajakseen vain sukulaisuuden vuoksi (hän ​​oli hänen veljenpoikansa, Pietari I: n pojanpoika) eikä hänen henkilökohtaisten ominaisuuksiensa vuoksi, valitettavasti - merkityksetön. Useiden kuukausien häikäilemättömän hallituskauden jälkeen hänen oma vaimonsa, tuleva suuri keisarinna Catherine, poisti hänet valtaistuimelta. Tämä persoonallisuuden vähäpätöisyys näkyy niin selvästi muotokuvassa (huolimatta siitä, että se on yksinkertaisesti täynnä verhoja, käskyjä, hermovaatteita ja muita loiston ja voiman ominaisuuksia), että siitä tulee suoraan sanottuna onneton keisari.

Antropov tuskin asetti itselleen tehtävän vallata valtaistuimen. Hän vain, kuten todellinen mestari, ei voinut hajota. Tällainen peloton tarkkuus maksoi taiteilijalle hänen uransa: hänestä ei koskaan tullut äskettäin avatun taideakatemian jäsen.

Nimellä I.P. Argunov (1729-1802) liittyy erityiseen sivuun venäläisen taiteen historiassa. Hän oli orja koko elämänsä. Orjuus tuli vakiintuneeksi 1700 -luvulla ja muuttui itse asiassa eräänlaiseksi orjuudeksi. Loistavan keisarillisen hovin aateliset kilpailevat keskenään, pystyivät rakentamaan ylellisiä palatseja, järjestämään teattereita ja taidegallerioita. Ori -arkkitehtien, maalareiden, muusikoiden ja näyttelijöiden luovuudelle oli suuri kysyntä. He etsivät ja vaalivat lahjakkaita ihmisiä, loivat olosuhteet heidän työskentelylleen, mutta mestarin mielijohteesta he voivat helposti menettää kaiken. Argunov oli myös tässä asemassa, ja hänet pakotettiin usein häiritsemään töitä joko kopioimaan maalauksia tai hoitamaan omistajan omaisuutta.

Ivan Argunov. Jumalan äiti. 1753 (?). Kangas, öljy. 202 x 70,7 cm Venäjän valtionmuseo
Ivan Argunov. Jeesus Kristus. 1753 (?). Kangas, öljy. 198 x 71 cm Venäjän valtionmuseo

Onneksi hänen omistajansa eivät olleet pahimmat - Sheremetevs. Nyt puhumme molemmista näistä perheistä - Sheremetevista ja Argunovista - että he kirkastivat nimensä Venäjän historiassa: toinen antoi Venäjälle komentajia ja poliitikkoja, toinen - arkkitehteja ja taidemaalareita. Arkkitehdit olivat Ivan Argunovin serkku ja hänen poikansa Pavel; he osallistuivat Kuskovon ja Ostankinon palatsikompleksien rakentamiseen. Argunovin toisesta pojasta Nikolaiista, joka tuli kuuluisaksi 1800-luvun vaihteessa, tuli muotokuvamaalari, kuten isä.

Luovalla tavalla I.P. Argunov on lähellä Antropovia. Hänen muotokuvansa - erityisesti seremonialliset - saavat myös joskus ajattelemaan Parsunsia. Heissä kuvatut tärkeät henkilöt-prinssi ja prinsessa Lobanov-Rostovsky, kenraali-amiraali-prinssi M.M. Golitsyn, Sheremetev -perheen edustajat ja muut - tuijottavat liikkumattomasti katsojaa omasta loistostaan. Antropovin tavoin Argunov piirtää huolellisesti tekstuureja ihaillen kankaiden leikkiä, kuohuviiniä koruja, ilmavia pitsiä. (Muuten, ihailu aineellisen maailman kauneudesta on ominaista paitsi näille mestareille: tämä on yksi 1700 -luvun maalauksen ominaispiirteistä.)

Mallien psykologiset ominaisuudet on piilotettu tämän kirkkauden taakse, mutta se on siellä ja on tarkkaavaisen katsojan silmien ulottuvilla. Argunovin kamarimuotokuvissa tämä ominaisuus tulee esiin. Tällaisia ​​ovat muotokuvia Tolstoista, Khripunovien aviomiehestä ja vaimosta, tuntemattomasta talonpoikaisesta naisesta ja monista muista, jotka kuvaavat ihmisiä, joilla on hyvin erilainen sosiaalinen asema, ikä ja luonne. Taiteilija katsoo näiden ihmisten kasvoihin tarkasti ja kiinnostuneena, huomaten heidän ulkonäkönsä ja luonteensa pienimmätkin piirteet, joskus ihaillen rehellisesti heidän kauneuttaan, pääasiassa sisäistä (tämä on erityisen havaittavissa Khripunovan ja tuntemattoman talonpoikaisen naisen muotokuvissa puku).

Ivan Argunov ansaitsi aikalaistensa tunnustuksen sekä taiteilijana (ei ilman syytä, senaatti tilasi hänelle Katariina II: n valtaistuimelle tulon jälkeen juhlallisen muotokuvan nuoresta keisarinnasta, johon hän oli erittäin tyytyväinen) ja opettaja. Hänen oppilaitaan olivat poikansa Nikolai lisäksi K.I. Golovachevsky, I.S. Sablukov, A.P. Losenko - tulevaisuudessa kuuluisia taidemaalareita ja taideakatemian tunnettuja henkilöitä.

Laji, joka ilmestyi venäläisessä taiteessa Pietarin vallan viimeisinä vuosina ja kukoisti Petrin jälkeisenä aikana, ja sai jonkinlaisen jatkeen vuosisadan puolivälissä ja toisella puoliskolla, ansaitsee erityistä keskustelua.
Kyse on asetelmasta.

Tämä genre 1700 -luvun eurooppalaisessa taiteessa (silloin, kun termi muuten syntyi) oli erittäin suosittu. Erityisen kuuluisia ovat flaamilaisten ja hollantilaisten taiteilijoiden ylelliset asetelmat: kiiltävät viinipullot, kasa hedelmiä ja lyöty riista - eräänlainen lihallisen ilon ja aineellisen runsauden symboli. Fyysinen maailma ei lakannut hämmästyttämästä ja ilahduttamasta maalareita, ja Venäjällä, kun myös maallinen taide alkoi kehittyä nopeasti sielläkin.

Ensimmäiset venäläiset asetelmat kuuluivat useiden mestareiden, myös nimettömien, siveltimelle. Niistä tunnetuin on Grigory Teplovin nimi. Seminaari, Feofan Prokopovichin opiskelija, myöhemmin valtiomies ja tiedemies, hän loi useita alkuperäisiä ja omalla tavallaan erittäin houkuttelevia maalauksia. Ne kuvaavat jokapäiväisiä asioita, jotka ovat hajallaan, satunnaisessa häiriössä puulaudalla, jonka alle kangas on naamioitu. Ne on kirjoitettu niin huolellisesti, että luodaan illuusio todellisuudesta, taidekriitikot eivät turhaan kutsu tällaista asetelmaa "trompe l'oeiliksi".

Kaiverrus, kello, muistiinpanot, lääkepullo, kynä ja muistikirja eli lähinnä äskettäin käyttöön tulleet esineet ovat merkkejä uudesta elämäntavasta, joka ei ole vielä tuttu. Tämä on ihmisten elämää, joita ohjaa vilkas kiinnostus maailmaa ja tiedonjano; jolle jokin asia ei ole vain jokapäiväinen esine, vaan ymmärryksen arvoinen salaisuus. Siksi näillä taidottomilla maalauksilla on niin voimakas energia. Ne saavat meidät tuntemaan epätavallisen innokkaasti noiden kaukaisien aikojen vetovoimaa. Aivan kuin "piikki" olisi todellakin todellinen, elävä olento, jota juuri, hetki sitten, kosketti sen kauan sitten kadonneen omistajan käsi ...

On kulunut jo muutama vuosi - ja nyt arki on siirtynyt tavanomaiseen uraansa ja löytäjän patos on korvannut juhlallisen tempauksen elämän iloihin. Tällainen oli Elisabetin hovin ilmapiiri - "iloinen Elizabeth", kuten hänen aikalaisensa kutsuivat häntä. Barokin ohella rokokoo -tyyli on muodissa - kevyt, leikkisä, flirttaileva. Palatsisalien anfiladit on koristeltu hassulla sisustuksella.

Boris Sukhodolsky. Tähtitiede. Noin 1754. Desudeport
Kangas, öljy. 100 x 210 cm, valtion Tretjakovin galleria

Silloin venäläiseen taiteeseen kehittyi erikoinen asetelma - desportit tai oven yli olevat paneelit. Ne kuvaavat maljakoita, kukkia ja hedelmiä, upeita maisemia, verhoja ja koristeita. Suunniteltu sisustamaan ja harmonisoimaan sisätiloja, niitä voidaan harvoin pitää itsenäisinä taideteoksina, jotka ovat yleisen arkkitehtonisen ja, kuten nyt sanotaan, tilan ratkaisun ulkopuolella. Samaan aikaan ne suoritettiin pääsääntöisesti erittäin korkealla tasolla.

Edellä mainitun Pietarin rakennuskanslerin kaltaisella laitoksella, jonka alaisuudessa oli arkkitehti- ja maalausryhmiä, oli tärkeä rooli tällä alalla työskentelevien mestareiden koulutuksessa. Maalausryhmän maalarit toteuttivat lukuisia tilauksia palatsien, kirkkojen, voitto- ja juhlarakenteiden maalaamiseen. Heidän joukossaan oli sellaisia ​​mestareita kuin Ivan Firsov, veljekset Aleksei ja Ivan Belsky, Boris Sukhodolsky.

Firsovin ja A. Belskyn teokset ovat korostavasti koristeellisia; kuvaamalla maljakoita, hedelmiä ja verhoja, he eivät ollenkaan pyrkineet saamaan niitä näyttämään oikeilta. Sisätilat, jotka on koristeltu näiden mestarien töillä, saivat täydellisyyttä ja kirkkautta.

Sukhodolsky piti tehtäväänsä hieman eri tavalla. Hänen epärehellisyytensä ovat pääsääntöisesti maisemia. Ne on taitavasti integroitu sisätiloihin, mutta ne kuitenkin nähdään aivan erikseen. Puutarhat ja puistot myöhäisbarokkityyliin - aavistuksen vehreyttä, luolat, rauniot ja suihkulähteet, koristeltu patsailla antiikin hengessä ja suurten ihmisten rintakuvilla. Tällaiset puutarhat olivat erittäin suosittuja 1700 -luvulla; jotkut niistä, esimerkiksi kuuluisa Pavlovskin puisto, ovat säilyneet tähän päivään asti. Tässä puistossa, muuten, Katariina II: n alla oli erityisiä puutarhakirjastoja: suurten rintakuvia tarkasteltaessa on niin ilahduttavaa osallistua vakavaan lukemiseen ja pohdiskeluun ylevästä. Voimme myös nähdä Sukhodolskin paneelilla lukeneiden ihmisten hahmoja (esimerkiksi "Walk", n. 1754).

"Petokset" ja epäonnistumiset eivät ehkä vaikuta kovin vakavalta aiheelta pohdittavaksi muotokuva-, historia- ja genremaalauksen korkeiden saavutusten rinnalla.

Mutta ilman niitä ajatus 1700 -luvun taiteesta olisi epätäydellinen. Ne liittyvät läheisesti aikaan, joka synnytti heidät. Ehkä ei ole liioiteltua sanoa, että he ovat tämän ajan sielu, sen ainutlaatuinen viehätys.

Ivan Sablukov. Katariina II: n muotokuva. 1770 -luku Öljy kankaalle. Koko 85 x 65,5 cm

Vuonna 1762 Venäjän valtaistuimen miehitti entinen saksalainen prinsessa Sophia Frederica - keisarinna Katariina II. Hän kukisti vartijansa avulla aviomiehensä, joka ei kyennyt johtamaan valtiota tai ylläpitämään ainakin keisarillisen hovin arvovaltaa. "Naisten aikakausi", kuten joskus 1700 -lukua kutsutaan, jatkui ja saavutti kukoistuksensa.

Katariinan alaisuudessa Venäjästä tuli todella suurvalta. Menestys seurasi hänen armeijaansa ja diplomatiaa. Liitettiin uusia maita, mukaan lukien Pohjois -Mustanmeren alue, Krimi, Pohjois -Kaukasus; valtakunnan rajat siirtyivät kauas etelään ja länteen. Euroopassa Venäjää pidettiin tervetullut liittolainen ja erittäin vaarallinen vihollinen;
Euroopan maiden välisiä konflikteja ei ratkaistu ilman hänen osallistumistaan.

Catherinen sisäpolitiikka oli ratkaisevaa ja kovaa. Hän valitsi Pietari I: n itselleen esimerkkinä (hänen tilauksestaan ​​hänelle pystytettiin kuuluisa muistomerkki Pietarin palatsiaukiolle). Vahvistamalla absoluuttisen monarkian perustaa se myönsi aatelille etuoikeuksia - sen tärkeintä tukea - ja lisäsi talonpoikien orjuutta. Koska hän oli ranskalaisten valistuneiden fani, estääkseen valtion perustan löystymisen (Ranskan vallankumouksen alkaessa tästä tehtävästä tuli erityisen kiireellinen!), Hän jatkoi vapaa-ajattelua ja tukahdutti armottomasti talonpoikaiskapinan.

Catherine tiesi Pietarin ja Elizabethin tavoin arvostavan kykyjään. Suvorov, Daškova, Potjomkin, Ušakov, Derzhavin - tämä on vain pieni osa aikansa kirkastaneesta tähtikuviosta. Tähän tähtikuvioon on kudottu myös venäläisten maalareiden loistavat nimet.

Ivan Sablukov. Muotokuva kreivitär L.N. Kusheleva. 1770. Kangas, öljy. Koko 65 x 50 cm
Nižni Novgorodin valtion taidemuseo

Venäläinen maalaus, kuten kulttuuri yleensäkin, oli tällä hetkellä valaistumisen ideoiden suuren vaikutuksen alaisena. Tämä yhteiskuntafilosofinen suuntaus, jonka kotimaa oli Ranska, perustui järjen kulttiin, joka kykeni tuntemaan maailman ja muuttamaan sen oikeudenmukaisuuden, tarkoituksenmukaisuuden ja edistymisen perusteella. Opettajille kaikki nämä käsitteet olivat yksiselitteisesti positiivisia. Se, joka esti kehitystä, tuomittiin; järjetöntä, selittämätöntä pidettiin vääränä.

Klassicismista tuli näiden ideoiden ilmaisu taiteessa. Tämä suuntaus, joka perustuu antiikin käsitykseen ihanteena, toisin kuin barokki ja rokokoo pyrki selkeyteen ja tiukkaan yksinkertaisuuteen. Kauneus on laskettavissa - tämä on klassismin uskontunnustus. On lakeja, joiden tarkkaa noudattamista voit luoda täydellisen taideteoksen. Toisaalta tämä on tarkkuus, suhteellisuus, osien yhtenäisyys; toisaalta "yleisö on korkeampi kuin henkilökohtainen", "velvollisuus on korkeampi kuin rakkaus".

Ranskassa taiteilijat, näytelmäkirjailijat ja arkkitehdit noudattivat klassismin periaatteita jo 1600 -luvulla - kauan ennen valaistumista; Venäjällä klassistisen taiteen kukoistus laski 1700 -luvun jälkipuoliskolle. Suuri rooli tässä oli Pietarissa vuonna 1757 perustetun taideakatemian toiminnalla.

Akatemian merkitys venäläisen taiteen historiassa on erittäin suuri. Se oli monien vuosikymmenten ajan ainoa Venäjän korkeakouluoppilaitos. Kun hän sai keisarillisen aseman vuonna 1764, hän oli jatkuvasti viranomaisten valvonnassa, mikä toisaalta antoi hänelle mahdollisuuden maksaa parhaista opiskelijoista pitkistä ulkomaanmatkoista ja toisaalta rajoittaa " ideologinen hämmennys ja epävakaus. "

Kirill Golovochevsky. Muotokuva kreivitär Sophia Dmitrievna Matyushkinasta lapsena. 1763.
Kangas, öljy. 61,2 x 47,5 cm, valtion Tretjakovin galleria

Anton Losenko. Muotokuva runoilija ja näytelmäkirjailija Alexander Petrovich Sumarokov
Kangas, öljy. 74 x 64,5 cm, Venäjän valtionmuseo

Opiskelijavalintajärjestelmä oli kuitenkin melko demokraattinen, eikä sitä rasitettu muodollisuuksilla. Kolmen ensimmäisen I.P. -opiskelijan joukossa Argunova - Losenko, Sablukov ja Golovachevsky. Hyvällä koulutuksella he eivät vain opiskelleet, vaan myös auttoivat opettajia johtamaan akateemisia luokkia ja johtivat jopa maalauskursseja.

Opetus Akatemiassa perustui tietysti klassismin periaatteisiin. Oppilaille opetettiin ajatus tarpeesta luottaa menneisyyden kokemukseen, perinteiden arvoon, erityisesti muinaisiin. Taiteen, opettajat selittivät, tulisi pyrkiä ihanteeseen, jota ympäröivä elämä valitettavasti ei juurikaan vastaa. Se sisältää kuitenkin myös ihanteellisia lakeja; hyvä taiteilija paljastaa ne ja esittää korjatun luonteen kankaalle, kuten sen pitäisi olla.

Näillä periaatteilla ei ole yllättävää, että akateemikot asettivat historiallisen tyylilajin maalauksen ensimmäiselle sijalle (myös raamatullisia, legendaarisia ja mytologisia aiheita pidettiin historiallisina). Akatemian avaamisen jälkeen tämä genre alkoi kukoistaa venäläisessä taiteessa.

I.P. -opiskelijoiden joukossa Argunov, joka tuli Taideakatemiaan, A.P. Losenko. Hän osoittautui erinomaiseksi muotokuvamaalariksi: Sumarokov, Ivan Shuvalov, venäläisen teatterin perustaja Fjodor Volkov poseerasi hänelle. Mutta ennen kaikkea tunnemme ja arvostamme häntä historiallisena taidemaalarina - tämän genren perustajana venäläisessä taiteessa.

Pikku -venäläisen talonpojan varhain orvoksi jäänyt poika Anton Losenko pystyi murtautumaan elämässä pelkästään lahjakkuutensa ansiosta. Varhaisessa nuoruudessaan hän lauloi hovikuorossa, josta hänestä tuli Argunovin opetuslapsi. Sitten hänet lähetettiin Akatemiaan. Häntä erotti aina havainto, vilkas uteliaisuus, ahne tiedonhalu. Ulkomailla ollessaan (kuusikymmentäluvulla hän vieraili Pariisissa kahdesti, sitten Roomassa) Losenko piti "Päiväkirjaa merkittävistä maalaus- ja kuvanveistoteoksista, joita huomasin", jossa hän analysoi huolellisesti vaikutelmiaan suurten eurooppalaisten mestareiden teoksista - Rafael, Rubens, Rembrandt, Poussin, tutki antiikin muistomerkkejä määrittelemällä oman polkunsa taiteessa.

Anton Losenko. Adonisin kuolema. 1764 Öljy kankaalle. 77,6 x 105,2 cm

Anton Losenko. Zeus ja Thetis. 1769
Kangas, öljy. 172 x 126 cm, Venäjän valtion museo

Ja myöhemmin opettaessaan nuoria taiteilijoita Akatemiassa hän ei lopettanut opiskelemista itse. Hän pyrki täydelliseen tekniikan hallintaan, anatomian ja perspektiivin tarkkaan tuntemukseen. Hänen piirustuksiaan pidetään yhtenä 1700 -luvun grafiikan korkeimmista saavutuksista; he toimivat pitkään mallina akatemian opiskelijoille piirustuskursseilla. Ensimmäistä Venäjän muovianatomia käsittelevää oppikirjaa, jonka hän kokosi - "Selittämällä henkilön lyhyt suhde ... piirustusharjoittelun nuorten hyväksi ..." - käytettiin myös Akatemiassa useita vuosikymmeniä.

Losenkon taiteelliset periaatteet määritettiin 1960 -luvun loppuun mennessä. Klassismin selkeä logiikka tuolloin vaikutti raikkaalta ilmasta koristeellisen teeskentelyn ja ruuhkautumisen taustalla myöhäisbarokin ja rokokoon allegorioiden kanssa, joiden hengessä Venäjälle kutsutut ulkomaiset taiteilijat sitten työskentelivät (esim. Torelli ja F. Fontainebasso). Vuonna 1768 Losenko maalasi kaksi "tavallisen ihmisen kokoista akateemista hahmoa" - alastoman ruumiin tutkimuksia, joiden perinteiset nimet ovat "Kain" ja "Abel", ja vuotta myöhemmin - maalaus "Zeus ja Thetis". Näissä teoksissa hän julisti ensin itsensä klassismin suunnan taiteilijaksi.

Losenkon parhaat teokset ovat historiallisen genren kankaita, jotka on kirjoitettu muinaisen ja ennen kaikkea kansallisen historian teemalla. Vuonna 1770 hän esitteli Akatemiassa maalauksen "Vladimir ja Rogneda". Sen juoni perustuu XIX vuosisadan tapahtumiin, joita on kuvattu "Tarina menneistä vuosista". Vladimir, tuleva Kiovan suurherttua, houkutteli Polotskin prinsessa Rognedaa ja saatuaan kieltäytymisen hän vangitsi hänet voimalla voitettuaan Polotskin ja tappamalla hänen isänsä ja veljensä. Vetoomus Venäjän historian juoniin oli innovatiivinen ja samalla erittäin suuntaa antava 1700 -luvun jälkipuoliskolle, jolloin Venäjän yhteiskunta alkoi kansallisen nousun olosuhteissa ymmärtää historiallisen menneisyytensä merkityksen ja suuruuden. Kronikoiden ja legendojen sankarit seisoivat samalla tasolla kuin muinaiset ja raamatulliset hahmot osoittamalla samaa esimerkkiä vahvoista intohimoista ja korkeista tunteista.

Anton Losenko. Abraham uhraa poikansa Iisakin. 1765
Kangas, öljy. 202 x 157 cm Venäjän valtionmuseo

Anton Losenko. Upea kalasaalis. 1762
Kangas, öljy. 159,5 x 194 cm, Venäjän valtion museo

Kuvassa Vladimir ei ole julma valloittaja. Hän on rakastunut ja masentunut rakkaan naisen surusta, jonka hän itse aiheutti hänelle. Ovatko mielivalta ja rakkaus yhteensopivia? Tarina, jonka Losenko tiesi hyvin, antoi vastauksen: Vladimir ja Rogneda asuivat monta vuotta menestyvässä avioliitossa - kunnes prinssi jätti hänet Bysantin prinsessan vuoksi, jonka hänen täytyi mennä naimisiin poliittisista syistä.

Kolme vuotta myöhemmin taiteilija esitteli yleisölle toisen maalauksen historiallisesta aiheesta-"Hectorin jäähyväiset Andromachelle", monimutkaisen monihahmoisen sävellyksen, joka on tehty ammattimaisella loistolla ja ylistäen uhrautumista isänmaan puolesta.

Losenkon jälkeen koko galaksi historiallisia maalareita tuli venäläiseen taiteeseen, joista suurin osa oli hänen oppilaitaan: I. Akimov, P. Sokolov, G. Ugryumov, M. Puchinov. Kaikki heistä erottuvat korkealla taitotasolla: viimeistelty piirustus, värin ja valon ja sävyn sujuvuus, monimutkaisimpien sommittelutekniikoiden käyttö.

Tämä taito tekee suuren vaikutuksen yhdeksäntoista-vuotiaan Akimovin kuvassa "Suuriruhtinas Svjatoslav suuteli äitiään ja lapsiaan palatessaan Tonavalta Kiovaan", joka on kirjoitettu opettajan suuren vaikutuksen alaisena, mutta melko kypsän taiteilijan taso. Myöhemmin I.A. Akimov (1754-1814) loi useita maalauksia, jotka liittyivät pääasiassa mytologisiin aiheisiin (esimerkiksi "Herkuleen itsetuhoaminen"), joita opetti akatemia pitkään ja johti sitä aikoinaan. Vuonna 1804 hän kirjoitti yhden ensimmäisistä venäläistä taidetta käsittelevistä esseistä - "Lyhyt historiallinen uutinen joistakin venäläisistä taiteilijoista".

P.I. Sokolov (1753-1791), maalaus "Elohopea ja Argus" on erityisen mielenkiintoinen, jossa luottamuksellisesti nukahtavan mahtavan voimakkaan miehen ja ovelan ovelan miehen Mercuryn luvut ovat vastakohtana toisilleen. Sokolov tunnetaan myös yhtenä parhaista akateemisista piirtäjistä: taidekriitikot pitävät hänen italialaisella lyijykynällä ja liidullaan sävytetyllä paperilla kuvaamiaan istujia 1700 -luvun venäläisen grafiikan korkeimpina saavutuksina.

M. Esimerkki tällaisesta koristeellisesta, värillisesti rikkaasta koostumuksesta on maalaus "Aleksanteri Suuren tapaaminen Diogenesin kanssa", joka kuvaa tapaamista filosofi Aleksanteri Suuren kanssa, josta hän sai akateemikon arvonimen vuonna 1762.

Ivan Akimov. Prometheus tekee patsaan Minervan käskystä. 1775
Kangas, öljy. 125 x 93 cm Venäjän valtionmuseo

Ivan Akimov. Saturnus viikatteella, istuu kivellä ja leikkaa Amorin siivet. 1802
Kangas, öljy. 44,5 x 36,6 cm, valtion Tretjakovin galleria

Matvey Puchinov. Aleksanteri Suuren tapaaminen Diogenesin kanssa
Öljy kankaalle 217 x 148 cm Valtion Venäjän museo

G.I. Ugryumov (1764-1823). Hän oli rakastunut Venäjän historiaan ja piirsi siitä maalauksiaan. Hän maalasi pääasiassa suuria monihahmoisia kankaita, jotka oli omistettu tärkeille historiallisille tapahtumille, täyttäen ne ideoilla, jotka olivat lähellä Venäjän yhteiskuntaa vuosisadan vaihteessa. Esimerkiksi maalauksessa "Mihail Fedorovichin kutsu kuningaskuntaan 14. maaliskuuta 1613" (viimeistään 1800) hän kehittää vallan teemaa velvollisuudeksi ja taakkaa, joka on ajankohtainen. Vaikka nuori Mihail ei ole varma kyvyistään, hän tottelee ihmisten tahtoa, jotka valitsivat hänet valtakuntaan, koska hän tuntee vastuuta ihmisiä ja isänmaata kohtaan.

Ugryumovin sankareita voivat olla paitsi hallitsijat ja komentajat ("Aleksanteri Nevskin juhlallinen tulo Pihkovan kaupunkiin voiton jälkeen saksalaisista", "Kazanin valloitus"), vaan myös tavalliset ihmiset, kuten legendaarinen kiinalainen nahkatyöntekijä Yan Usmar ("Yan Usmarin voiman testi"). Hänen kankailleen on tunnusomaista semanttisen täyteläisyyden lisäksi ilmeikkäät koostumusratkaisut, rikas väri, kirkas valon ja varjon leikki.

Ugryumovista tuli historiallisen maalauksen opettaja Akatemiassa 1990 -luvun alussa (pian valmistumisensa jälkeen) ja hän pysyi sellaisena yli kaksikymmentä vuotta. Hän paransi piirtämisen opetusmenetelmää ja teki siitä vapaamman, lähempänä luontoa. Erinomainen tekninen koulutus, jonka Akatemia antoi opiskelijoilleen seuraavan vuosisadan aikana, johtuu suurelta osin hänen ansioistaan.

Grigori Ugryumov. Mihail Fedorovich Romanovin kutsu valtakuntaan 14. maaliskuuta 1613. Viimeistään 1800
Kangas, öljy. 510 х 393 cm, Venäjän valtion museo

Grigori Ugryumov. Kazanin kaappaus 2. lokakuuta 1552 Viimeistään 1800. Öljy kankaalle. Koko 510 x 380 cm
Valko -Venäjän tasavallan kansallinen taidemuseo, Minsk

Grigori Ugryumov. Aleksanteri Nevskin juhlallinen tulo Pihkovan kaupunkiin voiton jälkeen saksalaisista. 1793 (1794?). Öljy kankaalle 197,5 × 313,5 cm Venäjän valtionmuseo

Grigori Ugryumov. Voimatesti Jan Usmar 1796 (1797?)
Öljy kankaalle 283 x 404 cm Valtion Venäjän museo

1700 -luvun toinen puoli oli venäläisen muotokuvataiteen suuren nousun aikaa. Mestarien uusi sukupolvi on tulossa, ja hänellä on uusia ideoita ja ideoita siitä, millainen muotokuva pitäisi olla. Klassismi vaikuttaa heihin, mutta paljon vähemmän kuin historiallisiin maalareihin. Innostuneen inhimillisen persoonallisuuden vuoksi he pyrkivät näyttämään sen mahdollisimman syvältä ja monipuoliselta. Muotokuvan typologia laajenee: pukeutunut ja mytologinen lisätään jo olemassa oleviin seremoniallisiin ja kamarimuotokuviin. Mallien sosiaalinen ympyrä kasvaa - mikä on tyypillistä lähinnä luovan työn ihmisille, jotka ovat ansainneet mainetta lahjakkuudestaan ​​ja tiedostaan ​​eivätkä korkeasta alkuperästään. Muotokuvaaminen lakkaa olemasta elitistinen, ylittää pääkaupungit: Venäjän maakuntien asukkaat haluavat myös ikuistaa itsensä jälkipolville, ja lukuisten maakuntamaalareiden ponnisteluilla luodaan laaja kuvagalleria; mielenkiintoista materiaalia taidekriitikkoille ja historioitsijoille.

Sanalla sanoen muotokuvataidetta voidaan turvallisesti kutsua vuosisadan jälkipuoliskon venäläisen maalauksen huipuksi. Ensinnäkin tällä huippukokouksella on kaksi nimeä: Rokotov ja Levitsky.

Rokotov ja Levitsky. Jokainen, joka on koskaan nähnyt heidän luomansa muotokuvat, pysyy ikuisesti viehätyksensä alla. Niin samanlaisia ​​ja niin erilaisia. Graceful Levitsky, leikkii kuvilla, käyttää anteliaasti yksityiskohtia, vertauksia, esityksiä - toisinaan hän ei kuitenkaan halua vastustaa leikkiä malleillaan täysin rakastavalla asenteella niitä kohtaan. Ja salaperäinen Rokotov - hänen maalaustensa kasvot nousevat epämääräisestä hämärästä, jännittävät ja houkuttelevat epätavallisesti ... Tekniikoiden näennäisen yksitoikkoisuuden ansiosta hän saavuttaa hämmästyttävän psykologisen syvyyden ja emotionaalisen vaikutuksen voiman. Taidehistorioitsijat vertaavat näitä taiteilijoita joskus kahteen muuhun suureen muotokuvamaalariin, brittiläisiin, Reynoldsiin ja Gainsboroughiin. Itse asiassa rinnakkaisuudet ovat selvät. Emme tietenkään puhu minkäänlaisesta vaikutusvallasta tai lainaamisesta. Tämä on sisäistä läheisyyttä. Yksi aikakausi, samankaltaiset historialliset prosessit ... Ihmiset, jotka asuvat eri puolilla Eurooppaa, löytävät usein itsessään paljon enemmän yhteistä kuin jostain syystä yleisesti uskotaan.

MEILLE. 65:

Fedor Rokotov. Praskovya Nikolaevna Lanskoyn muotokuva. 1790 -luvun alku. Kangas, öljy. 74 x 53 cm (opaali). Valtion Tretjakovin galleria
Fedor Rokotov. Varvara Ermolaevna Novosiltsevan muotokuva. 1780 Öljy kankaalle. 70,5 x 59 cm (soikea). Valtion Tretjakovin galleria

Emme tiedä paljon Fjodor Stepanovitš Rokotovin elämästä. Syntymäaika on kiistanalainen: 1732 tai 1735; ja ehkä 1736 (taiteilija kuoli vuonna 1808). Tiedetään, että hän syntyi maaorjien perheeseen ja sai vapautensa maalaamisen aloittamisen jälkeen. Hän saavutti mainetta aikaisin: 50 -luvun lopulla, kun hän oli vielä kaukana kolmekymppisestä, hänet tehtiin esittämään seremoniallinen muotokuva suuriruhtinas Peter Fedorovichista (tuleva Pietari III). Samaan aikaan hän maalasi töilleen epätavallisen maalauksen - yhden ensimmäisistä venäläisistä sisätiloista “The Cabinet of I.I. Shuvalov ". Tämä ei ole vain sisustus, se on eräänlainen "muotokuva ilman mallia" (näemme kuitenkin edelleen Shuvalovin: hänen J.-L. de Vallyn muotokuva roikkuu toimiston seinällä). Kreivi Ivan Shuvalov oli paitsi merkittävä valtiomies, myös yksi aikansa koulutetuimmista ihmisistä, Moskovan yliopiston perustaja, taiteen tuntija ja tuntija. Rokotovin maalaus, joka toistaa toimistonsa tunnelman dokumentaarisella tarkkuudella, herättää hänen tunnelmansa ja auttaa meitä ymmärtämään paremmin tätä poikkeuksellista henkilöä.

Rokotov asui Pietarissa 1960-luvun puoliväliin saakka. Silloinkin hänellä oli niin paljon tilauksia, että vaikka hän työskenteli hyvin nopeasti, opiskelijoiden oli täytettävä muotokuvien pienet yksityiskohdat. Yksi hänen aikalaisistaan ​​kirjoitti innokkaasti A.P. Sumarokov, joka luotiin vain kolmessa istunnossa: "... sinä, melkein leikkivä, merkitsit vain kasvojen ulkonäköä ja näön (katseen) terävyyttä, tuona hetkenä evon tulinen sielu kaikella hellyydellä sydän kankaallasi, jonka herätit henkiin, ei piilottanut asya ... ".

Fedor Rokotov. Varvara Nikolaevna Surovtsevan muotokuva. 1780 -luvun toinen puoli.
Kangas, öljy. 67,5 x 52 cm (soikea). Venäjän valtion museo

Fedor Rokotov. Muotokuva Agrafenasta (Agrippina?) Mikhailovna Pisareva (?),
syntynyt Durasova. 1790 -luvun alkupuolisko.
Kangas, öljy. 63,5 x 49,5 cm (soikea). Venäjän valtion museo
Fedor Rokotov. Muotokuva kreivitär Elizaveta Vasilyevna Santi, syntynyt Lachinova. 1785
Kangas, öljy. 72,5 x 56 cm (soikea). Venäjän valtion museo

Vuonna 1761 maalattu suuriruhtinas Pavel Petrovichin muotokuva on erittäin hyvä. Muutamaa vuosikymmentä myöhemmin tästä miehestä tulee Venäjän keisarimysteeri, jolla on käsittämätön asenne ja traaginen kohtalo. Sillä välin se on vain pieni poika, vilkas ja oikukas; lapsuuden viehätys korostuu kultaisten ja punaisten sävyjen lämpimällä yhdistelmällä, jolle kuvan väri on rakennettu.

Noin 1766 taiteilija muutti Moskovaan. Siellä 1960- ja 1980 -luvuilla kirjoitettiin hänen parhaat teoksensa: muotokuvia V.I. Maikova, A.I. Vorontsova, A.M. Obreskova, A. Yu. Kvashina-Samarina, V.E. Novoseltseva, P.N. Lanskoy, E.V. Santi, Struiskien ja Surovtsevien aviomies ja vaimo ja monet muut. Hän kirjoitti tiukasti kamarityyliin ja osoitti ajan myötä kasvavaa painovoimaa kohti klassista yksinkertaisuutta. Minimaalinen yksityiskohta, yksinkertainen tumma tausta. Kaikki katsojan huomio kiinnitetään mallin kasvoihin. Nämä henkilöt ovat hyvin erilaisia, heitä yhdistää se tosiasia, että he ovat kaikki hengellistettyjä. Rokotov ei maalannut pieniä ihmisiä, tai pikemminkin hän pystyi havaitsemaan sen syvyyden jokaisessa, joka poseerasi hänelle. Vilkkaat silmät katsovat meitä nyt pilkallisesti, nyt surullisesti, nyt tuskallisen ahdistuksen kanssa. Niissä on aina mysteeri, meille tuntemattoman elämän mysteeri. Kyvyttömyys selvittää se huolestuttaa häntä, saa hänen ikäisensä uudestaan ​​ja uudestaan ​​...

Ehkä parasta tässä hypnoottisessa vaikutuksessa, joka Rokotovin muotokuvilla on katsojaan, runoilija Nikolai Zabolotsky sanoi:

... muistatko kuinka menneisyyden pimeydestä,
Tuskin satiiniin kääritty
Jälleen Rokotovin muotokuvasta
Katsoiko Struyskaya meitä?
Hänen silmänsä ovat kuin kaksi sumua
Puoliksi hymy, puoliksi itku,
Hänen silmänsä ovat kuin kaksi petosta
Epäonnistumisen sumun peitossa.
Kahden arvoituksen yhdistelmä,
Puoliksi iloinen, puoliksi peloissaan,
Hullun hellyyden kohtaus
Kuolevaisen kärsimyksen ennakointi ...
(Runosta "Muotokuva", 1954).

Dmitri Grigorjevitš Levitski (1735-1822) syntyi ja vietti varhaisvuutensa Ukrainassa. Taide seurasi häntä lapsuudesta lähtien: hänen isänsä, pappi, rakasti kaiverruksia ja häntä pidettiin yhtenä parhaista ukrainalaisista kaivertajista. On kuitenkin vaikea sanoa, miten Levitskyn kohtalo olisi kehittynyt, jos se ei olisi ollut tapaamista A.P. Antropov, joka tuli Kiovaan valvomaan Pyhän Andreaksen kirkon maalauksia. Antropov huomasi Dmitryn lahjakkuuden ja otti hänet opiskelijaksi.

Levitsky oppi paljon opettajaltaan. Ensinnäkin - kyky antaa tarkka ja varma luonnehdinta kuvatusta henkilöstä. Mutta hän meni paljon pidemmälle kuin Antropov, täyttäen teoksensa syvyydellä ja sijoittamalla niihin humanismin ja näkemysten leveyden, jotka tekevät hänestä samankaltaisen kuin Rokotov.

Ensimmäiset maalaukset, joiden avulla voimme puhua Levitskystä kypsänä taiteilijana, hän maalasi 1960- ja 1970 -luvun vaihteessa. Nämä ovat muotokuvia A.F. Kokorinov (kuuluisa arkkitehti, Taideakatemian rakennuksen rakentaja) ja N.A. Sezemova. Sezemovin muotokuvassa kiinnitetään huomiota kuvatun henkilön ulkonäköön - kotoisin talonpojista, epätavallista tuon ajan taiteelle. Denis Diderotin muotokuva, joka on maalattu vuonna 1773, kun ranskalainen filosofi tuli Pietariin, on myös erittäin mielenkiintoinen.

Samana vuonna 1773 Levitski sai suuren tilauksen Katariina II: lta. Vuoteen 1776 asti hän jatkoi työtään "Smolyanka" - sarja Smolny -instituutin oppilaiden muotokuvia, juuri sellainen, joka kunnioittaisi hänen nimeään ikuisesti, vaikka hän ei olisi maalannut mitään muuta. Yleinen vaikutelma, joka syntyy, kun yksi toisensa jälkeen tutkii näitä hämmästyttäviä muotokuvia, voidaan ilmaista muutamalla sanalla: onnellisuus, ilo, juhla! Nämä nätit teatteripuvuiset tytöt, jotka esittävät taitavasti pastoraalisia kohtauksia taiteilijan edessä, ovat vain ihme, kuinka hyviä he ovat. Täällä aurinkoisen Pikku -Venäjän syntyperä antoi ilmaa rakkaudelleen elämää kohtaan, optimismille ja ihailulle itse olemisesta. Jokainen muotokuva on itsenäinen teos, jokaisella Smolyankalla on oma luonteensa. Mutta kaikki yhdessä muodostavat upean semanttisen ja tyylillisen ykseyden, ja ilman intoa kuin kasvonsa taiteilija kirjoittaa heidän asunsa ja välittää mestarillisesti kankaiden piirteet: silkki ja satiini, sametti, pitsi ja brokaat.

Ja tässä on toinen kaunis kuva, joka on maalattu kaikki vuonna 1773. Siinä Levitsky osoitti paitsi taitoa ja huumorintajua, mutta ehkä poikkeuksellista rohkeutta. Tämä on muotokuva kuuluisasta kasvattajasta P.A. Demidov. Muotokuva on seremoniallinen: Demidov on kuvattu ylpeässä asennossa, täydessä kasvussa, hänen takanaan, kuten sen pitäisi olla, on sarakkeita ja verhoja. Hän ei kuitenkaan ole pukeutunut univormuun tilausten mukaan, vaan talonlakkiin ja aamutakkiin eikä nojaa johonkin suuren taiteilijan folioon tai rintakuvaan, vaan kastelukannuun. Käden hallitseva ele on osoitettu kukkaruukkuille: tässä se on elämän tärkein saavutus ja työ! Muotokuvan ironinen merkitys ei tietenkään ole pelkästään mallin upottaminen kotiympäristöön: tällainen tekniikka, joka on nähty useammin kuin kerran 1700 -luvun muotokuvamaalauksessa, lisäisi vain vilpittömyyttä ja lämpöä . Mutta juuri epäyhtenäisyyden yhdistelmä auttaa antamaan tuhoisan tarkan kuvauksen Demidovista, jolla oli toisaalta erinomainen mieli, ja toisaalta erittäin outo asenne, jossa oli selviä merkkejä absurdista tyranniasta.

Tämä ominaisuuksien tarkkuus on ominaista kaikille Levitskyn muotokuville. Hän tietää täydellisesti, kuinka huomata ihmisen tärkein asia ja luoda kokonaisvaltainen elävä kuva. Eikä hän koskaan viittaa malliinsa kylmällä objektiivisuudella. Jos hän pitää ihmisestä, hän maalaa lämpöä säteilevän kuvan (muotokuvia MA Dyakova-Lvovasta, taiteilijan isästä ja hänen tyttärestään, aviomiehestä ja vaimosta Bakuninsista ja muista).

Dmitri Levitski. Papin muotokuva (G.K. Levitsky?). 1779
Kangas, öljy. 71,2 x 58 cm, valtion Tretjakovin galleria

Dmitri Levitski. Arkkitehti Alexander Filippovich Kokorinovin muotokuva. 1769

Dmitri Levitski. Muotokuva keisarillisen kasvatusyhdistyksen oppilaille jaloille neitoille Feodosia Stepanovna Rzhevskaya ja Nastasya Mikhailovna Davydova. 1772
Kangas, öljy. 161 х 103 cm Valtion venäläinen museo

Dmitri Levitski. Muotokuva keisarillisen kasvatusyhdistyksen oppilasta jaloille neitoille Ekaterina Ivanovna Nelidova 1773.
Öljy kankaalle 164 x 106 cm Valtion Venäjän museo

Dmitri Levitski. Muotokuva Jekaterina Ivanovnasta, aatelisten tyttöjen keisarillisen kasvatusseuran oppilas
Molchanova. 1776. Öljy kankaalle. 181,5 x 142,5 cm Venäjän valtionmuseo

Dmitri Levitski. Muotokuva Natalia Semjonovnasta, Keisarillisen kasvatusyhdistyksen jalojen tyttöjen oppilaasta
Borshchova. 1776. Öljy kankaalle. 196,5 x 134,5 cm, Venäjän valtion museo

Dmitri Levitski. Ivan Logginovitš Golenishchev-Kutuzovin muotokuva
Kangas, öljy. 80,3 x 63,2 cm. Valtion historiallinen museo, Moskova

Dmitri Levitski. Aleksanteri Vasiljevitš Suvorovin muotokuva. 1786
Kangas, öljy. 80,5 x 62,5 cm. Tropinin ja hänen aikansa Moskovan taiteilijat, Moskova

Dmitri Levitski. Muotokuva Anna Stepanovna Protasovasta, Katariina II: n entisestä kamaritarista. 1800
Kangas, öljy. 81,5 x 64,5 cm, Venäjän valtion museo

Dmitri Levitski. Katariina II: n muotokuva. C. 1782
Kangas, öljy. Valtion museo-suojelualue "Pavlovsk"

Petr Drozhdin. Katariina II: n muotokuva. 1796
Kangas, öljy. 251 x 187 cm, valtion Tretjakovin galleria

Ermolay Kamezhenkov. Muotokuva Taideakatemian kunniatohtorista, taidemaalari Johann Friedrich Grothista. 1780
Kangas, öljy. 134 x 102 cm Venäjän valtionmuseo

Mutta häikäisevin ulkoinen kirkkaus ei voi saada häntä piilottamaan ylimielisyyttä, töykeyttä tai petosta sinne, missä hän huomaa ne (esimerkiksi Ursula Mniszekin ja Anna Davian muotokuvissa).

Kuitenkin Levitskyn teosten joukossa on yksi, jossa hän ei salli itselleen taiteellisen puolueellisuuden ilmenemistä. Puhumme kuuluisasta Katariina II: n muotokuvasta (ensimmäinen versio luotiin vuonna 1783). Tässä hänellä oli selkeästi määritelty tehtävä: keisarinna-lainsäätäjän imagon luominen, valaistuneen monarkian ajatuksen ruumiillistuma. Tämä ajatus oli suosittu tuolloin yhteiskunnassa. Levitsky itse jakoi sen - siksi hän pystyi luomaan tämän kankaan niin kirkkaasti, juhlallisen ododin tavoin, Derzhavinin Felitsan hengessä.

Yli viisitoista vuotta (1771–1787) Levitsky opetti muotokuvia Taideakatemiassa. Hänen oppilaansa oli merkittävä muotokuvamaalari Shchukin, joka kuului jo venäläisten taiteilijoiden seuraavaan sukupolveen. Tietenkin hänen vaikutuksensa eivät tunteneet vain ne, joita hän opetti maalaamaan. Voimme puhua koko tuon ajan taiteilijapiiristä, joka on tyyliltään ja näkemykseltään muotokuvista lähellä Levitskiä.
Ensinnäkin se on P.S. Drozhdin (1745-1805), joka Levitskin lisäksi opiskeli myös Antropovin kanssa ja kirjoitti vuonna 1776 erittäin lämpimän ja psykologisesti tarkan kuvan Antropovista poikansa kanssa vaimonsa muotokuvan edessä. Tunnetaan myös hänen muotokuvansa nuoresta miehestä sinisessä kaftanissa (1775), tveriläisestä (1779) ja monista muista, jotka muodostavat gallerian hyvin erilaisista ihmishahmoista.

On mahdotonta olla mainitsematta E.D. Kamezhenkov (1760-1818), jonka parhaat teokset ("Tuntemattoman miehen muotokuva violetissa puvussa", "Omakuva tyttärensä Alexandran kanssa", muotokuvia tyttärestään lastenhoitajan kanssa, IF Grot) luonnehtivat häntä myös taiteilijaksi Levitskin ympyrä.

Mihail Shibanov. Talonpoikainen lounas. 1774
Kangas, öljy. 103 x 120 cm, valtion Tretjakovin galleria

Tietenkin olemme luetelleet kaukana kaikista muotokuvamaalareista, jotka työskentelivät Venäjällä Katariinan aikana. Heitä oli paljon pääkaupungeissa ja maakunnissa. Mukaan lukien ulkomaalaiset taiteilijat, jotka enemmän tai vähemmän menestyneet sopivat venäläisen maalauksen kokonaiskuvaan (esimerkkinä voidaan nimetä K. Khristinek, joka on tavallaan lähellä Rokotovia). Muotokuvataide kehittyi jatkuvasti. 1800 -luvun 90 -luvulla se siirtyi uuteen vaiheeseen.

Toisin kuin muotokuva, genren tyylilaji 1700 -luvulla oli vasta syntymässä. Sen kukoistus tulee ensi vuosisadalla, joka tunnetaan demokraattisista suuntauksistaan. Sillä välin arjen kauneutta arvostavat taiteilijat etsivät uusia teemoja ja aiheita ja katsoivat varovaisella uteliaisuudella avausnäkymiin.

Heille paljastettiin tavallisten ihmisten, ensisijaisesti talonpoikien, elämä.

Venäjän talonpoikaongelma on aina ollut akuutti. Varsinkin tuhoisan Pugatšovin sodan jälkeen. Koulutettu yhteiskunta ei kuitenkaan halunnut nähdä talonpoikissa vain ryöstäjiä tai kasvottomia ja äänettömiä aineellisen vaurauden ansaitsijoita. Oivallus, että tämä on Venäjän kansa, syntyi hänessä. Tästä herää kiinnostus talonpoikaiselämää, pukua, rituaaleja ja perinteitä kohtaan. Se oli monella tapaa myös niin sanotusti etnografista: Venäjän aatelisto (1700 -luvun koulutettu yhteiskunta oli, kuten tiedätte, lähes yksinomaan jalo) tutustui lähes tuntemattomaan elämän puoleen.

Tämän kiinnostuksen valossa tarkastelemme venäläisen maalauksen genren perustajan Mihail Shibanovin työtä.

Emme tiedä käytännössä mitään hänen elämästään, paitsi orjien (mahdollisesti prinssi Potjomkin) alkuperä ja se, että hän kirjoitti parhaat teoksensa 1970 -luvulla. Ja työ on hienoa. Maalaukset, kuten "talonpoikaillallinen", "salaliitto" ja erityisesti "hääjuhlan juhla" mahdollistavat hänen asettamisen riviin aikansa parhaiden taiteilijoiden kanssa. Tietysti hän tiesi hyvin maalauksissaan esittämänsä elämän. Toisen takana on merkintä, että se edustaa "Suzdalin talonpoikien provinssia" ja oli kirjoitettu "samassa maakunnassa, Tatarovon kylässä". Venäläiset puvut, jokapäiväiset ja juhlalliset, on maalattu kauniisti kankaille, jokapäiväisen elämän yksityiskohdat esitetään aidosti. Mutta Shibanoville tärkeintä on hänen kasvonsa. He ovat täysin elossa. Miten erilaisia ​​hahmoja ja tunnelmia! Ja "Hääsopimuksen juhlinnan" vanhan naisen kasvot ovat mielestämme yksinkertaisesti todellinen mestariteos.

Mihail Shibanov. Muotokuva kreivi A.M. Dmitriev-Mamonov. 1787
Kangas, öljy. Nižni Novgorodin valtion taidemuseo

Mihail Shibanov Katariina II: n muotokuva. 1787. Öljy kankaalle. Koko 70 x 59 cm
Valtion palatsi ja puistomuseo-suojelualue "Gatchina"

Shibanovin ominaisuuksien hallitseminen ilmeni paitsi jokapäiväisessä maalauksessa. Hän maalasi useita loistavia muotokuvia Katariina II: sta matkapuvussa, hänen suosikki A.M. Dmitriev-Mamonov, Spiridonov, Nesterov. Mutta hän tuli venäläisen taiteen historiaan tietysti kansanaiheen löytäjänä.

I. Ermenev (1746 - vuoden 1789 jälkeen), akvarelli ja graafikko, sulhasen poika, joka valmistui Taideakatemiasta ja tunnetaan osallistumisesta Bastillen kaappaamiseen 14. heinäkuuta 1789, työskenteli tämän aiheen parissa. aivan eri tavalla. Hänen työstään on säilynyt hyvin vähän: useita graafisia arkkeja, joista yksi on epätavallinen sarja, joka kehittää kuvia talonpojista. Häntä voitaisiin kutsua "kerjäläisiksi". Ermenev kuvaa kerjäläisiä eri versioina ja kulmista, omituisella monumentaalisella groteskilla tavalla. Kun katsot sarjan arkkeja, tuntuu siltä, ​​että tapaaminen näiden onneton ihmisten kanssa järkytti taiteilijaa syvästi. Eikö tämä shokki heittänyt hänet lopulta vallankumouksellisen Ranskan veriseen myrskyyn? ..

Tarina 1700 -luvun jokapäiväisestä maalauksesta on epätäydellinen, jos emme mainitse I. Firsovin upeaa maalausta "Nuori maalari" - yksi ensimmäisistä tähän genreen liittyvistä aiheista. Tähän kuvaan ja sen tekijään liittyy useita mysteerejä. Onko tämä sama Firsov, joka 50 -luvulla osana maalauksellista rakennuskanslerin tiimiä loi barokkityylisiä urakkoja? Milloin ja missä maalaus maalattiin? Oletetaan, että Pariisissa ja että se kuvaa ranskalaista perhettä. Jälkimmäisellä ei kuitenkaan ole merkitystä. Kuva on todella upea - sen raikkaalla värillä, koostumuksen keveydellä, hahmojen, erityisesti lasten, viehättävällä vilkkaudella. Se luotiin kuin yhdellä hengityksellä. Ja kuten Levitskin Smolyanka, se saa meidät tuntemaan kevyen, huimaavan ilman, jota 1700 -luvun Venäjä hengitti.

Katariina Suuren aikakausi päättyi vuonna 1796. Hän jätti Venäjän voimakkaaksi, vauraaksi, mutta rasittuneeksi vakavista ongelmista, yhä höyryäviksi, mutta konkreettisiksi - niiden piti ilmetä täydellä voimalla ensi vuosisadalla. Myös ulkoinen tilanne oli vaikea. Ranskassa puhkesi vallankumous pyyhkäisi täysin pois Euroopan rauhan ja tasapainon. Järkyttämättömäksi koettu osoittautui hauraaksi ja lyhytaikaiseksi.

Näissä olosuhteissa klassismin symmetria ja moraalinen varmuus eivät enää vastanneet yhteiskunnan hengellisiä tehtäviä. Maailma osoittautui paljon ristiriitaisemmaksi. Muunnettu klassismi - imperiumityyli, "keisarillinen" - on painokkaasti suuntautunut antiikkiin, mutta jo vailla sitä tiukkaa, suhteellista selkeyttä, joka oli sille ominaista aiemmin, on tulossa muodiin (jälleen ensin Ranskassa).

Tämän ajan taiteilijoille oli ominaista pyrkimys luonnollisuuteen ja innokas kiinnostus ihmissielujen hienoimpiin liikkeisiin. Ei ole sattumaa, että vuosisadan loppuun mennessä maisemasta tuli itsenäinen genre venäläisessä maalauksessa.

Maiseman suunnittelussa genreinä aiemmin luoduilla ja niin sanotuilla kognitiivisilla ja topografisilla näkymillä kaupungeista, puistoista, palatseista ja muista ikimuistoisista paikoista oli rooli; ja myös - teatterimaisemat, sisustusmaalaukset ja -paneelit, muotokuvien maisemakomponentit ja monihahmomaalaukset. Maisema toimi koristeena tai taustana, parantaen parhaimmillaan teoksen emotionaalista vaikutelmaa. Mutta vuosisadan loppuun mennessä tietoisuus siitä, että ensinnäkin luontokuva on itsessään arvokas, ja toiseksi, että sen monimutkaisimmat ihmisen mielialat voidaan ilmaista sen kautta, vahvistuu.

Semyon Fedorovich Shchedriniä (1745-1804) voidaan pitää venäläisen maisemamaalauksen perustajana. Hän on taiteilijadynastian ensimmäinen edustaja, jota ylistää 1800 -luvun ensimmäisen puoliskon erinomainen maisemamaalari Sylvester Shchedrin, mutta hänen omilla teoksillaan oli myös erittäin tärkeä rooli venäläisen taiteen kehittämisessä.

Shchedrin uskoi klassismin periaatteiden mukaisesti, että hänen oli maalauksissaan ”korjattava” luonto ja paljastettava siinä epäsuhtaisen ja satunnaisuuden taakse piilotettu suhteellisuus. Samaan aikaan vuosisadan lopun taiteelliselle ympäristölle tyypillisen tunnelman hengessä hän etsii runoutta ja ainutlaatuista kauneutta luonnosta.

Hänen maisemansa 1970- ja 1980 -luvuilta ovat pääasiassa kuvitteellisia paikkoja, painokkaasti ilmeikkäitä ja kauniita puita kirkkaassa pitsi -lehdessä. Hänen näkemyksensä maisemamaalauksesta ovat muuttuneet 1990 -luvun jälkeen ja muuttuneet monin tavoin innovatiivisiksi. Hän löytää kauneuden tosielämän maisemista. Maalaa näkymiä Pietarin läheisyydessä sijaitsevista kuuluisista puistoista - Gatšina, Pavlovsk, Pietarhovi: "Näkymä Gatšinan palatsista Long Islandilta" (1796), "Kivisilta Gatšinassa lähellä Connetable -aukiota" (1799-1801). Ja myös - Pietari itse (esimerkiksi "Näkymä Bolshaya Nevkaan ja Stroganovien dachaan", 1804), jonka kuvassa luonto on hänelle tärkein asia ja arkkitehtoniset rakenteet nähdään osana sitä.

Tämä oli tietysti luonto, ihmisen käsien tilaama. Kun se siirrettiin kankaalle, Shchedrin noudatti huolellisesti klassistista symmetriaa, jakoi tilan kolmeen tasoon jne. Mutta taivaan ja pilvien väri, horisontin heikentänyt sameus, auringon häikäisy Nevan vedessä - lyhyesti sanottuna se valo -ilma -ympäristö, jonka kuvassa seuraavan vuosisadan taiteilijat saavuttivat täydellisyyden - saivat enemmän ja tärkeämpää hänelle.

Shchedrin valmisti tietä näille taiteilijoille paitsi teoksillaan. Vuodesta 1799 lähtien hän on johtanut yhdessä I. Klauberin kanssa Taideakatemian maisemakaiverrusluokkaa, josta merkittävät kaivertajat S.F. Galaktionov, A.G. Ukhtomsky, veljet Kozma ja Ivan Chesky. Pian tämä luokka alkoi valmistaa myös maisemamaalareita - Akatemian seinien sisäinen maisema sai lopulta täysimittaisen aseman.

Muotokuvaan liittyi edelleen venäläisen maalauksen parhaat saavutukset vuosisadan lopussa. Tällä hetkellä tapahtuu sukupolvien vaihto, uusia mestareita ilmestyy. Taiteilijat pyrkivät yhä enemmän kuvaamaan ihmisen sisäistä elämää, hänen syvimpiä kokemuksiaan. Muotokuva muuttuu intiimimmäksi. Se heijastaa ajatuksia sentimentaalisuudesta, suuntauksesta, joka oli suosittu vuosisadan vaihteessa ja 1800 -luvun alkuvuosina. Nämä suuntaukset ilmenivät parhaiten V.L. Borovikovsky (1757-1825) - yksi venäläisen taiteen muotokuvalajin parhaista mestareista.

Borovikovsky syntyi Ukrainassa, hän opiskeli maalausta isänsä kanssa. Ja ehkä hän olisi pysynyt provinssin muotokuvamaalaajana koko elämänsä, ellei keisarinna matkalla Etelä -Venäjälle, jonka hän teki vuonna 1787. Catherine piti Borovikovskin tekemistä tilapäisen palatsin seinämaalauksista. Ja taiteilija meni Pietariin - parantamaan maalausta. Hän opiskeli I.B. Lumpy Sr. ja mahdollisesti Levitsky. Hänestä tuli nopeasti kuuluisa ja hän sai monia tilauksia. Hänen siveltimiinsä kuuluvat loistavat seremonialliset muotokuvat prinssi Kurakinista (1801-1802), Paavalista I Maltan ritarikunnan suurmestarin puvussa (1800) ja muita. Derzhavin, D.P. Troshchinsky, kenraali F.A. Borovski.

Vladimir Borovikovsky. Muotokuva kreivitär Anna Ivanovna Bezborodkosta tyttärensä Lyubovin ja Kleopatran kanssa. 1803
Kangas, öljy. 134 x 104.5 cm Valtion Venäjän museo

Mutta ennen kaikkea Borovikovsky on mestari naispuolisia kamarimuotokuvia, tarkemmin sanottuna kotikuvia. Hän jopa maalasi Katariina II: n "Kazanin maanomistajan" kuvaksi, joka käveli puutarhassa lämpimässä viitassa. Hänen sankaritarinsa ovat unenomaisia ​​nuoria naisia ​​ja naisia, joilla on viekas hymy huulillaan, kukka tai omena kädessään ja poseeraavat mietteliäiden maisemien taustalla. Heidän kiharat sentimentaalisuuden maun mukaan ovat hieman sekavia, heidän asunsa ovat tarkoituksellisesti yksinkertaisia. Jokaisen luonne luetaan tarkasti, yhtä ei voi sekoittaa toiseen. Nämä ovat O.K. Filippova, V.A. Shidlovskaya, E.A. Naryshkina, M.I. Lopukhina, E.N. Arsenyeva, Gagarin -sisaret, talonpoikainen nainen Khristinya (jälkimmäinen on myös huomionarvoista sen vuoksi, että Borovikovskin kannalta tärkeintä ei ole "etnografinen" kuva orja -talonpoikaisesta naisesta, vaan, kuten jalojen tyttöjen muotokuvissa, sisäinen maailman).

Vuosien mittaan taiteilijan katse muuttuu ankarammaksi, hänen puolisävyihin perustuvan maalauksensa epäselvyys korvataan tiukalla muovimallinnuksella (esimerkiksi "Ladies in a Turban" -muotokuvissa - oletettavasti ranskalainen kirjailija A. -L.-J. de Stael, -DA Derzhavina ja M.I.Dolgorukoy, kirjoitettu XIX -luvun kymmenentenä vuotena).

Borovikovskin nimi venäläisessä muotokuvassa vuosisadan vaihteessa ei suinkaan ole yksin. Erittäin kirkas ja omaperäinen muotokuvamaalari oli Levitskin oppilas S.S. Shchukin (1762-1828). Hänen koko elämänsä liittyi Taideakatemiaan, jossa hän päätyi orpokodin poikaksi ja myöhemmin johti sen muotokuvausta. Hänen muotokuvissaan, jopa varhaisissa, on romantiikan esitys - kulttuurin suuntaus, joka saa vallan vasta seuraavan vuosisadan alussa ja syrjäyttää klassismin ja sentimentaalisuuden. Tässä suhteessa erityisen viitteellisiä ovat vuoden 1786 omakuva ja keisari Paavali I: n muotokuva yksinkertaisessa upseeripuvussa, keppi kädessään.

M.I. Belsky (1753-1794). Hän, kuten jotkut nykyajan taiteilijat, uskoi, että elämän totuus on arvokkaampaa kuin kuvan runollinen harmonia, eikä luonteen uskollisuutta noudattaen vältellyt ankaraa ja ristiriitaista. Nämä näkemykset heijastuivat esimerkiksi säveltäjän D.S. Bortnyansky.

Vladimir Borovikovsky. Daria Alekseevna Derzhavinan muotokuva. 1813
Kangas, öljy. 284 x 204,3 cm Valtion Tretjakovin galleria

MEILLE. 117:

Stepan Shchukin. Arkkitehti Adrian Dmitrievich Zakharovin muotokuva. C. 1804
Öljy kankaalle, 25,5 x 20 cm Tretjakovin galleria

Mihail Belsky. Muotokuva säveltäjä Dmitry Stepanovich Bortnyansky. 1788
Kangas, öljy. 65,7 x 52,3 cm, valtion Tretjakovin galleria

Nikolai Argunov. Kenraali adjutantti kreivi Aleksanteri Matvejevitš Dmitriev-Mamontovin muotokuva. 1812
Kangas, öljy. 151 x 125,6 cm, valtion Tretjakovin galleria

Nikolai Argunov. Muotokuva Matryona Ivanovna Sokolova. 1820 Öljy kankaalle. 67,1 x 52,8 cm Tretjakovin osavaltion galleria
Nikolai Argunov. Muotokuva T.V. Shlykova. 1789 Öljy kankaalle. 79 x 55 cm (soikea)
Valtion keramiikkamuseo ja "1700 -luvun Kuskovon kartano", Moskova

Lopuksi yksi tämän ajan merkittävimmistä mestareista olisi pidettävä N.I. Argunov (1771 - 1829 jälkeen). Kuuluisan maaorja-muotokuvamaalarin, Nikolai Argunovin poika ja oppilas, Nikolai Argunov itse oli orja neljäkymmentäviiden vuoden ikään asti. Hänen nuoruutensa teokset todistavat jo hänen erinomaisesta lahjakkuudestaan: "Naurava talonpoika", "Talonpoika lasilla kädessään" ja erityisesti runollinen muotokuva Sheremetev -teatterin orjatanssija Tatjana Shlykova -Granatovasta, kirjoitettu taiteilijan ollessa noin kahdeksantoista vuotta vanha. Tulevaisuudessa Argunov loi paljon enemmän upeita teoksia, muun muassa kuuluisan Praskovya Kovaleva -Zhemchugovan muotokuvia - myös orjuusnäyttelijä, josta tuli kreivi N.P. Sheremeteva ja kuoli nuoruudessaan pian poikansa syntymän jälkeen. Muotokuva, jossa hän on kuvattu raskauden viimeisillä viikoilla - mustalla taustalla, mustalla ja punaisella hupulla, huolestuneella ilmeellä laihtuneilla kasvoillaan - on täynnä tragedian aavistusta.

Näiden taiteilijoiden luovuus, kuten taikasilta, yhdisti menneisyyden ja tulevat vuosisatat. Venäläisen taiteen kiihkeä polku Pietarin Suuren ajoista lähtien on johtanut upeisiin tuloksiin. Edessä oli uusi tie. Intohimot, epätoivoiset uutuushaut, väkivaltaiset konfliktit ja todelliset taistelut taidenäkymistä - kaikki tämä oli edessä. 1700 -luvun venäläinen maalaus ei tiennyt tätä vielä. Hänen tehtävänsä oli ymmärtää Ihmistä. Ja hän suoritti tämän tehtävän loistavasti.

Nikolai Argunov. Muotokuva Ivan Yakimovista pukeutuneena Amoriksi. 1790
Kangas, öljy. 142 x 98 cm Venäjän valtionmuseo

Nikolai Argunov. Muotokuva Kalmyk -naisesta Annushkasta. 1767
Kangas, öljy. 62 x 50 cm. Valtion keramiikkamuseo ja "1700 -luvun Kuskovon kartano", Moskova

Nikolai Argunov. Senaattorin Pavel Stepanovich Runichin salaisen neuvonantajan muotokuva. 1817
Kangas, öljy. 134 x 103 cm Venäjän valtionmuseo

Nikolai Argunov. Muotokuva keisari Paavali I. 1797
Kangas, öljy. 285 х 206 cm Moskovan museo-Estanto Ostankino

1700-luvun alkuun asti venäläisessä maalauksessa kehittyi pääasiassa ikoninmaalausperinteitä.

Aikalaisten muistojen mukaan Venäjällä tuolloin kaikki kuvat sekoitettiin kuvakkeisiin: usein tullessaan vieraan taloon venäläiset kumarsivat tottumuksen mukaan ensimmäiseen kuvaan, joka pisti heidän silmänsä. Kuitenkin XVIII vuosisadalla. maalaus alkoi vähitellen hankkia eurooppalaisia ​​piirteitä: taiteilijat hallitsivat lineaarisen perspektiivin, jonka avulla voidaan välittää avaruuden syvyys, pyrkivät kuvaamaan oikein esineiden tilavuutta käyttämällä chiaroscuroa, tutkivat anatomiaa ihmiskehon tarkan toistamisen vuoksi. Öljyvärimaalauksen tekniikka levisi, uusia genrejä syntyi.

Erityinen paikka 1700 -luvun venäläisessä maalauksessa. otti muotokuvan. Tämän genren varhaisimmat teokset ovat lähellä 1600 -luvun Parsunia. Hahmot ovat juhlallisia ja staattisia.

Ivan Nikitich Nikitin (1680 - noin 1742) oli yksi ensimmäisistä venäläisistä muotokuvamaalareista. Jo varhaisissa muotokuvissaan - Pietari Suuren vanhempi sisar Natalja Aleksejevna (1715-1716) ja hänen tyttärensä Anna Petrovna (vuoteen 1716) - mallin volyymi ja luonnollinen asento välitettiin taitavasti, harvinaista tuohon aikaan. Näissä teoksissa on kuitenkin selvää yksinkertaistamista: hahmot kirkastuvat kirkkaasta valonsäteestä rajattoman avaruuden pimeydestä ja ovat olemassa ympäristön ulkopuolella; taiteilija kuvaa edelleen taitavasti kuvion rakennetta ja materiaalien - samettia, turkista, koruja - tekstuuria.

Palattuaan Pietariin neljän vuoden Italian-matkan jälkeen Nikitin loi parhaat teoksensa, mikä osoitti taiteilijan lisääntynyttä taitoa. Tämä on muotokuva liittokansleri GI Golovkinista ja muotokuva, joka tunnetaan nimellä "The Floor Hetman" (molemmat - 20s).

Pietari Suuren aikana monet ulkomaiset mestarit asettuivat Venäjälle ja työskentelivät eri tyyleissä ja tyylilajeissa. Johann Gottfried Tannauer (1680-1737), joka tuli Saksasta, maalasi muotokuvia keisarillisen perheen jäsenistä ja

Pietarin I luottamushenkilöt sekä taistelukankaat. Hänen kuuluisa maalauksensa "Pietari I Poltavan taistelussa" (10s) on eräänlainen komentajan muotokuva Euroopassa levinneen taistelun taustalla.

Louis Caravacc (1684-1754), ranskalainen mestari, joka oli kutsuttu Venäjälle, saavutti pian suuren kuuluisuuden ja hovimaalarin aseman. Hän työskenteli Venäjällä monta vuotta ja maalasi muotokuvia kaikista Venäjän hallitsijoista Pietarista Elizabethiin. Hänen siveltimensä kuuluu kuuluisaan seremonialliseen muotokuvaan Anna Ioannovnasta kruunajaismekossa (1730), joka toimi mallina muille tämän genren teoksille. Muotokuva välittää paitsi keisarinna - voimakkaan fysiikan naisen, joka on kuvattu juhlallisessa ja majesteettisessa asennossa, ulkonäön, mutta myös hänen luonteensa, taikauskoinen ja epäilyttävä. Karavakan työpajasta nousi monia 1700 -luvun puolivälin venäläisiä maalareita.

20-30 -luvun loppuun mennessä. XVIII vuosisata taidemaalari Andrei Matveevich Matveevin (1701 - 1739) lyhyt, mutta kirkas teos kuuluu. Vietettyään yli kymmenen vuotta Hollannissa ja Flanderissa hänestä tuli ensimmäinen venäläinen mestari, joka tiesi ”kirjoittaa tarinoita ja persoonia”, eli ei vain muotokuvia vaan myös maalauksia mytologisista ja historiallisista aiheista.

Kuitenkin ennen kaikkea Matveev on kuuluisa muotokuvamaalarina. Hänen kuuluisinta teostaan ​​pidetään "puolison muotokuva" (noin 1729). Taidekriitikkojen kiistat siitä, kuka siinä on kuvattu, eivät vieläkään lakkaa. Todennäköisesti tämä on omakuva taiteilijasta vaimonsa kanssa, eli ensimmäinen omakuva venäläisen maalauksen historiassa.

Vuodesta 1727 kuolemaansa asti Matveev johti rakennusten kanslian "maalauksellista ryhmää". Lähes kaikki taiteilijat opiskelivat ja palvelivat siellä ennen Taideakatemian avaamista.

40-50-luvulla. XVIII vuosisata sisältää Ivan Yakovlevich Vishnyakovin (1699-1761) työn. Vishnyakovin hienoin muotokuva kuvaa Sarah Eleanor Fermoria, kansliapäällikön tytär rakennuksista (1749). Nuori tyttö ylellisessä hopeanharmaassa satiinipuvussa, joka on brodeerattu kukilla, valmistautuu tekemään kapeaa. Kädessään hän pitää tyylikkäästi tuuletinta. Vishnyakovin kankaiden kädet on lähes aina maalattu erityisellä armoilla: sormet koskettavat vain kevyesti esineitä, ikään kuin liukuvat niiden pintaa pitkin. "Sarah Fermorin muotokuva" -teoksessa kiinnitetään huomiota pitsin herkkään maalaukseen ja koristeelliseen maisema -taustaan, jonka motiivit toistavat mekon kirjontaa.

Aleksei Petrovitš Antropov (1716-1795) ei onnistunut voittamaan kuvan ikonista tasaisuutta: katsoja ei tunne muotokuvissaan mallia ympäröivää tilaa. Niinpä "Valtion naisen muotokuva A. M. Izmailova" (1759), vanhus ja töykeä nainen, etualan kirkkaat värit ja täysin tumma, "tylsä" tausta ovat vastakohtia. Muotokuva Pietari III: sta (1762), jonka taiteilija on kuvannut komentajana, marsalkanpylväs kädessään, kontrasti hallitsijan siro nukkehahmon ja pompomaisen ympäristön välillä keisarillisen vallan ominaisuuksilla - vaippa, voima ja kruunu - taistelun taustalla on silmiinpistävää.

1700 -luvun jälkipuoliskolla venäläisten mestareiden maalaukseen ilmestyi uusia genrejä - maisema, arki ja historia, jota Taideakatemia piti tärkeimpänä. Merkittävimmät teokset luotiin kuitenkin edelleen muotokuva -tyylilajissa.